Técnicas de composición y encuadre

La composición y el encuadre en el cine son elementos visuales fundamentales que ayudan a transmitir la narrativa, establecer el estado de ánimo y capturar la atención del espectador. La forma en que enmarcas tus imágenes y organizas los elementos dentro del cuadro puede tener un impacto significativo en la forma en que se percibe la historia. Aquí te presento algunas técnicas de composición y encuadre que puedes utilizar para mejorar tus habilidades en la dirección cinematográfica.

Una de las técnicas de composición más comunes y efectivas es la regla de los tercios. Esta técnica divide el cuadro en nueve partes iguales mediante dos líneas horizontales y dos verticales, creando cuatro puntos de intersección. Colocar elementos clave en estos puntos o a lo largo de las líneas puede ayudar a equilibrar la composición y crear un interés visual más dinámico.

Experimentar con diferentes encuadres y profundidades de campo puede agregar profundidad y dimensión a tus imágenes. Puedes utilizar un encuadre cerrado para enfocarte en los detalles y las expresiones faciales, o un encuadre más amplio para capturar el entorno y establecer el contexto. Jugar con la profundidad de campo, ya sea utilizando una apertura amplia para desenfocar el fondo o una apertura estrecha para mantener todo nítido, te permite controlar qué elementos se destacan en la imagen.

La composición simétrica se basa en la colocación equilibrada de elementos en el cuadro, creando una sensación de armonía y estabilidad. Por otro lado, la composición asimétrica involucra la colocación de elementos de manera desequilibrada pero visualmente interesante, lo que puede generar tensión o crear una sensación de dinamismo en la escena. Experimentar con ambas técnicas puede ayudarte a transmitir diferentes emociones y estilos visuales.

Utilizar líneas de guía y elementos en movimiento en la composición puede agregar energía y dirección a tus imágenes. Las líneas diagonales, verticales u horizontales pueden guiar la mirada del espectador hacia un punto focal o crear un sentido de flujo en la escena. Además, incorporar elementos en movimiento, como personas caminando o vehículos en movimiento, puede agregar dinamismo y vida a la imagen.

Otro aspecto es el espacio negativo se refiere al espacio vacío alrededor de los sujetos principales de la imagen. Utilizar adecuadamente el espacio negativo puede ayudar a resaltar y enfatizar al sujeto principal, además de crear un efecto visual impactante. Jugar con el equilibrio entre los sujetos y el espacio negativo puede generar una composición más intrigante y atractiva.

No tengas miedo de experimentar y explorar nuevas técnicas de composición y encuadre. La dirección cinematográfica es un proceso creativo, y probar diferentes enfoques te permitirá descubrir tu estilo único y crear imágenes visualmente cautivadoras. Mantén la mente abierta, estudia el trabajo de otros directores y fotógrafos, y busca inspiración en diferentes formas de arte.

Dominar las técnicas de composición y encuadre te permite contar historias de manera visualmente impactante y efectiva. Al utilizar la regla de los tercios, experimentar con diferentes encuadres, jugar con la simetría y asimetría, y utilizar elementos como líneas de guía y espacio negativo, puedes crear imágenes cinematográficas poderosas que cautiven a tu audiencia y enriquezcan la narrativa de tu película.

PLANIFICACIÓN LOGÍSTICA Y PRESUPUESTO CINEMATOGRÁFICOS

La planificación logística y el presupuesto son dos aspectos fundamentales en la realización de una película. Una planificación adecuada permite optimizar los recursos disponibles y asegurar un flujo de trabajo eficiente, mientras que un presupuesto bien administrado ayuda a mantener el control financiero y evitar desbordamientos económicos.

• Planificación de la producción: Antes de iniciar el rodaje, se lleva a cabo una minuciosa planificación logística. Esto implica identificar y coordinar todos los elementos necesarios para la producción, como los lugares de rodaje, el equipo técnico, el elenco, el transporte, el alojamiento y la alimentación. Se elabora un cronograma detallado que establece las fechas de rodaje, las secuencias a filmar y los recursos requeridos en cada etapa. Esta planificación garantiza una ejecución eficiente y ordenada de la producción.

• Localizaciones: La selección de las localizaciones es un aspecto crucial en la planificación logística. Se deben buscar y asegurar los lugares adecuados que se ajusten a la visión del director y la historia. Esto implica realizar investigaciones, visitar posibles locaciones, obtener permisos de filmación y coordinar cualquier modificación o adaptación necesaria. En algunos casos, se puede requerir la construcción de sets especiales para recrear escenarios específicos.

• Equipo técnico y logística: Durante la planificación, se establece el equipo técnico necesario para el rodaje. Esto puede incluir cámaras, equipos de iluminación, sonido, utilería y otros equipos especializados. Además, se coordinan los horarios y las necesidades logísticas del equipo, como el transporte y el alojamiento, para garantizar que todos estén disponibles y puedan desempeñar sus funciones de manera efectiva durante el rodaje.

• Presupuesto: El presupuesto es un componente vital en la planificación de la producción. Se estima el costo de cada aspecto de la película, incluyendo los salarios del equipo, los gastos de producción, los costos de alquiler de equipos, los permisos, el transporte y otros gastos relacionados. Se debe tener en cuenta la viabilidad financiera del proyecto y se asignan los recursos adecuados a cada área. El presupuesto también se utiliza como guía para tomar decisiones durante la producción y controlar los costos a lo largo del proceso.

