viernes, 15 de octubre de 2021

HISTORIA DEL CINE (2010-2019)

Nos encontramos ya en la segunda década del Siglo XXI, esta nos ha dejado como legado 10 años de increíbles producciones que reafirman que el Cine como arte y como industria, está más vivo que nunca alrededor de todo el mundo.

Siempre se suele recurrir a aquello de que "cualquier tiempo pasado fue mejor", y puede que las películas de los 80, o de los años 30, fueran en líneas generales superiores a las que se ruedan ahora. Pero no cabe duda de que en los años transcurridos entre 2010 y 2019 llegaron a los cines numerosos títulos de interés, y auténticas obras maestras.


Ahora las cantidades y los niveles de producción y calidad se han emparejado, por lo que es tan fácil encontrar producciones de gran valor artístico, técnico y de entretenimiento en todas partes del mundo, en todo tipo de género y bajo todo tipo de presupuestos y alcances de distribución, por lo que sería imposible hacer una lista sin grandes omisiones o polémicas. Es por ello, no consideren esto como “los mejores” pero sí como algunos filmes “esenciales”… No hay verdades absolutas, solo muy, muy buenas recomendaciones y claro luego sobre gustos colores.

Películas como La red social de David Fincher, iniciaron una década que se preveía encaminada en buenos títulos haciendo referencias a las nuevas tecnologías emergentes. El rescate de antiguas sagas como por el ejemplo el Origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt también hacían acto de presencia sobre grandes films de antaño. En clave social películas como Doce años de esclavitud, de Steve McQueen apelarían a la historia más reciente y oscura de América. Y en clave española, creo y sin duda no me lo podréis negar... que Ocho apellidos vascos, nos marcó bastante. Además de secuelas como Blade Runner o Kong la isla de la calavera también calarían en el gran publico.

Mirando atrás, muchas cosas han pasado en el mundo del cine. Y Oriente ha empezado a verlo, convirtiéndose en uno de los factores más importantes a la hora de hacer superproducciones, pero lo que sin duda ha cambiado la industria del cine en esta década ha sido sido el streaming, un fenómeno social que ha echo cambiar de manos las grandes productoras de Hollywood por las modernas plataformas de cine bajo demanda; y que de la mano de Netflix, HBO, Disney+, Amazón o Apple TV entre otras muchas, han abierto una guerra por el control del mercado cinematográfico.


Creo que a continuación vais a encontrar una selección muy variada e interesante, fruto de la opinión y el criterio de varias fuentes consultadas, pero también un reflejo de las grandes obras que nos ha dejado el séptimo arte durante la última decena de años. 

He aquí algunos de los títulos de esta década:
  • La red social (2010 - USA - David Fincher)
  • El libro de Eli (2010 - USA - Albert Hughes)
  • Origen (2010 - UK,USA - Christopher Nolan)
  • El origen del planeta de los simios (2011 - USA - Rupert Wyatt)
  • La invención de Hugo (2011 - Francio,USA - Martin Scorsese)
  • Cowboys & Aliens (2011 - USA - Jon Favreau)
  • Los vengadores (2012 - USA - Joss Whedon)
  • Los juegos del hambre (2012 - USA - Gary Ross)
  • Skyfall - 007 (2012 - USA,UK - Sam Mendes)
  • Doce años de esclavitud (2013 - USA,UK - Steve McQueen)
  • El medico (2013 - Alemania - Philipp Stölzl)
  • Capitán Phillips (2013 - USA - Paul Greengrass)
  • Interstellar (2014 - USA,UK - Christopher Nolan)
  • Ocho apellidos vascos (2014 - España - Emilio Martinez Lázaro)
  • El corredor del laberinto (2014 - USA - Wes Ball)
  • Leviafan (2015 - Rusia - Andrey Zvyagintsev)
  • El despertar de la fuerza - Star Wars (2015 - USA - J.J. Abrams)
  • Mad Max Furia en la carretera (2015 - Australia,USA - George Miller)
  • La ciudad de las estrellas - La La Land (2016 - USA - Damien Chazelle)
  • La gran muralla (2016 - Australia, Canada, China - Zhang Yimou)
  • La doncella (2016 - Corea - Park Chan-wook)
  • Blade Runner 2049 (2017 - Canada,USA - Denis Villeneuve)
  • Kong: La isla Calavera (2017 - USA - Jordan Vogt-Roberts)
  • Los últimos (2017 - Argentina - Nicolás Puenzo)
  • El cuaderno de Sara (2018 - España - Norberto López Amado)
  • Ready Player One (2018 - India, USA - Steven Spielberg)
  • Un lugar tranquilo (2018 - USA - John Krasinski)
  • Parásitos (2019 - Korea - Bong Joon-ho)
  • El canto del lobo (2019 - Francia - Antonin Baudry)
  • Érase una vez en... Hollywood (2019 - USA - Quentin Tarantino)

domingo, 26 de septiembre de 2021

VAMOS A HACER UNA PELÍCULA DESDE CERO

¿Has pensado alguna vez en convertirte en director de cine...? pues esta es tu oportunidad. Con este sencillo método, podrás empezar a hacerlo. Te enumeramos UNO A UNO los pasos que todo cineasta debe seguir para realizar su propia película. Y todo de forma amateur, sin necesidad de desembolsar grandes cantidades de dinero.

Muchas películas se han realizado de esta forma, desde películas de terror hasta películas de acción. Tendrás que elegir el tipo de cámara, los actores de reparto, elaborar un guión y un sinfín de cosas más. Incluso, si te queda bien, te diremos dónde podrás subir tu película para que todo el mundo la vea. Crea tu propio proyecto cinematográfico.

¿Todo el mundo puede realizar una película... y quién sabe?, a lo mejor es tu talento escondido. Mas aunque hacer una película parezca muy sencillo, lo importante es tener todo muy bien planificado, desde el tiempo de los guiones hasta la elección del reparto. Pero esa organización tan importante es la que te ofrecemos en este proceso. Podrás cambiar los tiempos a tu gusto e ir modificando las tareas a tu conveniencia... sólo tienes que prestar atención y centrarte en tu película.

Esperamos que te lo pases muy bien realizando tu propio film. Ya nos contarás más adelante cómo te ha ido. A continuación, te vamos a dejar una serie de reglas para rodar una película profesional con mu y poco dinero.

Lo primero... la historia


Las películas son historias visuales, así que lo primero consiste en pensar y tener una idea para convertirla en película. Piensa en películas que te guste o en libros que te han gustado cuando los has leído y considera que es lo que les hace tan interesantes. Haz una lista de todos los accesorios, ubicaciones y posibles actores que tengas disponibles, y luego desarrolla la trama en torno a ello. Un consejo: Es bueno tener diario de sueños, pues a veces los sueños, al igual que las películas, son historias muy visuales. Apunta todas tus ideas en un cuaderno y lee las noticias de los periódicos. Ten una idea básica y trabaja con ella.

