lunes, 27 de diciembre de 2021

LA TÉCNICA DEL DEEPFAKE APLICADA AL CINE

La tecnología avanza a pasos agigantados y la industria cinematográfica, no va a quedar relegada por ello; al contrario, esta siempre se ha beneficiado más que perjudicado por los avances que a su vez a utilizado en su propio beneficio.

Siempre ha existido esa duda sobre si tal actor mejor hubiera hecho ese papel o qué cintas habría protagonizado una celebridad fallecida, pues estas incógnitas podrían ser resueltas por una aplicación, pero éste llamado Deepfake podría cambiar la industria del cine. Esta tecnología que su nombre traducido al español quiere decir ‘ultrafalso’, ha dado mucho de que hablar por la transformación que podría significar para el séptimo arte.


Famosos son los deepfakes del presidente Donald Trump, también el de un falso Obama hablando de racismo o el vídeo en que la cara de Jack Nicholson se transforma en la de Jim Carrey, en una escena sacada de la película El resplandor.

El Deepfake es un programa que a través de una inteligencia artificial (I.A.) modifica el rostro de una persona para aparentar decir algo que nunca dijo o sustituir el rostro de un individuo por otro. Pero lo que ofrece este tipo de programación, es un tanto diferente. 

Esta aplicación hace que cualquier mortal pueda colocar su rostro sobre la de actores y músicos. Por lo que tú o yo podemos aparecer en escenas de películas legendarias o interpretando trozos de canciones clásicas.


Aunque podría parecer que este programa es casi inaccesible para la gente común, hay que ver sólo las redes sociales para observar la cantidad de vídeos de famosos suplantando a protagonistas de otras cintas. Esto por el momento es usa para diversión de algún cinéfilo ocioso, sin embargo, las productoras ya han comenzado a ponerle más atención.

‘Rogue One: A Star Wars Story’ es uno de los casos más reciente sobre este tema, pues se utilizó el Deepfake para poner a una joven Carrie Fisher como la princesa ‘Leia’ y revivir al actor Peter Cushing quien encarnó al ‘Gran Moff Wilhuff Tarkin’. Otro ejemplo es en la serie The Mandalorian, donde el actor Luke Skywalker, es troleado por el mismo, pero esta vez con su cara de cuando era mucho más jovencito.


Aunque no todo lo que brilla es oro en el Deepfake, pues al usar esta tecnología podría traer fuertes problemas en cuanto al uso de la identidad de las personas, pues se podría prestar para la explotación de la imagen de actores difuntos o que hasta incluso de las celebridades que se nieguen a participar en algún proyecto. Además, podría afectar laboralmente a los actores al no ser considerados para hacer papeles en producciones cinematográficas.

                                  

“Lo que está ocurriendo realmente con la inteligencia artificial es el desarrollo de nuevas técnicas, algoritmos de aprendizaje profundo capaces de aprender de datos y, en este caso, datos de vídeos. Es algo bastante preocupante”, señaló a BBC News la científica computacional Dame Wendy Hall, autora de un informe especial del gobierno británico sobre el deepfake.


lunes, 15 de noviembre de 2021

El Efecto Kuleshov

El efecto Kuleshov es un fenómeno del montaje cinematográfico demostrado por el cineasta ruso Lev Kuleshov durante los años veinte. Kuleshov mostró frente a una audiencia una secuencia en la que se intercalaba la misma toma del actor Iván Mozzhujin con las de un plato de sopa, un ataúd y una niña jugando. La audiencia percibió que la expresión de Mozzhujin cambiaba en cada secuencia, con lo cual se comprobó que el montaje tiene una gran influencia en la comprensión semántica de lo que aparece en una escena.