El Rodaje Cinematográfico - De la Teoría a la Práctica Paso a Paso

Bueno, pues me es grato anúnciales que, tenemos nuevo libro a la venta; y esta vez totalmente inmerso en el contenido del blog.

Una dirección pormenoriza de como llevar a cabo un rodaje cinematográfico, desde el principio hasta el final, detallando paso a paso todo lo que se debe y no se debe hacer al filmar una película en el plano real.

Con el título: "El Rodaje Cinematográfico – De la Teoría a la Práctica Paso a Paso" tenemos una guía completa que desentraña los secretos del proceso de realización de un rodaje cinematográfico. Desde la concepción de la idea hasta la entrega final de la película, este libro te lleva paso a paso a través de todas las etapas esenciales.

Descubre cómo se desarrollan las ideas y se transforman en guiones cautivadores. Aprende sobre la selección del elenco y las audiciones para encontrar a los actores adecuados. Sumérgete en la dirección de arte y en la planificación logística y presupuestaria para asegurar un rodaje exitoso.

Explora la importancia de la captura de imagen y sonido de alta calidad, y cómo se logra a través de técnicas cinematográficas. Descubre cómo se dirigen los actores y se coordinan las escenas para transmitir historias poderosas.

Adéntrate en la fase de postproducción, desde la edición y el montaje hasta el diseño de sonido y la corrección de color. Aprende de los errores comunes y las lecciones aprendidas de rodajes anteriores para evitar caer en las mismas trampas.

Además, "El Rodaje Cinematográfico – De la Teoría a la Práctica Paso a Paso" te proporciona una lista de lecturas recomendadas y referencias cinematográficas para expandir tus conocimientos. También te presenta diversas organizaciones y comunidades cinematográficas que te ofrecen apoyo y oportunidades en tu carrera.

Ya seas un estudiante de cine o un apasionado del séptimo arte, este libro te sumergirá en el emocionante mundo del cine y te brindará una comprensión profunda de la realización de un rodaje cinematográfico. Prepara tu equipo y adéntrate en esta emocionante aventura tras las luces del cine.

Disponible en varios formatos, tanto en libro como en ficheros para lectores electrónicos; tiene un precio asequible y está disponible tanto en la pagina de Amazon, de la distribuidora y en la del autor.

Esperamos que les pueda ser de ayuda y les guste...

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DIRECCIÓN DE ARTE

La dirección de arte desempeña un papel esencial en el modo narrativo de una película, ya que contribuye a crear la estética visual y el ambiente que respaldan la narrativa de la historia. La dirección de arte abarca la creación de los escenarios, la selección de los elementos visuales, el diseño de vestuario y la elección de la paleta de colores, entre otros aspectos. Su objetivo principal es transmitir la visión del director y enriquecer la experiencia visual de los espectadores.

• Investigación y referencias: El proceso de dirección de arte comienza con la investigación. El equipo de dirección de arte explora diferentes referencias visuales, como fotografías, pinturas, películas y libros, para captar la esencia estética y temática de la historia. Esta investigación sirve como punto de partida para desarrollar el estilo visual único de la película.

• Diseño de producción: El diseñador de producción es responsable de traducir la visión del director en una realidad tangible. Trabaja estrechamente con el director para comprender sus ideas y necesidades estéticas, y luego crea diseños conceptuales y bocetos que representen los escenarios y elementos visuales clave de la película. Estos diseños son utilizados como referencia durante la construcción de los sets y la selección de los objetos de escena.

• Construcción de los sets: Los sets son construidos para recrear los escenarios donde se desarrolla la historia. Esto puede implicar la creación de escenarios realistas, como una casa o una oficina, o la construcción de mundos fantásticos y ficticios. El director de arte trabaja con el equipo de construcción para asegurarse de que los sets sean fieles a la visión y el estilo de la película, prestando atención a los detalles arquitectónicos, la ambientación y los elementos decorativos.

• Selección de objetos de escena: Los objetos de escena son seleccionados cuidadosamente para reflejar el contexto y la personalidad de los personajes, así como para enriquecer la narrativa visual. El director de arte y su equipo se encargan de elegir los muebles, los accesorios, los objetos decorativos y cualquier otro elemento que se utilizará en los escenarios. Estos objetos pueden ser adquiridos, alquilados o incluso fabricados específicamente para la película.

• Diseño de vestuario: El diseño de vestuario es otra parte fundamental de la dirección de arte en el modo narrativo. El diseñador de vestuario colabora estrechamente con el director y el diseñador de producción para crear trajes que sean coherentes con la época, el ambiente y la personalidad de los personajes. El vestuario ayuda a definir visualmente a los personajes y a transmitir su evolución a lo largo de la historia.

• Paleta de colores y atmósfera: La dirección de arte también se encarga de establecer la paleta de colores y la atmósfera visual de la película. La elección de los colores, la iluminación y los filtros contribuye a crear una atmósfera emocional y acentuar la narrativa. Los colores pueden utilizarse para transmitir estados de ánimo, contrastar o enfatizar elementos importantes de la historia.

En resumen, la dirección de arte en el modo narrativo del proceso de rodaje de una película es esencial para crear la estética visual y el ambiente que respaldan la historia. A través de la investigación, el diseño de producción, la construcción de los sets, la selección de objetos de escena, el diseño de vestuario y la elección de la paleta de colores, el equipo de dirección de arte trabaja en conjunto para materializar la visión del director y enriquecer la experiencia visual de los espectadores.