Después, crea el guión


En un guión se escriben todos los momentos de la historia en escenas individuales y aptas para una película. En el guión, se escriben todos los diálogos de cada personaje, incluso ciertas instrucciones físicas y vistas de la cámara. 

Cada escena deberá comenzar con una pequeña descripción, como por ejemplo interior, noche, día, casa. A menudo, tendrás que pensar en lo más económico. 

No te compliques mucho; a veces, puede ser mejor cortar una escena épica de 30 minutos y poner el resultado.

Importante también es la estética de la película


Como las películas son visuales, es muy recomendable pasar tiempo pensando y diseñando el aspecto y la sensación que quieres transmitir al público. Recuerda el tipo de película que vas a realizar, si es de miedo, aventuras, policíaca, de ciencia-ficción, cómica, romántica... cada tipo requiere de un ambiente y es importante ambientarla, valga la redundancia.

Crea un guión gráfico (Opcional, aunque recomendable)


El guión gráfico, consiste en dibujar la película que quieres rodar en caricaturas y viñetas, con los famosos bocadillos o diálogos (No importa que dibujes mejor o peor; lo importante es la composición de cuadro). Podrías hacerlo solamente esbozando cada escena o transición más importantes. 


Este proceso es para que una película muy larga sea fluida y te ayude a anticipar panos de escenas o secuencias que pudieran ser muy difíciles de rodar. Podrías tratar de grabar sin hacer el guión gráfico, pero no conseguirás visualizar correctamente la película ni dar tu explicación detallada a los demás miembros de tu equipo.

Consigue dinero de camino


Conforme el proyecto se vaya desarrollando, irán surgiendo nuevos gastos. Es importante estar atento y administrarse. Dale un poco de publicidad a lo que quieres hacer en tu entorno e intenta conseguir algo de dinero extra para tu proyecto. Propón a algunas casas, marcas o negocios locales aparecer en tus escenas, anunciarse subliminalmente o al final en los créditos como sponsor. En ocasiones, estás tan inmerso en el proceso creativo que no atiendes como debiera a estas oportunidades económicas. Es importante iniciar el camino, aunque no sepas exactamente donde te va a llevar. ¡A por ello!

Aprovecha todo aquello que sea gratuito


Puedes sopesar el utilizar recursos gratuitos como lugares para rodar que te presten, música libre de copyright o programas de producción abiertos. Si puedes hacer algo de manera gratuita, destina ese presupuesto a otra partida. De igual manera, cuando alguien se ofrezca para colaborar en tu película de manera gratuita, aprovéchalo. Dí siempre que sí, y sé agradecido.

Buscar los actores y ayudantes que puedas


Para grabar una película, lo imprescindible que necesitas un grupo de personas que te ayuden a realizarla, con un objetivo en común. Unas personas serán actores y otras te ayudarán en el rodaje. Dales papeles a tus amigos o haz una convocatoria en las redes sociales. Deja claro desde el principio que no les vas a poder pagar.


Elige y sopesa el reparto


Puedes elegir a gente en la universidad, en tu comunidad o en otros sitios donde puedas encontrar colegas que quieran hacer una película contigo (Haz un pequeño casting y pruebalos en el papel que les vayas a asignar). Ya sabemos que el presupuesto es bajo, por tanto, tendrás que aprender a jugar con las debilidades y fortalezas de los disponibles. Estudia las capacidades que tienen tus posibles actores. Evita los horarios conflictivos, asegúrate de que las personas con las que cuentas estén disponibles cuando las necesites... y sobre todo asegúrate de que sean formales, el que empiece que termine; que luego te dejan colgado en mitad del rodaje y te fastidian todo el trabajo.

Consigue cámaras y equipo



Muchos directores de cine, han usado cámaras muy baratas y han realizado películas muy profesionales. A veces, la apariencia de una película casera está muy de actualidad. Decide el tipo de cámara que necesitarás y sobre todo el que te puedas pagar (Sopesa la opción de alquilar los equipos). Necesitaras micrófonos, focos, trípodes... etc. Aunque yo sé de gente que han rodado con simples móviles y les ha quedado realmente genial. Lo importante es el enfoque, la creatividad y sobre todo la historia bien contada.

Diseña el vestuario y busca los escenarios


Decide cómo quieres que sea tu escenario, incluso si puedes grabar en una localización real o en un estudio de grabación. Ubica cada escena y prepara los sitios. (Algunas veces necesitaras pedir algún permiso si vas a grabar algunos escenarios o en sitios concretos) También ten en cuenta la iluminación. Y ten en cuenta que las películas dependen en gran medida de los vestuarios para comunicar los rasgos esenciales de las secuencias.

Elige al personal de dirección, grabación y montaje


Lo normal es que con poco presupuesto tú seas el director (Aunque no tiene porqué, puedes hacer el papel de productor y dejar a otro que entienda más ese tema, o puedes codirigir también). Tendrás que reunir a los actores, controlar el rodaje y atender a los comentarios creativos. Por el contrario, también puedes elegir algún amigo que sea el director de fotografía. Se encargará de la iluminación y la grabación y otra persona podría ser la persona encargada del diseño de estudio. Diseñará los peinados, el maquillaje; pide ayuda. También puede existir una persona encargada del sonido y la música.

Elabora un plan de rodaje:


Puesto que cada minuto de rodaje conlleva un coste (equipo técnico, equipo artístico, maquinaria, etc), deberemos tratar de tener todo perfectamente organizado antes de comenzar a grabar, hazte un diario de rodaje y anota todo. Cada actividad realizada dentro de un rodaje está íntimamente ligada con otras muchas actividades, de tal manera que si una falla, esta afectará a las demás.


A través del plan de rodaje podrás organizar todos los aspectos del rodaje de la forma más eficaz, optimizando al máximo tus recursos.

¡Ahora vamos a grabar la película!


Lo primero ORGANIZACIÓN. Prepara cada día de rodaje con anterioridad, a veces en un set o localización hay que grabar escenas de lo primero, mitad o final de la película para luego montarlas en su sitio después, esto te evitara tener que venir al mismo sitio y molestias posteriores. Utiliza una claqueta o una pizarra para señalizar las escenas, así luego no te perderás en la maraña de ficheros. Mira que vas a grabar y ponte de acuerdo con todos los actores que participan en esa jornada. Prepara los útiles y vestuarios y estate atento a la continuidad en las secuencias. (Peinados, ropas, complementos, posiciones de las cosas... etc...)