Kuleshov estuvo encargado de un taller de montaje poco después de la revolución de 1917 y los cineastas Vsévolod Pudovkin y Serguéi Eisenstein fueron sus alumnos. En 1922, Pudovkin describió un supuesto experimento que realizó junto con Lev Kuleshov en el cual se intenta explicar lo que llamó “el efecto Kuleshov”. El experimento, según lo describe Pudovkin, consistió en la selección de primeros planos del rostro neutral del conocido actor Iván Mozzhujin unidos a fragmentos de otras películas, elegidas ante la ausencia de negativos nuevos para manipular.


Se generaron tres diferentes combinaciones. En la primera, se mostraba un plato de sopa en una mesa después del primer plano, de manera que Mozzhujin parecía mirar el plato. En la segunda, se reemplazó la toma del plato con una toma de una mujer en un ataúd. En la tercera, se utilizó una toma de una niña jugando con un oso de peluche. Posteriormente, las combinaciones fueron mostradas ante una audiencia. Ante la sopa, la gente percibía lo pensativo que se veía el rostro de Mozzhujin; el ataúd les hizo percibir tristeza en el rostro y la niña jugando con su oso de peluche sugirió que Mozzhujin sonreía. En los tres casos, la cara era la misma. Kuleshov llamó "geografía creativa" a la creación de esta narrativa visual coherente y los efectos que producía montar varios fragmentos de película ya existente.​

El "efecto Kuleshov” es quizá el ejemplo de la importancia de sintaxis fílmica. La contemplación de una cinta no es un fenómeno de estímulo-respuesta, sino que el espectador es un participante activo en el proceso de la creación de significados. La audiencia proyecta sus propias emociones en la cara del actor basándose en cánones de representación de las expresiones. Aunado a esto, los códigos que se leen en las imágenes de la sopa, el ataúd y la niña conllevan a relacionarlas con sentimientos como necesidad, la tristeza y felicidad, respectivamente. El efecto perceptual producido con la sucesión de imágenes es rápido, inconsciente y casi automático. Al encuadrar el escenario de cierto modo y ordenar una historia en una secuencia particular, la película establece expectativas sobre sus relaciones espaciales y temporales, es decir, las imágenes estereoscópicas y en movimiento generan un sentido de espacio para el espectador.​

En cuanto a su orden, la psicología perceptual explica que la yuxtaposición consecutiva de imágenes, indica, para la gran mayoría, que las tomas están relacionadas. Asimismo, al ver las imágenes se formulan hipótesis inmediatas sobre el significado narrativo de eventos específicos e inconscientemente se infiere una conexión entre ellos; en otras palabras, el colocar una imagen o secuencia antes de otra puede construir una unión semántica entre ambas.​

De esta forma, Lev Kuleshov demostró que la manipulación del contexto puede alterar la percepción de la audiencia sobre la expresión facial del actor a través de pensamientos y sentimientos. El contexto también facilita la habilidad para reconocer estímulos que de otro modo serían imperceptibles, al alterar las percepciones a través de la creación de expectativas.
Discusión y otros experimentos

A pesar de la influencia del experimento en la literatura cinematográfica, no existe evidencia de su realización ya que, según el mismo Kuleshov, las cintas nunca fueron mostradas a una audiencia y, además, fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial.​ Por ello, más que una prueba científicamente fundamentada, el “efecto Kuleshov” ha pasado a formar parte de la “mitología del cine” cuya única referencia son los relatos de Pudovkin y Kuleshov.

Aunado a la falta de pruebas, existe una contradicción en la forma en que tanto Pudovkin como Kuleshov describieron el experimento. El primero relató que una de las tomas incluía a una mujer en un ataúd, mientras que Kuleshov afirmó en una entrevista realizada durante los últimos años de su vida que se trataba de una mujer desnuda en un sofá. De igual forma, si se asume que el experimento en verdad se haya realizado frente a una audiencia, los sujetos que formaron parte de ella pudieron haber constituido un público ingenuo y no acostumbrado al cine. Otra posibilidad es que Kuleshov haya influido en las expectativas de la audiencia antes de la proyección, provocando en ella las reacciones que él esperaba y no las genuinas. Una tercera explicación dice que el montaje de Kuleshov era más elaborado de lo que se explica, por lo que el efecto se generó con señales y códigos que no mencionaron Pudovkin ni Kuleshov. Por otra parte, el efecto Kuleshov puede ser probado si los espectadores no son conscientes sobre la realización del experimento. De otra manera, la audiencia podría reportar lo que cree que debería estar viendo.​