TRABAJANDO CON MENORES EN EL CINE

Es muy frecuente ver a menores que participan en series, anuncios, películas u obras de teatro, por poner algunos ejemplos. Pues bien, se trata casos específicamente previstos legalmente en los que excepcionalmente se permite que menores de 16 años puedan trabajar.

Para ello, deben cumplirse una serie de requisitos legales específicos en aras de garantizar la protección de los menores y evitar situaciones que les puedan ser perjudiciales.

En general, los menores de 16 años tienen prohibido trabajar, salvo excepciones previstas legalmente. Asimismo, los trabajadores de 16 años y los menores de 18 años pueden trabajar pero con algunas limitaciones que más adelante se expondrán.

Para que un menor de 16 años pueda trabajar se requiere un permiso especial y que el trabajo a realizar no suponga ningún peligro para su salud ni para su formación profesional.

Algunos aspectos a tener en cuenta con el trabajo de menores

• Es necesario que haya una autorización por escrito firmada por sus padres o representantes legales, que ha de ser comunicada a la Autoridad Laboral (En España está regulada por las Comunidades Autonómicas), haciéndose constar las características concretas del trabajo a realizar. En caso contrario, no se podrá contratar al menor.

• El contrato de trabajo debe ser temporal para los días que sean necesarios. Sin embargo, en caso de ser un trabajo más a largo plazo, se puede contemplar la posibilidad de realizar un contrato indefinido.

• El menor debe ser dado de alta en la Seguridad Social, en el régimen de artistas. La base máxima de cotización será la misma que en el Régimen General.

• Puede haber especificidades normativas a nivel autonómico, por lo que antes de contratar en cada Comunidad al menor, habrá que verificar los requisitos legales concretos del territorio en el que se vaya a desarrollar la actividad laboral.

• Cualquier incumplimiento de la normativa puede acarrear sanciones. Asimismo, el menor está legitimado para denunciar y/o demandar a la empresa por cualquier incumplimiento del contrato de trabajo o de la normativa aplicable al mismo.

Mención especial a menores de más de dieciséis años

• Aunque a partir de los dieciséis años ya se puede trabajar, lo cierto es que existen unas condiciones especiales para aquellos trabajadores que no son aún mayores de edad, es decir, aquellos que se encuentran entre la franja de los dieciséis y los dieciocho años. Estas condiciones son:

• No se pueden realizar horarios nocturnos: la jornada laboral tendrá que ser siempre diurna (el horario nocturno es entre las 10 de la noche y las 6 de la mañana)

• Tampoco se podrán hacer actividades que impliquen algún riesgo. En un Decreto de 26/06/1957 constan especificados los trabajos que no se permiten en estos casos.

• Estos trabajadores no podrán hacer horas extraordinarias. Es importante recordar que si hacen horas de formación, éstas no puede hacerse fuera del horario laboral.

• Por último, cada jornada laboral tendrá que tener un período de descanso de 30 minutos, excepto si la jornada continuada tuviera una duración inferior a las cuatro horas y media. Tendrán que tener también un descanso semanal de dos días seguidos e ininterrumpidos.

En caso de que el menor de edad tuviera 16 años y estuviera emancipado legalmente, entonces estas limitaciones no se aplicarían y podría trabajar en plenas condiciones como si fuera mayor de edad. Por menores emancipados entendemos los siguientes casos:

• Aquellos que de forma voluntaria viven de forma independiente y con el consentimiento de sus padres o tutores legales

• Aquellos que han contraído un matrimonio y residen con su cónyuge y/o hijos, los que ejercen la patria potestad, por decisión judicial, etc.

En España hay algunas empresas como: www.oknens.com que gestionan y agilizan algunos trámites, que quizás habría que tener en cuenta por su experiencia.

GRANDES COMPOSITORES DE CINE

Las bandas sonoras de cine como vimos hace un par de artículos que formaban parte de las pistas musicales, son una parte esencial de la experiencia cinematográfica. Han sido creadas por algunos de los compositores contemporáneos más talentosos del mundo, quienes han dado vida a personajes y situaciones a través de la música. 

A continuación, te presentamos algunos de los grandes compositores de bandas sonoras de cine.

• John Williams: Es probablemente uno de los compositores más conocidos de bandas sonoras de cine. Ha creado la música para películas como Star Wars, Indiana Jones, Jurassic Park, E.T. y Harry Potter, entre muchas otras. Sus piezas son reconocidas por su gran orquestación y emotividad, lo que las hace perfectas para acompañar momentos épicos en la pantalla.

• Howard Shore: Es el compositor detrás de la música de la trilogía de El Señor de los Anillos, una de las sagas más exitosas de la historia del cine. Su trabajo también incluye bandas sonoras para películas como El silencio de los corderos y Hugo, entre muchas otras. Shore es conocido por su habilidad para crear temas melancólicos y emotivos que se adaptan perfectamente a la pantalla.

• Thomas Newman: Es el compositor detrás de la música de películas como American Beauty, Buscando a Nemo, Wall-E, Skyfall y 1917. Su trabajo se caracteriza por la creación de temas minimalistas y atmosféricos que han sido muy influyentes en el cine contemporáneo.