La duración de la película es muy variable. Tus decisiones serán la diferencia entre una película profesional o una película casera. Lo normal es que se quiera grabar la película desde diferentes ángulos para que resulte mucho más profesional. Esta opción es buena a la hora de realizar el proceso de edición. Los cineastas profesionales graban cada escena en planos generales, medios y primeros planos. Ten esto en cuenta.

El diálogo de los actores deberá ser grabado en cada escena a ser posible por duplicado, e incluso doblado en la producción posterior si no queda bien o hay ruidos de fondo indeseados. Los efectos de sonido también deberán ser creados, incluso la música. Todo el sonido deberá ser mezclado, editado y alineado con el vídeo al final.

Ya está hecho, ahora hay que editar el vídeo


Cuando grabes escenas, necesitarás importar toda la grabación a un ordenador y mezclarla según el guión original y técnico. Después, registrarlos e identificarlos. Usa las tomas que mejor estén o más te interesen. Escoge varias tomas desde los diferentes ángulos que elegiste. Esto lo hará mucho más real. Los PC's suelen venir con programas de edición incorporados, que te permiten editar una película, y mezclar sonidos etc... (Si tú no entiendes, busca alguien que se maneje estos temas). También, podrás comprar programas de edición o efectos especiales mucho más profesionales, como por ejemplo Pinnacle, Adobe o Premier entre otros.

Sincronizalo todo e incluye los créditos


Acopla los efectos de sonido con la música, acorde con las escenas. Tendrás que poner los nombres de todas las personas que han participado en el reparto, añadir agradecimientos, colaboraciones y todo lo que creas conveniente que debe salir.

Compila y exporta al formato que desees


Monta la película en formato DVD o DivX y creaté un trailer para promocionarla. También, puedes cargar la película o el anuncio en las plataformas Vimeo o Youtube para que otras personas lo vean.


¡Y ya está... listo para su estreno! Suerte.


domingo, 15 de agosto de 2021

EFECTOS ESPECIALES PARA TUS VÍDEOS CON EL MÓVIL

El crear efectos especiales siempre ha sido una tarea complicada que requería de amplios conocimientos y avanzados equipos tecnológicos. Sin embargo, hoy en día es posible crear efectos profesionales con un simple teléfono móvil para producir un anuncio llamativo o, incluso, una película de acción.

Si te gusta grabar vídeos, pero además quieres darles un toque original y divertido añadiéndoles efectos especiales, queremos que sepas que existen aplicaciones con las que puedes agregar efectos digitales a tus clips, como si de una película o videojuego se tratara.

En los últimos años, los vídeos han ganado gran relevancia en las redes sociales y en Internet en general. Nuestros móviles están llenos de vídeos que grabamos o que compartimos por redes sociales con nuestras amistades o familiares.

Existen aplicaciones que permiten generar explosiones digitales, rayos de luz, figuras tridimensionales en movimiento. Algunas apps además permiten generar el efecto croma; es decir, eliminar un el de un fondo para sustituirlo por otro. De hecho, incluso Instagram o Tik Tok ya están trabajando en estas herramientas. Estas son algunas aplicaciones para crear efectos especiales desde tu smartphone.

Estas aplicaciones son casi siempre totalmente gratuitas aunque algunas incluyen versiones Premium y paquetes especiales con de efectos de pago

Aquí tienes algunas:

Likee


Esta aplicación cuenta con los tradicionales efectos, máscaras y filtros de otras apps como Instagram o Snapchat. Sin embargo también permite añadir efectos especiales como destellos de luz, explosiones mágicas y recortar el fondo para trasladar al usuario a otro espacio tiempo.
Entre sus más de 300 efectos especiales, puedes encontrar el efecto de flotar, viajar en el tiempo o crear películas antiguas. También puedes crear vídeos musicales donde, además de agregar efectos especiales, puedes mezclar la música.


Super Power Fx


Esta aplicación permite generar fuego en las manos, disparar rayos láser por los ojos como Superman y controlar elementos con la mente, entre otros efectos. También cuenta con efectos de sonido que se incorporan a los efectos visuales. Dispone de una lista de canciones instrumentales dramáticas para incorporar a los clips.


Cuenta con efectos visuales inspirados en cómics, como la opción de disparar bolas de fuego con las manos o rayos láser por los ojos. También dispone de efectos de sonido que se incorporan a los efectos visuales. Permite compartirlos a través de Instagram, Facebook, YouTube y correo electrónico.


Action Effects Wizard


Aplicación que entre sus principales características cuenta con más de 30 efectos especiales, sonidos para todos los efectos de acción y con un archivo propio de películas donde puedes guardar tus películas. Sencillo de utilizar, tan fácil como elegir el efecto que prefieras, grabar o importar un vídeo y por último dejar que el Asistente de efectos de la app realice su función.


Video Effects- Video FX, Video Filters & FX Maker


App que te ofrece más de 100 efectos especiales y filtros de vídeo para elegir. Con unos pocos clics podrás añadir superposiciones, filtros, pegatinas, música, efectos de sonido y texto a tu vídeo. Cuenta con efectos como hechizos, partículas, fuego, magia pantalla HUD… Una vez terminado el trabajo, podrás exportar los vídeos de alta definición a la galería o subirlos a YouTube además de poder compartirlos por redes sociales.


Movie Ride Fx


Gracias a los efectos especiales que esta divertida app te proporciona, podrás navegar en una nave espacial o volar en un avión. Con MovieRide FX realmente te sentirás como si estuvieras en una película. No tienes más que seleccionar tu clip de película, grabar a tu actor y dejar que MovieRide FX haga su magia.


FxGuru


Movie FX Director. Esta aplicación contiene un gran número de efectos especiales destinados a crear vídeos de acción. Cuenta con efectos especiales de terror y ciencia ficción como crear figuras fantasmales tridimensionales, representar una invasión extraterrestre o lanzar un cohete al espacio.


Action Movie Fx


Esta aplicación cuenta con un gran número de efectos especiales que se pueden añadir a los vídeos, como una avalancha de agua, un ataque con un misil o u terremoto. Incluye paquetes de efectos especiales gratuitos y premium, que son muy profesionales. 




jueves, 22 de julio de 2021

Nuevo Concurso de Cortometrajes de... Lamucca (2021)


¡Participa!


¡Bienvenidos a la primera edición del Concurso de Cortometrajes de Lamucca

Si tienes talento para el cine y ganas de compartirlo ¡participa! 

Hay 5000 euros en premios para los mejores cortos y la interpretación más sobresaliente.