Además del experimento con Mozzhujin, Kuleshov siguió estudiando los efectos del montaje y tratando de explicar sus repercusiones en el cine. Según el diario de la actriz Aleksandra Jojlova y otros documentos del periodo de 1919 a 1921, Kuleshov mandó una propuesta a la sección fotográfica del Centro Regional de Educación Política (Gubpolitprosvet) expresando la necesidad de experimentar con material fílmico para establecer las leyes básicas del cine.


La propuesta fue aceptada y se realizaron tres experimentos, de los cuales aún se preservan fragmentos en nitrato positivo en el archivo personal de Kuleshov. Estos tres incluso son mencionados en sus escritos (El baile, El hombre creado y El espacio creado). El más extenso de ellos nunca fue mencionado por Kuleshov, aunque es el único experimento totalmente conservado. La cinta mide 9 metros y en ella aparecen los actores Konstantín Jojlov, Aleksandra Jojlova, Leonid Obolenski y Zoya Tarjóvskaya actuando un asesinato en el pórtico de una casa. El propósito de los experimentos, según Kuleshov, era hacer coincidir los movimientos de los actores al final de una toma temprana con los del inicio de otra toma posterior.
Otro experimento parcialmente conservado es La superficie creada de la Tierra, grabado en 1920. En éste se tomaron algunos eventos en diferentes lugares de Moscú y Washington que posteriormente, al yuxtaponerse, parecían formar parte de la misma secuencia, sin que el espectador notara los cambios de espacio. Las tomas mostraban a Obolenski caminando de izquierda a derecha, a Jojlova caminando de derecha a izquierda, un saludo entre ambos, el hombre apuntando con la mano, una toma del Capitolio y ambos subiendo las escaleras de un edificio blanco. Juntas, las tomas simulan una acción ininterrumpida donde todo pasa en el mismo espacio.​

Después de realizar este experimento, Kuleshov reafirmó que el espacio físico y tiempo “real” pueden ser totalmente subordinados al montaje y que su fuente se encuentra en la conciencia del espectador. Su percepción era que el material editado no mostraba relación alguna con la realidad objetiva. ​Ambos experimentos se mostraron el 4 de junio de 1921 durante una conferencia llamada Reglas para la construcción de imágenes cinemáticas, pero el texto se perdió.​

Para probar el experimento de una forma rigurosamente científica, Stephen Prince y Wayne Hensley de la Universidad de Texas realizaron una recreación de éste en 1992 siguiendo condiciones similares. Ellos descubrieron que la secuencia estaba lejos de ser un método efectivo de comunicación. Los resultados revelaron que solo un pequeño porcentaje de los espectadores llegaron a una interpretación correcta de los mensajes que se habían querido comunicar. Sin embargo, las recreaciones del experimento no podían funcionar de la misma manera, pues en 70 años las audiencias habían cambiado y evolucionado en comparación a quienes habían presenciado las cintas en la era de Kuleshov. Una audiencia moderna, en virtud de una exposición prolongada a los medios, en comparación con la época de Kuleshov, está acostumbrada a las señales que provee y conoce el sistema de edición lineal, por lo que es poco probable que sea consciente del proceso de montaje que requiere y el contenido de dichas señales.