• Hans Zimmer: Es otro de los grandes compositores de bandas sonoras de cine, reconocido por su trabajo en películas como El Rey León, Gladiator, Piratas del Caribe, Batman, entre muchas otras. Zimmer es conocido por su habilidad para fusionar elementos electrónicos con orquestales, creando así un sonido único y memorable.

• Alexandre Desplat: Es un compositor francés que ha creado música para películas como El Gran Hotel Budapest, La forma del agua, Harry Potter y las reliquias de la muerte, y El discurso del rey, entre muchas otras. Es conocido por su estilo refinado y emotivo, que se adapta perfectamente a las películas dramáticas.

• Alan Silvestri: Es conocido por su trabajo en películas como Regreso al futuro, Forrest Gump, Los Vengadores, y Ready Player One, entre muchas otras. Silvestri es conocido por su habilidad para crear temas memorables y emocionantes que se quedan grabados en la memoria de los espectadores.

• James Horner: Es el compositor detrás de la música de películas como Titanic, Braveheart, Avatar, y Una mente brillante, entre muchas otras. Horner fue un maestro en la creación de temas emocionantes y épicos que se adaptan perfectamente a las películas de aventuras y drama.

• Ennio Morricone: Fue uno de los compositores más influyentes de la historia del cine, creando música para más de 500 películas en su carrera. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como El bueno, el malo y el feo, La misión, y Los odiosos ocho, entre muchas otras. Morricone fue un maestro en la creación de temas icónicos que han quedado grabados en la memoria de los espectadores.

• Michael Giacchino: Es el compositor detrás de la música de películas como Up, Ratatouille, Los Increíbles, y Star Trek, entre muchas otras. Giacchino es conocido por su habilidad para crear música emocionalmente poderosa y temas muy memorables.

• Jerry Goldsmith: Fue un compositor muy influyente en la historia del cine, con un trabajo que incluye películas como La profecía, Gremlins, Rambo, y Chinatown, entre muchas otras. Goldsmith fue conocido por su habilidad para crear música que complementaba perfectamente el tono y la atmósfera de las películas.

• Danny Elfman: Es conocido por su trabajo en películas como Batman, Eduardo Manostijeras, La novia cadáver, y Spider-Man, entre muchas otras. Elfman es conocido por su estilo oscuro y melancólico que se adapta perfectamente a las películas de terror y fantasía.

• Rachel Portman: Es una compositora británica que ha creado música para películas como Emma, La casa del lago, Las hermanas de la Magdalena, y Chocolat, entre muchas otras. Portman es conocida por su habilidad para crear música emotiva y delicada que se adapta perfectamente a las películas de drama y romance.

• Randy Newman: Es el compositor detrás de la música de películas como Toy Story, Monstruos S.A., Cars, y The Princess and the Frog, entre muchas otras. Newman es conocido por su habilidad para crear música divertida y conmovedora que se adapta perfectamente a las películas de animación.

• John Powell: Es un compositor británico que ha creado música para películas como Kung Fu Panda, Cómo entrenar a tu dragón, Solo: A Star Wars Story, y The Bourne Identity, entre muchas otras. Powell es conocido por su habilidad para crear música emocionante y épica que se adapta perfectamente a las películas de acción y aventuras.

• James Newton Howard: Es el compositor detrás de la música de películas como El sexto sentido, El bosque, Los juegos del hambre, y King Kong, entre muchas otras. Howard es conocido por su habilidad para crear música atmosférica y emotiva que se adapta perfectamente al tono y la atmósfera de las películas.

Estos son solo algunos de los grandes compositores de bandas sonoras de cine, quienes han dejado su huella en la historia del cine con su trabajo. Cada uno de ellos ha creado música única y memorable que ha acompañado a algunas de las películas más exitosas de todos los tiempos, y han sido una parte importante de la experiencia cinematográfica.

CINEMA VERITÉ

El cinéma verité, también conocido como cine verdad o cine directo, es un estilo cinematográfico documentalista que surgió en Francia a finales de los años 50 y principios de los 60. Este movimiento cinematográfico buscaba captar la realidad de manera objetiva, sin la intervención del director o del equipo de producción, y reflejar la vida tal y como es.

El cinéma verité se caracterizó por el uso de cámaras ligeras y portátiles que permitían una mayor movilidad en la filmación, lo que posibilitó la improvisación y la captación de situaciones cotidianas y espontáneas. Además, la sincronización de sonido permitió una mayor fidelidad en la grabación de diálogos y sonidos ambientales.

Entre los precursores del cinéma verité se encuentran el cineasta ruso Dziga Vertov y el estadounidense Robert Flaherty, quienes a principios del siglo XX ya habían experimentado con la captación de la realidad en sus películas documentales. Sin embargo, el movimiento cobró especial fuerza en Francia con la llegada de la Nouvelle Vague y la influencia de la filosofía fenomenológica.

Entre los cineastas más destacados del cinéma verité se encuentran Jean Rouch, Edgar Morin, Chris Marker, Willy Rozier y François Reichenbach en Francia, y Don A. Pennebaker, Robert Drew y Richard Leacock en Estados Unidos. Estos cineastas se dedicaron a explorar diferentes temas y problemáticas sociales a través de sus películas, desde la vida cotidiana de los obreros hasta la situación política y social del país.