INSCRÍBETE

Bases legales

BASES

Los cortometrajes deberán estar basados en los 10 relatos finalistas del concurso de relatos “Historias de Pasión”

  • El plazo de presentación de los cortos termina el 14 de septiembre de 2021

Concluida la quinta edición del Concurso de relatos de Lamucca “Historias de Pasión” dedicada al relato erótico, damos paso a la Primera Edición del Concurso de Cortos de Lamucca.

Los participantes deberán ser mayores de 18 años y residentes en España, sin restricciones de nacionalidad. El número de cortos que puede presentar cada participante será ilimitado. Los miembros del jurado y sus familiares no podrán participar en el concurso.

CORTOMETRAJES

Los cortometrajes tendrán una duración mínima de tres minutos y máxima de diez. Es requisito que los cortos estén inspirados en uno de los 10 primeros relatos finalistas de la V Edición del concurso de relatos de Lamucca “Historias de Pasión” (pincha para acceder a la lista y leer los relatos) y podrán grabarse en español o inglés.

El ID del vídeo publicado deberá obligatoriamente incluirse en la ficha de inscripción, junto al resto de datos. Los cortometrajes deberán incluir una cortinilla del festival al principio y al final del corto que estará disponible en la landing del concurso.

No se admitirán a concurso inscripciones posteriores al 14 de septiembre de 2021. Tampoco serán admitidos a concurso versiones de otros cortometrajes o basados en otra temática diferente a los relatos finalistas del concurso de relatos de Lamucca.

FECHAS

  • CONVOCATORIA DEL CONCURSO: lunes 5 de julio de 2021
  • CIERRE DE LA RECEPCIÓN: jueves 14 de septiembre a las 18:00
  • ANUNCIO DE LOS GANADORES: primera quincena de octubre

ENTREGA DE PREMIOS: El evento de entrega de premios dependerá de la evolución de la pandemia y la fecha y lugar de la celebración se anunciarán durante la segunda quincena de octubre de 2021.

JURADO

El jurado estará compuesto por miembros de la dirección de Lamucca y de las empresas colaboradoras y profesionales del medio audiovisual.

PREMIOS

  • Primer premio: dotado con 2500 euros.
  • Segundo premio: dotado con 1500 euros.
  • Premios especial a la mejor interpretación: dotado con 1000 euros

Las cantidades señaladas en estos premios generan impuestos, por lo que se practicarán las retenciones que marque la legislación vigente sobre ellas.

La organización se reserva el derecho a retirar o no aceptar cualquier vídeo que no considere adecuado a los objetivos del concurso. El jurado podrá otorgar menciones especiales a otros cortometrajes si lo considera oportuno. Los premios podrán quedar desiertos si ninguno de los cortometrajes participantes alcanza la calidad exigida. En caso de fallo exaequo la dotación económica de cualquiera de los premios podrá dividirse entre los cortometrajes ganadores.

**Los cortometrajes ganadores de premios con dotación económica deberán incluir en la copia final una cortinilla con alusión al premio obtenido y el logotipo de LAMUCCA visible en la difusión posterior que estará disponible en la landing del concurso.

Fuente: lamuccacompany.com


miércoles, 16 de junio de 2021

300 Guiones en Castellano y más... para tus Proyectos

Aquí tenemos una de las mayores bases de datos de guiones en castellano y otros idiomas que hay actualmente en Internet. 

Este catálogo recopila enlaces a todos los guiones en lengua hispana y demás que circulan gratuitamente por la red. Lo bueno de este buscador es que puedes hacer búsquedas por tipo de obra (serie, largo, corto..), título, idioma o nombre del autor. 

Si incluyes información en más de un campo, la búsqueda sólo mostrará los guiones que cumplan con todos los requisitos. Una vez hayas encontrado lo que estás buscando, pulsa sobre el enlace al documento que te aparece a la derecha e inmediatamente tendrás acceso al mismo.

Venga, a investigarlo...

 

viernes, 14 de mayo de 2021

Planos Indirectos

Los planos indirectos son... un tipo de plano cinematográfico que desde el punto de vista, se observa el mundo mediante reflejos. Pueden ser en el agua, en un espejo, en un escaparate, etc...

Su utilización, nos da un poder sobre el personaje. Es un juego estético interesante y recurrente. 

En este caso que ponemos como ejemplo, vemos el reflejo de alguien que quiere desengancharse de la droga, y se está tomando tranquilizantes. A través del espejo vemos por su rostro que no está seguro de querer hacerlo realmente.



jueves, 15 de abril de 2021

SALTO DE EJE

El salto de eje es un error grave de sintaxis en el lenguaje cinematográfico, que se produce cuando no se respeta el eje de acción imaginario que se establece entre dos personajes que interactúan o en la línea de desplazamiento entre uno de ellos y un objeto presente en la escena.


Si, por ejemplo, al filmar o grabar una conversación entre dos personajes, se sitúa una cámara a un lado del eje imaginario que les une y otra cámara en el opuesto, en el montaje se verá que, en lugar de mirarse uno al otro, lo hacen ambos en la misma dirección con lo que el espectador, al ver los dos planos sucesivamente recibe la sensación de que se dan la espalda, no de que estén dialogando, lo cual no solo es absurdo sino que (y eso es lo más grave) altera sustancialmente la reproducción del espacio escénico, desorientando al espectador. Aun en el caso de que no se desoriente, percibirá una información errónea y narrativamente falsa. Para evitar esto se aplica la ley de los 180º, que consiste en dividir el espacio en dos mediante el eje de acción o de miradas, situando las distintas posiciones de cámara, previamente ideadas en una planta de cámara, que integran la secuencia al mismo lado de dicho eje, de tal forma que cuando se montan los planos sucesivamente, el espacio queda perfectamente reconstruido y la acción es verosímil.



Esta norma empírica, apareció en los albores del cine, cuando los montadores se dieron cuenta de que si dos personajes se perseguían, no podían ser filmados desde lados opuestos de la dirección de la persecución, ya que en ese caso no se producía ese efecto, sino el de que ambos iban a encontrarse.


Es este un tema que da lugar a mucha controversia, pues hay quien opina que el espectador moderno no se desorienta aunque se salte el eje y puede ser cierto, pero no lo es menos que desde que se inventó el cine, este error se ha utilizado narrativamente con intención, para producir la sensación de que un personaje está perdido o desorientado.


Gráfico del eje de acción y posiciones de cámara.