El efecto Kuleshov es fundamental en discusiones sobre la estética del montaje como prueba de que el significado cinematográfico se da en función del orden de las tomas. Kuleshov probó que en una secuencia el orden de las tomas influye en la percepción y el significado de las acciones de los actores.​ La premisa básica del efecto Kuleshov es que el significado cinematográfico es una función de la secuencia editada, más que de la toma en sí misma. En palabras de Kuleshov: “El contenido de las tomas en sí mismo no es tan importante como la unión de dos tomas de diferente contenido y el método de su conexión y alteración.”​

Estas bases teóricas fueron el fundamento para las teorías del formalismo cinematográfico ruso. Estas entendieron al montaje como un medio por el cual se producían cambios de significado al reorganizar los elementos de una cinta. Víktor Shklovski, teórico del formalismo ruso, confirma la idea de Kuleshov sobre la generación de sentido a través de la yuxtaposición y el primer plano al explicar la impresión que tiene una película en el espectador frente a las intenciones del editor. En este sentido, el montaje es el medio por el cual el cineasta ejerce su punto de vista y su propósito ideológico.

Kuleshov afirma:

“Con el montaje correcto, aun cuando uno dirige el trabajo de un actor sobre algo totalmente diferente, se logra llegar al espectador como lo interpretó el editor. Esto es debido a que el espectador completará la secuencia por sí mismo y verá aquello que es sugerido por el montaje en sí”.​


Para Shklovski, ni el fotograma ni la toma aislada tienen sentido en sí mismas, ya que el movimiento físico de los actores es limitado. En cambio, es la posición de la toma dentro de la película la que determina la percepción de la audiencia, aun si ésta cree que el sentido es producto del trabajo del actor. Por su parte, Pudovkin partió de los experimentos para desarrollar su teoría sobre el "montaje relacional", con el cual el editor era el "guía psicológico del espectador". Asimismo, distinguió seis tipos de montaje: contraste, paralelismo, simbolismo, simultaneidad y leitmotif, con lo cual contribuyó al análisis y teorización que dio lugar a la teoría formalista del cine.​

Kuleshov veía al montaje como la estructura elemental por la cual se logra el significado deseado, y como más importante en la organización secuencial que los cuadros dentro de un filme.​ Sin embargo, más tarde admitió en The Principles of Montage (en The Practice of Film Direction) que se había equivocado al afirmar que el montaje era crucial para la cinematografía y que todo lo demás era secundario. En realidad, corrige, el material fílmico involucra el trabajo de todas las personas que aparecen en la escena y la realidad retratada en la pantalla.9

Este fue el punto de partida para sus próximos escritos sobre teoría cinematográfica. Kuleshov desarrolló una teoría del montaje en la cual, a través de cortes rápidos entre tomas, él esperaba librar al cine soviético de su excesiva dependencia de las convenciones teatrales. Él intentó poner cada parte de la pantalla al servicio de la trama para desintegrar la relación estática de la cámara con el actor y el escenario. Kuleshov fue uno de los primeros cineastas que aprovecharon el potencial de la cámara para crear y manipular los espacios geográficos y crear otro punto de vista peculiar sobre el cine al traducir esas ideas en proposiciones teóricas.

Así, Kuleshov intentó aislar atributos formales específicos que veía como esenciales del medio cinematográfico:

Historia: La secuencia temporal y causal de los eventos narrados.
Trama: La narración de esa historia en una forma distorsionada y privada de sus derechos en la que se enfatiza la opacidad y artificialidad de la novela sobre la simplicidad de contar historias.

Kuleshov tenía la intención de articular las cualidades particulares del cine. En El arte del cine su enfoque principal era crear un sistema o método ordenado de la cinematografía. Kuleshov mantiene que, a través de la relación entre el espacio en escena (bidimensional) y el global (narrativo), la coreografía, la composición y el montaje, un filme comunicaría brevemente y permitiría que la audiencia asimile la trama fácil y rápidamente.​