El cinéma verité tuvo una gran influencia en el desarrollo del cine documental y en la forma en que se aborda la realidad en el cine contemporáneo. A través de sus películas, este movimiento logró mostrar la vida de manera más auténtica y cercana al espectador, y romper con los convencionalismos y formalismos del cine tradicional.

EL CROMA KEY

La técnica del Chroma Key, también conocida como Croma, consiste en utilizar un fondo de un color sólido y uniforme, generalmente de color verde o azul, que se reemplaza posteriormente en la postproducción por otro elemento visual o fondo. Esto se logra mediante el uso de software de edición de vídeo o de composición de imágenes, como Adobe After Effects, Final Cut Pro o DaVinci Resolve, entre otros.

El objetivo del Chroma Key es permitir la creación de escenas que serían imposibles de filmar en la realidad, como por ejemplo, volar por el espacio, estar en una ciudad futurista, estar en un entorno mágico o fantástico, entre otros.

Para utilizar esta técnica, se debe filmar a los actores o elementos frente a una pantalla de croma de un color uniforme, y luego en la postproducción se elimina ese color y se inserta el fondo deseado. Es importante que el color utilizado en la pantalla sea lo más uniforme posible, para que sea más fácil de reemplazar.

El uso del color verde en la pantalla de croma es común porque este color no es muy común en la ropa de las personas, y tampoco se encuentra en la piel humana. Además, la mayoría de las cámaras de vídeo tienen una sensibilidad menor en la parte verde del espectro, lo que hace que el fondo verde sea más fácil de separar de los elementos que se encuentran delante de él.

El Chroma Key es una técnica muy utilizada en la industria del cine y la televisión, y permite ahorrar tiempo y costos de producción al evitar la filmación en locaciones específicas y el uso de decorados complejos.

Además, el uso de fondos cromáticos permite la creación de efectos especiales impresionantes y muy realistas, como la aparición de personajes en lugares imposibles, la creación de paisajes y escenarios fantásticos, entre otros. También se utiliza en la industria de la publicidad para agregar elementos atractivos a los anuncios y en el mundo del cine para crear mundos imaginarios y escenas de acción impactantes.

La técnica de croma se ha popularizado en los últimos años gracias a la aparición de programas de edición de video y fotografía cada vez más accesibles y fáciles de usar, lo que ha permitido que cualquier persona pueda utilizar esta técnica en sus proyectos. Sin embargo, es importante tener en cuenta que la calidad del resultado final dependerá en gran medida de la calidad del material original y de la habilidad del editor en la postproducción.

LA BANDA SONORA Y LAS PISTAS DE AUDIO

El sonido considerado de forma global en nuestra creación, también llamado banda sonora, puede estar constituido por una composición musical, el sonido ambiente, los efectos sonoros, la palabra o todos estos elementos simultáneamente. 

La banda sonora hace así referencia al conjunto de pistas que forman el audio de nuestra pieza. De forma habitual, sin embargo, se emplea el término de banda sonora para referirse en exclusiva a la música de la obra.

La banda sonora nos permite ilustrar y transmitir emociones en determinadas escenas y personajes y el audio define el sentido de una escena por aquello a lo que nos remite.

Además, el sonido puede ser utilizado para crear un ambiente específico en la escena o para transmitir emociones y sensaciones al espectador. Por ejemplo, un sonido de viento puede dar la sensación de frío o de soledad, mientras que un sonido de risa puede transmitir alegría y diversión. La música también es un elemento clave en la creación de una banda sonora, ya que puede ser utilizada para crear una atmósfera determinada, para subrayar la acción o para enfatizar las emociones de los personajes.

La mezcla de sonido es otra parte importante del proceso de creación de una banda sonora. La mezcla es el proceso de ajustar el volumen, la ecualización y la ubicación espacial de los diferentes elementos sonoros para crear un equilibrio entre ellos y para conseguir un sonido coherente y convincente. La mezcla es fundamental para lograr que la banda sonora suene de forma natural y para que no haya elementos sonoros que se solapen o que resulten molestos para el espectador.

Veamos diferentes partes, definiciones y nomenclaturas:

La banda de dialogo:

• Esta pista es uno de los elementos más importantes de la banda sonora de una película. Es en esta banda donde se registran todas las voces y diálogos de los personajes, así como los efectos sonoros que se crean específicamente para la película, como los sonidos de los golpes, explosiones, disparos, etc.
• En la mayoría de los casos, la grabación de la banda de diálogo se realiza por separado de las imágenes de la película, en un estudio de grabación especializado. Los actores se colocan delante de un micrófono y graban sus diálogos de forma individual, para luego ser montados en la película.

• Una vez que se han grabado los diálogos, se procede a mezclarlos con otros sonidos ambientales para crear una atmósfera sonora coherente con lo que se ve en la pantalla. Por ejemplo, si en una escena se muestra un bosque, se agregarán sonidos de la naturaleza como pájaros, grillos, agua corriendo, etc. Estos sonidos se graban y mezclan en la banda de diálogo para crear una sensación de realismo y profundidad.
• En definitiva, la banda de diálogo es esencial para crear la sensación de que los personajes están hablando y para transmitir el argumento y el guión de la película. Además, también ayuda a construir el mundo sonoro en el que se desarrolla la acción, creando una atmósfera que refuerza la experiencia de ver la película.