No se debe confundir "saltar el eje" con "cruzar el eje" que es algo totalmente admisible, pues se realiza de forma que el espectador es consciente de que el punto de vista está pasando al lado contrario. Esto puede hacerse mediante un movimiento de travelling o insertando entre los dos planos que "saltan" un plano filmado desde el mismo eje o un subjetivo del personaje (que está también sobre el eje pues es él mismo quien lo marca).

lunes, 15 de marzo de 2021

EL EJE DE ACCIÓN

El eje de acción o eje de miradas es una línea imaginaria que sirve de base o referencia a la hora de planificar la filmación de una acción en un espacio tridimensional. Cualquier elemento que se desplaza está trazando un eje y condicionando el espacio fílmico de toda la acción posterior en ese espacio.

La realización de una película, grabación de vídeo o cualquier narrativa producida mediante imágenes, tiene como base la deconstrucción/reconstrucción del espacio escénico (lugar físico donde sucede la acción) para transformarse en espacio fílmico (sucesión de planos, escenas y secuencias que la narran en pantalla), es decir, extrapolar una situación real tridimensional a una proyectada en dos dimensiones sobre una pantalla o dispositivo electrónico dotada de ella (cine, televisor, tablet, teléfono inteligente, etc.). La implantación de la imagen 3D no alteró este planteamiento, puesto que no dejaba de ser una proyección 2D contemplada con unas gafas. Otra cosa serán, cuando narrativamente se asienten, los efectos de
l sistema inmersivo de la realidad virtual, lo cual aún es pronto para valorar.

El lenguaje audiovisual ha de cumplir ciertas reglas o convenciones para conseguir su comprensión por parte del espectador. Quizá las más importantes sean las relativas al eje de acción o de miradas, cuya aplicación es fundamental para una buena narrativa audiovisual. Téngase en cuenta que, a pesar de que la gran mayoría del público actual comprenda una situación en la que no se respeten estas normas, no se debe prescindir de ellas puesto que se trata de un tema que tiene que ver más con la geometría que con la creatividad y, por lo tanto, deja poco margen a la discusión. Cualquier movimiento rectilíneo realizado ante una cámara, discurre en una dirección en la pantalla, marcando un eje de acción (y no sólo el movimiento, las miradas también lo hacen) que habrá que respetar siempre para no confundir al espectador. Cuando se planifica el rodaje de una escena o secuencia, la situación de la cámara en el Plano General es lo primero que hay que decidir puesto que marcará la posición del punto de vista en el resto de los planos. El descubrimiento del eje de acción es una de esas aportaciones al lenguaje cinematográfico, realizadas de forma empírica y anónima por los profesionales que se enfrentaban a los problemas de montaje en la moviola y que eran resueltos por la vía de la prueba y el error.

El eje de acción y las posiciones de cámara.
Así nació la llamada Ley del semicírculo o de los 180º, que consiste en delimitar el eje (de acción del sujeto o de miradas) e imaginar a uno de sus lados un semicírculo, dentro o sobre el cual es posible situar la cámara sin problemas; cualquier toma hecha desde el lado elegido del recorrido e incluso desde el propio eje, producirá en la pantalla la misma dirección en el movimiento del sujeto. Pero si se ubica la cámara al otro lado del eje de acción, cuando se monte el plano, el sujeto pasará a moverse en dirección contraria en la pantalla. Se habrá producido el salto de eje, intolerable desde el punto de vista de la construcción del espacio fílmico. La elección del “lado bueno” del eje no es arbitraria. Puede depender de cuestiones como el fondo, la iluminación, el Raccord (continuidad) con la secuencia precedente o posterior, etc.

Eje de miradas


La línea visual entre dos personajes que se miran, establece un eje que marca los dos posibles semicírculos de situación para las cámaras. Por ejemplo, en una entrevista saltar el eje tiene como consecuencia que al montar la escena los personajes no se miran, sino que se dan la espalda.


Eje de viaje


Cuando se filma un desplazamiento o viaje en varios planos y diferentes espacios, toda la secuencia debe presentar a los personajes desplazándose en la misma dirección. Se plantea así un eje de dirección o de viaje, que hay que respetar en todos los planos de la secuencia si queremos mantener la sensación de que se parte de un lugar para llegar a otro conocido. No hacerlo así, por ejemplo en una persecución, tiene como consecuencia que los personajes no se persiguen, sino que van a encontrarse. Esta norma se romperá si lo que pretendemos es mostrar, por ejemplo, a alguien que se ha perdido o que no encuentra algo que busca, aprovechando la sensación de confusión que se produce.

El eje de acción en la entrevista.

Lo mejor es, además, plantear el desplazamiento según la convención geográfica, (Este a la derecha, Oeste a la izquierda), con lo que un personaje que viaja de Madrid a Lisboa, será visto en pantalla desplazándose de derecha a izquierda. Otra convención no escrita pero que se sigue habitualmente, es mostrar en pantalla los viajes de ida de izquierda a derecha y los de regreso de derecha a izquierda.

lunes, 15 de febrero de 2021

Diferentes Planos desde el Punto de Vista

En otras entradas hemos visto diferentes tipos de planos y encuadres para una toma, pero existen otros más específicos y sutiles como por ejemplo los puntos de vista.

Y nos referimos a el punto de vista a como el espectador vivirá la obra audiovisual desde su propio encuadre; o lo que es lo mismo, de como la vería él si lo hiciera desde los ojos de la cámara. Por ejemplo mientra visualiza la toma el espectador puede vivirla como si mirase a través de uno de los personajes de la película, u otro ejemplo sería vivirla como si fuese una tercera persona invisible que está dentro de la acción.


Plano Objetual


El tipo de plano es aquel que es tomado a partir de un objeto como referencia; es decir, como si la cámara mirase a través de un objeto cualquiera. Probablemente, hemos tenido la oportunidad de admirar este plano en muchas películas.

En varias ocasiones, puede usarse como un método de suspenso, para hacer que las personas no sepan cómo luce dicho elemento. También se trata de un punto de vista que expone a ciertos sujetos mirando a la cámara, por lo que las posibilidades de jugar con esto son infinitas.




Plano Subjetivo


Existen varias semejanzas entre el plano objetual y el plano subjetivo, pero una de las principales es que de alguna manera, el punto de vista de algo o alguien se inmiscuye en la escena. El plano subjetivo se trata de que la cámara esté introducido dentro de la escena, pero como una persona. Es decir, vemos todo a través de los ojos de alguien.



Plano Subjetivo Voyeur


Es un subtipo de plano del anterior que, nos muestra que está observando al sujeto, a través de un objetivo, una cerradura, unos prismáticos, etc. Y mientras observa, el observado no es consciente.

Por ejemplo, el protagonista de una película mira su vecino más de cerca, a través de un objetivo, después de notar algo extraño en su comportamiento. 