Efecto Kuleshov auditivo

Del mismo modo que el experimento original de Kuleshov demuestra la importancia e influencia del montaje a la hora de interpretar las imágenes, si se cambia el experimento poniendo en una misma escena diferentes melodías, también se puede cambiar totalmente el significado de esta. La música puede complementar la acción de las imágenes, intensificarla o contrastarla; de los tres modos es un elemento fundamental para la interpretación de las imágenes y para la respuesta que el público tiene ante éstas. Es por este motivo que una de las maneras más sencillas de cambiar el tono de una escena es variando la música, ya que ésta afecta psicológicamente al espectador y en su comprensión de lo que está viendo. Por ejemplo, si en una escena se ve a un hombre y una mujer que se acercan uno al otro caminando mientras se miran, la música pondrá en contexto al espectador y determinará lo que piensan del otro, si se están enamorando, si se desean sexualmente, o si por el contrario se odian, etcétera. Por lo tanto, la música también anticipa y prepara al espectador para lo que vendrá. Por ejemplo, en las películas de miedo la música se utiliza para marcar los momentos de más tensión y para asustar al espectador. Siguiendo esta idea, una mala elección de la música puede arruinar una escena o cambiar completamente su significado, dándole uno que no estaba planeado.

Estudios y explicación de la causa

Un estudio de la Universidad de California en Los Ángeles situó a unas personas observando a otras, y demostró a través de escáneres cerebrales que a los que observaban a otros hacer un esfuerzo físico, se les encendía la parte del cerebro asociada con los músculos utilizados por los otros, de la misma manera que si veían a una persona sonreír, las neuronas asociadas con pertinentes músculos faciales se encendían. Sin embargo, la parte más interesante del estudio es que probó que las neuronas asociadas con la respectiva emoción, en este caso la felicidad, también hacían contacto. El ser humano reacciona así porque ha evolucionado con el objetivo de entender a sus semejantes a través de la empatía, de modo que cuando se ve a alguien haciéndose una herida se entiende que duele, o si llora, que está triste. Este efecto se extiende hacia el ámbito de la música, ya que hay ciertas melodías que inconscientemente y de forma popular se relacionan con sensaciones y emociones.

Esta relación inconsciente que realiza el cerebro se puede utilizar de forma simple y lógica en la creación de contenido audiovisual, por ejemplo, poniendo una música con un tempo lento en un momento romántico para enfatizar la acción, o se puede utilizar de forma más elaborada para crear un mayor impacto en el público o explicar mejor la emoción de un personaje. Por ejemplo, si en una escena el protagonista está tomando venganza de forma cruenta se le pone una música alegre (la escena de la tortura en Reservoir Dogs de Quentin Tarantino es un perfecto ejemplo).
Uso del silencio

En las producciones cinematográficas la música y el sonido están completamente estudiados y pensados según la reacción deseada en el espectador y el significado que se le quiere dar a las imágenes. Sin embargo, también es un recurso muy útil la eliminación de la música en algunas escenas para así dejar su significado "desnudo", sin ningún tipo de aditivo, asegurándose así que el espectador no relaciona la escena con nada innecesario o no deseado y, por tanto, no se varía su interpretación. Así, el espectador no queda sobresaturado y también es capaz de introducirse mejor en la escena.

Fuente: Wiquipedia

viernes, 15 de octubre de 2021

HISTORIA DEL CINE (2010-2019)

Nos encontramos ya en la segunda década del Siglo XXI, esta nos ha dejado como legado 10 años de increíbles producciones que reafirman que el Cine como arte y como industria, está más vivo que nunca alrededor de todo el mundo.

Siempre se suele recurrir a aquello de que "cualquier tiempo pasado fue mejor", y puede que las películas de los 80, o de los años 30, fueran en líneas generales superiores a las que se ruedan ahora. Pero no cabe duda de que en los años transcurridos entre 2010 y 2019 llegaron a los cines numerosos títulos de interés, y auténticas obras maestras.


Ahora las cantidades y los niveles de producción y calidad se han emparejado, por lo que es tan fácil encontrar producciones de gran valor artístico, técnico y de entretenimiento en todas partes del mundo, en todo tipo de género y bajo todo tipo de presupuestos y alcances de distribución, por lo que sería imposible hacer una lista sin grandes omisiones o polémicas. Es por ello, no consideren esto como “los mejores” pero sí como algunos filmes “esenciales”… No hay verdades absolutas, solo muy, muy buenas recomendaciones y claro luego sobre gustos colores.