La banda de efectos sala: 

• Esta es una de las partes fundamentales de la creación de la banda sonora de una película. Como se mencionó anteriormente, esta banda se encarga de registrar y montar los sonidos de ambiente que corresponden a las acciones y movimientos de los personajes y objetos en la escena.
• Por ejemplo, si hay una escena en la que un personaje camina por un bosque, se grabará el sonido de los pasos sobre las hojas secas, el sonido de las ramas moviéndose, el viento soplando, entre otros sonidos que corresponden al entorno en el que se desarrolla la escena.
• Es importante mencionar que muchos de estos sonidos se graban en el momento de la filmación, en lo que se conoce como el "sonido directo", pero otros sonidos se agregan en la postproducción a través de técnicas de grabación y mezcla en estudio.
• En la creación de la banda de efectos sala, se busca que los sonidos sean lo más realistas posible y que se adapten a las necesidades de la escena, para lograr una mayor inmersión del espectador en la historia. También se busca que los sonidos tengan una buena calidad y sean fácilmente distinguibles para el público, sin opacar el diálogo y otros elementos importantes de la película.
• Por último, mencionar que la banda de efectos sala puede ser doblada en estudio en algunos casos, es decir, los sonidos se recrean en un estudio de grabación para lograr una mayor fidelidad y control sobre ellos. Esto se hace especialmente en situaciones en las que no se logró captar un sonido en el momento de la filmación o cuando se busca una mayor precisión en la mezcla final.

La banda de mezclas:

• También conocida como "mezcla final", es la banda sonora del filme en su versión final, que se obtiene a través de la mezcla de las diferentes pistas de sonido grabadas durante la producción de la película. Esta banda combina la música, los efectos sonoros, los diálogos y otros elementos de sonido para crear una experiencia sonora cohesiva y equilibrada que complementa la imagen y la historia.
• En la banda de mezclas, se ajustan los niveles de cada pista de sonido, se mezclan y se integran para que el resultado final sea una pista única, que suene natural y coherente con las imágenes. También se pueden aplicar efectos de procesamiento de sonido, como reverberación, ecualización o compresión, para mejorar la calidad de la mezcla.
• Una vez que se ha completado la mezcla final, la banda de mezclas se sincroniza con la imagen del filme y se crea una copia final en la que la imagen y el sonido están completamente integrados. La banda de mezclas es, por lo tanto, una parte fundamental del proceso de postproducción de cualquier obra audiovisual, ya que determina en gran medida la calidad del resultado final y la experiencia del espectador.

La banda de música 

• Es un elemento importante dentro de la realización audiovisual, ya que la música tiene la capacidad de transmitir emociones y reforzar el mensaje que se quiere transmitir en una película. Esta banda está compuesta por la grabación de la música original de la película o la selección de piezas musicales preexistentes que se utilizan en el montaje final.
• La música puede ser compuesta especialmente para la película o pueden utilizarse piezas musicales ya existentes, como canciones populares, música clásica, jazz, entre otros géneros. La elección de la música debe estar en sintonía con la trama, los personajes y el tono de la película.

• La banda de música se monta en el proceso de postproducción de sonido, y se mezcla con las otras bandas de sonido para crear la banda sonora final de la película. La música puede tener un papel destacado en determinadas escenas, como en los momentos de tensión, los románticos, los de comedia, los de acción, entre otros. También puede ser utilizada para enfatizar los momentos dramáticos o para crear un ambiente determinado.
• En definitiva, la banda de música es una parte fundamental de la realización audiovisual y su correcta elección y uso puede marcar la diferencia en la percepción y recepción de una película por parte del espectador.

En resumen, la banda sonora de una película no solo incluye la música, sino también todos los efectos de sonido, diálogos y silencios. En el caso de la banda sonora óptica, el sonido se graba directamente en la película mediante un proceso fotoquímico, mientras que en la banda sonora magnética, se utiliza una cinta magnética que se coloca junto a la película y que graba el sonido en una banda estrecha en el borde de la película.

Es cierto que en ocasiones se utiliza incorrectamente el término "banda sonora" para referirse exclusivamente a la música de la película, cuando en realidad es un concepto mucho más amplio que abarca todos los elementos sonoros de la misma. Esta música puede ser vendida en forma de disco, en lo que se llama "banda sonora original" o "soundtrack", pero siempre es importante recordar que es solo una parte de la banda sonora completa.

El sonido es un elemento fundamental en la realización audiovisual, que tiene el potencial de influir en la forma en que el espectador percibe y entiende la imagen. La creación de una banda sonora es un proceso creativo complejo que implica la selección y mezcla de diferentes elementos sonoros con el fin de lograr una coherencia y una sensación de realismo en la escena.

SUBSECTORES DE LA DISTRIBUCIÓN CINEMATOGRÁFICA

La distribución cinematográfica es el proceso por el cual una película se pone a disposición del público. Normalmente, esta tarea la ejecuta un distribuidor profesional, quien determina la estrategia de mercadotecnia, la fecha de estreno y el medio por el cual se mostrará (o se hará disponible para ver) la película, entre otras cosas. Las producciones cinematográficas pueden ser exhibidas a las audiencias a través de cines, televisión o visualizaciones caseras (DVD, video bajo demanda, descarga digital, etc.). Para proyectos comerciales, la distribución cinematográfica usualmente es acompañada de promoción cinematográfica.