Plano Indirecto


Se observa el mundo mediante reflejos. Pueden ser en el agua, en un espejo, en un escaparate. Nos da un poder sobre el personaje. Es un juego estético interesante. En este caso, vemos el reflejo de alguien que quiere desengancharse del caballo, y se está tomando tranquilizantes. A través del espejo vemos por su rostro que no está seguro de querer hacerlo realmente.




Entonces... ¿Cuáles son las diferencias entre plano objetual y el plano subjetivo?


  • Uno se realiza desde el sujeto, el otro desde un objeto.
  • El objetual generalmente es estático, mientras que el plano subjetivo puede moverse.
  • Otra diferencia entre el plano objetual y el plano subjetivo es que se usan con diferentes motivos: El plano objetual para establecer conexión con un objeto y el otro se usa para ubicar al espectador con el panorama.
  • El plano objetual no tiene variantes. El plano subjetivo puede ser tomado de otra forma. Esta forma se conoce como plano voyeur, lo cual indica que estamos viendo algo desde el punto de vista de una persona, pero a través de un objeto: cerradura, telescopio, binoculares, etc.

Como veréis, el plano objetual y el plano subjetivo pueden ser entendidos mejor cuando los denominamos puntos de vista. De hecho, es así como se reconocen en jerga cinematográfica. Sin embargo, a motivos de usarlo para fotografía también, hemos decidido usarlos como planos. Pueden servirte perfectamente para hacer fotografía, siempre y cuando las dimensiones de la cámara y los encuadres te sirvan para ello.


viernes, 15 de enero de 2021

Apps para escritores en tu smartphone

Los escritores podemos sacarle mucho partido a nuestro Smartphone. 

Ya sea a través de aplicaciones para organizarnos u otras apps escritores específicamente creadas. Analizamos algunas de ellas en este artículo.


Para inspirarse, aprender y motivarse


Retos de escritura (Writing Challenge). Se trata de un juego para disparar tu creatividad. La aplicación te da varias propuestas a elegir y a partir de ahí debemos comenzar a crear nuestra historia. Cuando ya hemos decidido nuestra línea argumental, la aplicación cada cierto tiempo (establecemos nosotros el período en los ajustes) va lanzando ideas que debes incorporar a tu historia. Divertida, dinamizadora y activadora de cerebros, recomendamos Retos de Escritura para tus huecos libres.


Book Writer. Aplicación para redactar. Lo curioso de esta aplicación es que mantiene el nombre de los personajes de forma independiente al texto de tal forma que si de repente modificas uno dentro de tu historia, aplicará el cambio de forma automática al resto de personajes.


iDeas para escribir. Esta app permite desarrollar tu imaginación y creatividad. Es perfecta para crear las primeras líneas y títulos. Tiene además ejercicios y consejos para que también aprendas nuevas técnicas. Útil, divertida y didáctica.


Crea tu novela. Es una novedosa aplicación en la que podrás crear relatos con varios autores. Debes descargar aquella según qué tipo de género te interesa (nosotros hemos enlazado a la erótica). Completa tu novela por ejemplo, con ayuda de otras personas. Es un sistema divertido ya que para continuar con lo que ha escrito el autor anterior, debes tener ingenio para aportar coherencia a la obra.


Ya no disponible, aunque si buscas hay otras similares.

Para planificar y organizarse


Story Planner. Perfecta para organizar tus novelas, cuentos o guiones desde cualquier punto geográfico. Esta app para te permite iniciar todos los proyectos de escritura que desees, crear los personajes, los contextos, etc. Puedes generar un archivo de texto (.rtf y txt) y además la app devuelve estadísticas para que obtengas conclusiones de tu historia completa de un solo vistazo y puedas decidir qué planificación es la más correcta o dar cohesión a tus novelas.


Evernote. Tal y como lo definen en la propia página de la tienda de aplicaciones, es el “lugar en el que guardas todo”. Se trata de una herramienta que sirve para mantener tu trabajo bien organizado. Guarda ideas, recopila citas, haz un check list… Puedes incluso usar la cámara para hacer comentarios a trozos de papel o documentos impresos. Una app ideal para organizar tus notas rápidas y recopilar otras que hayas guardado en algún papel.


Storyist. Aplicación para que guionistas y escritores tengan sus creaciones organizadas y puedan modificarlas y corregirlas desde cualquier punto.


Para detectar plagios


Plagiarisma. Solo disponible en Android. Se trata de un servicio que detecta si existen copias de un texto. Hace las búsquedas en diferentes portales y con varios idiomas. Se puede teclear directamente el texto, subir una URL o un documento en PDF o DOC.


¿Cuáles son tus apps de escritor?

¿Qué te parecen? Merece la pena tener una memoria SD o cualquier formato que soporte nuestro terminal e incluir ahí todas estas aplicaciones. Podemos estimular nuestra creatividad, tomar notas de lo que se nos ocurra y planificarnos en el mismo momento.

Ahora es tu turno, cuéntanos que aplicaciones utilizas tú o qué giro le das a otras existentes no propias para escritores pero sí extrapolables. Cuéntanoslo en nuestras redes sociales y lo incluiremos en nuestra lista.

Fuente: ExLibric.

miércoles, 23 de diciembre de 2020

EL RODAJE

El rodaje es la fase de la producción en la que se filma la película o serie, con actores en el set de rodaje y cámaras rodando, a diferencia de la pre-producción y la pos-producción. El rodaje es casi siempre la fase más costosa de la producción cinematográfica, debido a que en esta etapa se establecen los salarios del actor, del director, y el elenco, así como los costos de ciertos sets, apoyos, y el set de efectos especiales. 

Tras un exhaustivo análisis del guión y sus complejidades, lo primero que debe determinarse es el número de días que se precisan para llevar el rodaje a cabo y el coste que cada uno de esos días supone. Luego, el director de producción organiza las secuencias agrupándolas por bloques de espacio y de tiempo, sin tener en cuenta la continuidad cronológica de la acción del guión. Para ello se atiende a lo que es el plan de rodaje; que éste consiste en la división en apartados según las necesidades y estableciendo un orden a lo largo del tiempo que lleve el mismo.


Las consideraciones que deberán tenerse en cuenta para un mejor rendimiento del trabajo en el rodaje son: la duración de los planos, la dificultad dramática de la escena y la cantidad de elementos que participan en ella, la iluminación y el empleo de los mecanismos de movimiento de cámara, la figuración, los efectos especiales, que requieren una preparación y un cuidado especial para evitar riesgos físicos. A partir del estos datos pueden empezar a establecerse las variables que estructuran el plan de rodaje.