En el caso de la distribución se podría dividir a su vez en tres subsectores principales que segmentan el mercado. Conocer bien estos subsectores es muy importante, tanto si vas a mover tu película, como si necesitas adquirir los derechos para la exhibición en alguna sala o plataforma. Muchas veces hablamos de distribuidores de manera genérica sin atender bien a la especialización de cada uno de ellos, y podemos encontrarnos con problemas.

Las empresas de distribución o los distribuidores freelance se segmentan sobre todo en función de una ventana de exhibición, y en función de ello adquieren unos derechos u otros.

Los principales subsectores son tres: salas de cine, festivales y la venta a televisiones, VOD y otras plataformas.

La distribuidoras especializadas en salas de cine

Más conocido por el término en inglés theatrical. Estas distribuidoras basan su modelo de negocio en la gestión de los derechos para la exhibición en salas, se encargan de diseñar una estrategia de estrenos y estar en contacto con los programadores de las diferentes salas de cine del país.

Tienen una ámbito de actuación de carácter nacional e incluso regional y suelen comprar los derechos en los principales mercados internacionales como Cannes, Berlin o Toronto. La compra de estos derechos se suelen hacer solo para el pais de la distribuidora, por un tiempo limitado y en exclusividad.

Hay que tener en cuenta que las salas de cine, como ventana de explotación, no suelen ser suficientes para amortizar la compra de estos derechos, por lo que estas distribuidoras adquieren también los derechos para televisión, festivales y otras plataformas. De esta manera diseñan una explotación en todas las ventanas, pero solo en sus propios países.

La estrategia más habitual suele ser estrenar primero en las salas de cine para luego amortizar el resto de ventanas y hacer rentable la compra de estos derechos. La disrupción en este modelo está provocando que plataformas como Netflix compren los derechos para todo el mundo y cuestionen los modelos de negocio de estas distribuidoras.

Trabajan sobre todo con largometrajes, en menor medida con documentales y los cortometrajes no lo contemplan, siempre trabajan con formatos de larga duración. El motivo es claro, el cortometraje o el mediometraje no tienen relevancia comercial en el ámbito de las salas de cine.

Aunque hay iniciativas de exhbición de cortometrajes en salas de cine, hay muy pocas distribuidoras que gestionan los derechos de explotación para salas de cine, prácticamente el mercado no existe.

Este fue uno de los problemas que se encontró Jose Luis al intentar adquirir los derechos de explotación para su sala de cine. Estaba en contacto con las distribuidoras de los cortos, pero éstas no gestionaban salas.

Las distribuidoras especializadas en festivales de cine

Mientras que las distribuidores especializadas en salas de cine hacen un inversión inicial tanto en la compra, como el lanzamiento de las películas. Las distribuidoras en festivales de cine tienen un modelo de negocio diferente.

En la mayoría de los casos ofrecen un servicio al productor o al director, diseñando una estrategia, inscripción y envío a festivales de cine por todo el mundo. Por tanto trabajan en un ámbito internacional, sobre todo sin exclusividad.

Se dirigen sobre todo a los programadores de festivales, con los que normalmente suelen estar en contacto y conocen las líneas de programación de la mayoría de los festivales.

Las distribuidoras de festivales se han desarrollado mucho en los últimos años, sobre todo en el ámbito del cortometraje, ya que es su principal circuito. Estas distribuidoras han ido evolucionado y muchas de ellas también trabajan con largometrajes.

Los agentes de ventas

Son freelance o agencias especializadas en vender los derechos de las películas en el mercado internacional.

Podríamos considerarlos como el tercer subsector dentro del ámbito de la distribución, ya que se encargan de encontrar distribuidores nacionales de salas de cine, o bien otras ventanas, como VOD, televisiones, etc.

Los agentes de ventas representan a las películas en los mercados internacionales, conocen bien a los compradores y distribuidores. Los buenos agentes de ventas pueden hacer rentable una película incluso antes de su estreno, a base de preventas y ventas a otros países.

También trabajan con festivales, sobre todo los más importantes, que tienen mercados potentes, como Cannes, Berlín, Toronto e incluso Sundance. La clave de un agente de ventas es conocer bien el mercado internacional y tener una presencia destacada en estos mercados, por lo que tienen que viajar mucho durante el año.

La segmentación del mercado

Teniendo en cuenta estos tres subsectores, hay empresas que pueden abarcar todas las ventanas, aunque no es lo más habitual. Hay empresas especializadas en festivales y ventas, otras solo en festivales.

Si contratas una distribuidora de festivales que también hace ventas, tendrás que hacer dos contratos, o dejar claro su ámbito de actuación en cada caso, y si los cines están incluidos o no.

Si vas a contratar otra empresa que va a gestionar los derechos en mercados internacionales, investiga como trabaja, a que mercados asiste personalmente y si suele rentabilizar su catálogo.

El funcionamiento del sector de la distribución es cada vez más complicado, por lo que es fundamental tener claros algunos conceptos. Ten cuenta que es un sector en continúa evolución y sometido a procesos disruptivos que están cambiando sus estructuras de funcionamiento muy rápidamente.

EL GERENTE DE PRODUCION

Un gerente de producción de la unidad, a veces denominado UPM, es responsable de coordinar y supervisar la producción de proyectos de cine, televisión o teatro. Básicamente, la UPM supervisa la producción de principio a fin, con énfasis en asegurarse de que el proyecto se mantenga dentro de su presupuesto y en la fecha prevista. Además de estas dos responsabilidades principales, hay muchas otras responsabilidades que el gerente de producción de la unidad debe asumir.

Una vez que una producción recibe el visto bueno para comenzar, comienza el trabajo del gerente de producción de la unidad. Desglosar el guión y estimar los costos para crear un presupuesto para la producción es una de las primeras responsabilidades de la UPM. Una vez que se ha establecido un presupuesto, es responsabilidad del gerente de producción asegurarse de que la producción no exceda el presupuesto. Crear un cronograma de producción es otra responsabilidad del gerente de producción de la unidad, y está relacionado con el presupuesto; Si la producción se retrasa, los costos a menudo aumentan. Por esta razón, es tarea del UPM asegurarse de que se siga el cronograma.

Otra responsabilidad del gerente de producción de la unidad es encontrar ubicaciones para la producción. Esto es más para producciones de cine y televisión que para producciones teatrales. Una vez que se han establecido las ubicaciones, corresponde a la UPM obtener permisos y permisos para usar las ubicaciones. Esto puede implicar estar en contacto con las autoridades locales, especialmente en el caso de grandes producciones. Para el rodaje, también es parte de la responsabilidad de la UPM organizar el alojamiento y el transporte del elenco y el equipo.

Además de organizar la logística de una producción, la contratación de personal es a menudo otro aspecto del trabajo. Los tipos más comunes de personal que contrata la UPM son los miembros de la tripulación, como el personal de cámaras e iluminación. Conseguir contratos asegurados con la tripulación es otro deber del trabajo. Es útil si la UPM conoce los aspectos básicos de los aspectos técnicos de la producción, como la iluminación, la edición y el trabajo con la cámara, ya que esto ayudará con las decisiones de contratación y permitirá que la UPM ofrezca asistencia técnica si es necesario durante la producción.

Organizar el equipo adecuado para estar en el set es otra cosa que hace el gerente de producción. Asegurarse de que haya cobertura de seguro para todos aquellos que lo requieren durante la producción es otro aspecto del trabajo. Además, este puesto debe garantizar que todas las personas involucradas cumplan con las diversas regulaciones para la producción, incluidas las normas de seguridad, las normas sindicales y las normas del gremio.

Es importante que el gerente de producción de la unidad sepa en todo momento qué sucede con la producción. Escribir informes diarios de decisiones, gastos y actividades es generalmente otro deber de la UPM. Si bien el UPM no está involucrado en el lado creativo de la producción, él o ella es responsable de todas las demás decisiones diarias y debe delegar tareas para asegurarse de que todo funcione de la mejor manera posible.

EL PRODUCTOR DE CAMPO

El productor de campo es la persona responsable en set de la organización del recurso humano y técnico necesario para el rodaje de escenas en exteriores y locaciones.

Los productores de campo coordinan historias filmadas fuera del estudio. Comúnmente trabajan en áreas de producción, como la realización de documentales, reportajes de noticias y reality shows. Estos miembros de la tripulación tienen una amplia capacitación para que estén listos para manejar una variedad de situaciones. Algunos son graduados de programas de producción de cine y televisión en colegios y universidades, mientras que otros aprenden en el trabajo, sirviendo en una variedad de puestos en equipos de filmación para familiarizarse con los diferentes aspectos de la producción.

Un aspecto importante del papel de un productor de campo es actuar como coordinador y enlace entre las personas en el estudio, el equipo de campo y los sujetos o actores. La coordinación involucra todo, desde hacer arreglos para los sitios de filmación hasta tranquilizar a los sujetos de las entrevistas nerviosas. Dependiendo de la naturaleza de la producción, el productor de campo puede escribir y filmar la historia, o puede trabajar con otro productor para dar vida a la historia escrita de ese productor en la película.

Estos profesionales determinan las necesidades de equipo, contratan y administran personal para el campo, y supervisan el empaque de los vehículos de producción para garantizar que todo lo necesario se lleve a cabo en el campo. Trabajan con personas como exploradores de ubicaciones para seleccionar lugares adecuados para la filmación. Este miembro del equipo de producción puede ser responsable de alinear a las personas para filmar, obtener permisos y organizar alimentos y alojamiento para el equipo de filmación. El productor de campo también debe satisfacer otras necesidades especiales.

Los productores de campo pueden realizar entrevistas además de entrenar sujetos para que se sientan cómodos frente a la cámara. El productor de campo puede proporcionar consejos y trucos que harán que el tema parezca más animado en la película. Los sujetos también pueden ser entrenados para evitar divagaciones, sonidos repetitivos u otros problemas que pueden arruinar una entrevista. Una organización similar es necesaria para los sujetos animales. El productor de campo debe encontrar animales y manipuladores, organizar protecciones de salud y seguridad y satisfacer necesidades tales como el uso de técnicas especiales de iluminación o cámara para evitar molestar a los animales.

Es importante poder pensar rápidamente en este puesto de trabajo. Las cosas pueden salir mal rápidamente con la filmación. Un productor de campo ingenioso puede anticipar algunos problemas y actuar para resolver otros rápidamente para que no se pierda el tiempo. El tiempo es dinero en la producción de campo y es más probable que se contrate nuevamente a un productor que pueda mantener las producciones consistentemente en o por debajo del presupuesto.