La disponibilidad de las localizaciones determina el orden del rodaje, pero es habitual intentar comenzar el trabajo por el rodaje de los exteriores, que siempre están sometidos a una mayor imprevisibilidad y limitaciones, por ejemplo las que fijan las necesidades de las actividades habituales del lugar (desde la terraza de un apartamento hasta un aeropuerto o estación) o establecen los propietarios o responsables públicos (desde una casa en el campo hasta un zoológico). También los interiores naturales, si no son de estudio, pueden estar sometidos a restricciones diversas.

Su inicio en general marca un punto sin retorno para los financieros, ya que hasta que esté completa es poco probable que haya suficiente material filmado para liberar un producto final necesario para recuperar los costos. Si bien es común que una película aún se pueda anular o retrasar durante la pre-producción (por ejemplo, porque un miembro importante del elenco abandona el papel) es extremadamente raro por las finanzas que deben retirarse una vez que el rodaje ha comenzado. 


Las películas por lo general suelen tener un seguro para el momento en el que el rodaje comienza. La muerte de un actor principal antes de completar todo lo planeado, o la pérdida de sets o de vídeos, puede hacer que una película sea imposible de completar según lo previsto. Por ejemplo, los sets son muy inflamables, y la mayoría de los estudios más antiguos cuentan con torres de aguas por esa razón.

Una vez que una película concluye el rodaje, se dice que tiene un wrap, y una fiesta de despedida que se puede organizar para celebrar. Durante la pos-producción se puede llegar a ser evidente que cierto plano o ciertas secuencias están ausentes o incompletas y son necesarias para completar la película, o que una cierta escena no está interpretada como se esperaba, o incluso que un actor en particular no ha logrado convertir el espectáculo del calibre requerido. En estas circunstancias, el material adicional puede tener que ser eliminado. Si el material ya se ha disparado una vez, o es sustancial, el proceso se conoce como un re-shoot, pero si el material es nuevo y relativamente de menor importancia, se refiere a menudo como un Pick-up.

sábado, 14 de noviembre de 2020

LA PUESTA EN ESCENA...

La "puesta en escena" como concepto utilizado en cine y televisión, vendría a ser un sinónimo de composición aplicada al entorno audiovisual. En teatro, se entiende por puesta en escena la labor del director de escena o director de teatro, que consiste en llevar a la escena un texto dramático convirtiéndolo en una representación teatral.

Por extensión y por influencia del idioma francés (que, en ocasiones y de forma arcaizante, utiliza la expresión metteur-en-scène para referirse al director de cine) se utiliza hoy en día para hacer referencia al hecho de que todo lo que aparece en pantalla o en escena está supeditado, según el caso, a la voluntad del director de cine o realizador, y del director de teatro. Para ser más exactos, la palabra que se debería utilizar para incluir todo esto en cine es «realización».


Según esta definición más extensa, la puesta en escena hace referencia a la conjugación de los elementos que conforman la imagen y la representación teatral, al saber: dramaturgia, interpretación, escenografía, iluminación, sonido, vestuario y caracterización. También es:

  1. Elección de la obra o escena para representar
  2. Conformar la compañía, el reparto y los roles creativos
  3. Elección de la música y/o coreografías
  4. Análisis colectivo de la obra (elementos narrativos) y de los personajes
  5. Lectura neutral, para escuchar la obra
  6. Establecer movimiento escénico con libreto
  7. Creación de la escenografía, vestuario y utilería
  8. Ensayos con texto y movimientos aprendidos
  9. Ensayos con escenografía, vestuario, música y utilería.
Teatro

Teatralmente, la puesta en escena se aplica al conjunto de la labor del director de escena. Comienza a ser utilizado en el siglo XIX por el movimiento teatral realista o naturalista, principalmente representado por el teatro de la ciudad alemana de Meiningen, bajo la dirección de Jorge II de Sajonia-Meiningen, por André Antoine en París con su Teatro-Libre, luego Teatro Antoine, y por Konstantín Stanislavski en su Teatro de Arte de Moscú.


La puesta en escena hará que aparezca un nuevo concepto, el de «director», que estará encargado de la dramaturgia, de dirigir la interpretación de los actores y actrices, de elegir y supervisar la distribución espacial y la escenografía, el vestuario y la iluminación, logrando a través de todos estos puntos de dirección el resultado final, una representación teatral.

Cine

Proviniendo del teatro y su "escenografía", cuando es aplicado al cine, se refiere a todo lo que aparece ante la cámara y su arreglo – sets, decorados, actores, vestuario, e iluminación-, o sea: la "escenografía cinematográfica". La mise en scène también incluye la colocación y el movimiento de actores en el set (el llamado blocking -"obstruyendo" sería una traducción literal-) y todas las áreas supervisadas por el director; y así, en los títulos de crédito de las películas francesas, el cargo del director es literalmente mise en scène o metteur-en-scène.
Esta corta definición de mise en scène no es compartida por todos los críticos. Para unos, esto se refiere a todos los elementos del estilo visual – es decir tanto elementos en el juego como los aspectos de la cámara. Para otros, como el crítico de película estadounidense Andrew Sarris, esto toma sentidos místicos relacionados con el tono emocional de una película.


En cine, algunos teóricos como André Bazin sacaron el término puesta en escena (mise-en-scène) a colación para distinguir la labor de la composición del plano de la dirección basada en montaje. Estos críticos distinguían dos tipos de directores de cine: los que basaban su cine en la puesta en escena, que para ellos eran los válidos y realistas, y los que hacían montaje, lo cual para ellos era un recurso antinatural que rompía la fluidez del discurso audiovisual (Ephraim Katz, The Film Encyclopedia).

Aquella distinción que hacían los críticos, hoy en día no tiene sentido porque lo normal es que convivan ambas cosas: mise-en-scène y montage, o que la puesta en escena haya pasado a un segundo plano.

La puesta en escena, entendida como composición del encuadre, es todo el proceso que tiene la obra y tiene relevancia en cine cuando hablamos de planos muy amplios en cuanto a tamaño y muy largos en cuanto a duración (por eso se supone que se contrapone con el montaje). En ellos, veremos que un intérprete entra en cuadro (que sería el equivalente en teatro a entrar en la escena), sale de cuadro (equivalente al mutis), se levanta y recorre la pantalla, se sienta en un sitio... También vemos que al sentarse el primero, se levanta otro y cruzan sus movimientos… Es decir, una especie de coreografía que le da dinamismo e interés a los planos y que, como disciplina está obviamente heredada del teatro.

Hay directores cinematográficos que han destacado por su puesta en escena. Serían algunos de los más notorios Jean Renoir y Robert Altman. En sus estilos particulares se pueden encontrar este tipo de planos largos en duración, quizá planos secuencia, y una gran cantidad de personajes que deben interactuar.

La puesta en escena, entendida como realización, nació casi al mismo tiempo que el cine-ficción o el cine-arte, cuando el cine dejó de ser sólo una prolongación de la fotografía, entendida esta como un medio de captar imágenes en movimiento.
Durante este periodo en que el cine andaba aún dando sus primeros pasos se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:

  • El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época. Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los inventos que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares.
  • El discurso de Méliès. Su puesta en escena es antirrealista porque su fin es ilustrar las fantasías humanas, además de que el peso de la imagen la traslada a la postproducción siendo la puesta en escena el material de base que será transformado a través de recursos como el recorte o la rotoscopía. Esto a diferencia de los Lumière donde la toma a la puesta en escena es el todo y a diferencia de Griffith donde la toma servirá única y exclusivamente para el montaje. Méliès aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares. Méliès es el primero que se aleja de la puesta en escena teatral y así inventa la realización cinematográfica de la imagen donde la puesta en escena es la base del trabajo en la edición.
  • El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico.
Al discurso de los Lumiere y de Méliès se los engloba bajo la etiqueta de MRP (Modo de representación primitivo). No es algo exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en aquella época. En contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de la mayoría de los que le siguieron. Se les engloba bajo la etiqueta de MRI (Modo de representación institucional).

Televisión

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La puesta en escena entendida como el lugar del encuadre en el que se coloca cada elemento y cada intérprete, además de los movimientos que efectúan los actores dentro del encuadre, tiene más relevancia en televisión que en cine, ya que el último es un medio más dinámico y los cambios de tamaños de plano y de escenarios son más frecuentes.

Videojuegos

Con el paso de los años, en la breve historia de los videojuegos la narrativa ha ido ganando pulsos a la jugabilidad y escenas puramente visuales han ido cobrando cierto protagonismo. Así pues, la puesta en escena en tales secuencias ha ganado peso y puede ser un elemento muy relevante, especialmente dentro del género de la ficción interactiva, con exponentes como Beyond: Dos Almas y Life Is Strange, que juegan con la iluminación, la ambientación y el juego de cámaras como lo hace el cine.


Elementos de la puesta en escena

Los escenarios tienen que ser vestidos y adornados con los objetos que aparecen en la acción. También los actores que interpretan personajes humanos o no humanos, han de ser vestidos y caracterizados. Toda obra audiovisual necesita para ser creíble una ambientación. Para abarcar la extensa variedad de materiales y objetos que intervienen en la ambientación efectuaremos la siguiente clasificación:
  • Decorados: Se incluye todo el mobiliario que viste un escenario así como los cuadros, cortinas, lámparas, etc; los vehículos que aparecen en escena aunque su función sea meramente decorativa; los animales que aparecen en escena; la armería decorativa; la ambientación mediante grafismo no electrónico: pantallas, diagramas, mapas, paneles,etc.
  • Attrezzo: Lo constituyen todos aquellos objetos con que interactúan los actores en los escenarios, es decir, con los que juegan o manejan. Son fundamentales en la narración y normalmente vienen perfectamente indicados en el guion de forma directa o indirecta (pueden ser plumas, armas, medicinas, ceniceros, cigarrillos, etc.). Con los elementos de attrezzo es necesario incrementar el control de la continuidad formal o raccord de presencia pues marcan la continuidad en la acción.
  • Comidas: en numerosas ocasiones es preciso que aparezcan comidas para conformar una determinada escena. En este caso, es preciso disponer de los alimentos cocinados o no (muchas veces por duplicado), naturales o sintéticos para poder soportar el calor de la iluminación. También deberemos contar con la mantelería, cubertería, loza, vajilla, cristalería, etc, asociada a la resolución de las necesidades de la secuencia de producción concreta.
  • Jardinería: incluye todas las macetas, plantas y jardines que aparezcan en la narración, su instalación y mantenimiento.
  • Semovientes: (animales y vehículos): los semovientes o animales vivos que intervienen en la acción así como los vehículos con motor o con tracción animal que tienen que funcionar en escena conforman este apartado clasificatorio. Debemos incluir, también, otros elementos relacionados e indispensables como las soluciones para el transporte y retorno, las cuadras o lugares de guarda de los animales, el pienso para su alimentación y los aparejos, riendas, monturas, arreos, atalajes, etc., precisos para el control de los animales durante el registro.
  • Vestuario: constituye la materia prima para la ambientación de la apariencia física de los actores. Es habitual contratar a un profesional que se encarga de la fabricación a medida del vestuario aunque también se recurre con frecuencia al alquiler del mismo (normalmente en empresas de servicios especializadas, si se trata de trajes de época) o a su compra en los comercios del ramo. Muchas veces se negocia con los comercios de moda el uso de determinada vestimenta a cambio de determinada publicidad más o menos evidente. La zapatería, joyas, complementos, y todos aquellos elementos destinados a dar apariencia física a los personajes se incluyen en este concepto.
  • Maquillaje, caracterización y peluquería: son elementos complementarios para la ambientación de la apariencia física de los actores. El maquillaje es consustancial a los medios audiovisuales. Se emplea prácticamente siempre aunque sólo sea para que los actores no aparezcan desmejorados. La iluminación ambarina de los estudios obliga a introducir correcciones en la tez de los actores. Por supuesto se emplea también para mejorar o desmejorar su apariencia física. La caracterización va un paso más adelante que el maquillaje y pretende cambios importantes en la apariencia física de los actores. Los especialistas emplean látex y un variado catálogo de materiales que sirven para remodelar el cuerpo. La peluquería se centra en el peinado de los actores así como en el empleo de pelucas que permiten cambios significativos en su imagen para adaptarla a las necesidades del guion.
Realismo/verosimilitud en la puesta en escena

El realismo en este contexto se refiere a la intención de la ficción de imitar a la realidad, de parecerse o ser fiel a ella. La verosimilitud, por el contrario, hace alusión a que un elemento sea congruente o creíble dentro de un universo creado, incluso cuando este elemento no trata en absoluto de imitar a la realidad.

No es conveniente analizar la puesta en escena en función de su realismo, pues el "realismo" es una "etiqueta" relativista que depende de la cultura, la época e incluso la propia persona que analiza una determinada puesta en escena. Lo que significa que una misma puesta en escena puede ser "realista" para un determinado teórico o crítico y no serlo para otro.


Como el término realismo no es apropiado para la puesta en escena, a la hora de analizar ésta se utiliza el concepto de "verosimilitud". En este caso, es verosímil cualquier elemento que esté justificado por la propia historia. En este sentido, Foucault estableció que el referente no era la realidad, sino el propio relato.