Películas como La red social de David Fincher, iniciaron una década que se preveía encaminada en buenos títulos haciendo referencias a las nuevas tecnologías emergentes. El rescate de antiguas sagas como por el ejemplo el Origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt también hacían acto de presencia sobre grandes films de antaño. En clave social películas como Doce años de esclavitud, de Steve McQueen apelarían a la historia más reciente y oscura de América. Y en clave española, creo y sin duda no me lo podréis negar... que Ocho apellidos vascos, nos marcó bastante. Además de secuelas como Blade Runner o Kong la isla de la calavera también calarían en el gran publico.

Mirando atrás, muchas cosas han pasado en el mundo del cine. Y Oriente ha empezado a verlo, convirtiéndose en uno de los factores más importantes a la hora de hacer superproducciones, pero lo que sin duda ha cambiado la industria del cine en esta década ha sido sido el streaming, un fenómeno social que ha echo cambiar de manos las grandes productoras de Hollywood por las modernas plataformas de cine bajo demanda; y que de la mano de Netflix, HBO, Disney+, Amazón o Apple TV entre otras muchas, han abierto una guerra por el control del mercado cinematográfico.


Creo que a continuación vais a encontrar una selección muy variada e interesante, fruto de la opinión y el criterio de varias fuentes consultadas, pero también un reflejo de las grandes obras que nos ha dejado el séptimo arte durante la última decena de años. 

He aquí algunos de los títulos de esta década:
  • La red social (2010 - USA - David Fincher)
  • El libro de Eli (2010 - USA - Albert Hughes)
  • Origen (2010 - UK,USA - Christopher Nolan)
  • El origen del planeta de los simios (2011 - USA - Rupert Wyatt)
  • La invención de Hugo (2011 - Francio,USA - Martin Scorsese)
  • Cowboys & Aliens (2011 - USA - Jon Favreau)
  • Los vengadores (2012 - USA - Joss Whedon)
  • Los juegos del hambre (2012 - USA - Gary Ross)
  • Skyfall - 007 (2012 - USA,UK - Sam Mendes)
  • Doce años de esclavitud (2013 - USA,UK - Steve McQueen)
  • El medico (2013 - Alemania - Philipp Stölzl)
  • Capitán Phillips (2013 - USA - Paul Greengrass)
  • Interstellar (2014 - USA,UK - Christopher Nolan)
  • Ocho apellidos vascos (2014 - España - Emilio Martinez Lázaro)
  • El corredor del laberinto (2014 - USA - Wes Ball)
  • Leviafan (2015 - Rusia - Andrey Zvyagintsev)
  • El despertar de la fuerza - Star Wars (2015 - USA - J.J. Abrams)
  • Mad Max Furia en la carretera (2015 - Australia,USA - George Miller)
  • La ciudad de las estrellas - La La Land (2016 - USA - Damien Chazelle)
  • La gran muralla (2016 - Australia, Canada, China - Zhang Yimou)
  • La doncella (2016 - Corea - Park Chan-wook)
  • Blade Runner 2049 (2017 - Canada,USA - Denis Villeneuve)
  • Kong: La isla Calavera (2017 - USA - Jordan Vogt-Roberts)
  • Los últimos (2017 - Argentina - Nicolás Puenzo)
  • El cuaderno de Sara (2018 - España - Norberto López Amado)
  • Ready Player One (2018 - India, USA - Steven Spielberg)
  • Un lugar tranquilo (2018 - USA - John Krasinski)
  • Parásitos (2019 - Korea - Bong Joon-ho)
  • El canto del lobo (2019 - Francia - Antonin Baudry)
  • Érase una vez en... Hollywood (2019 - USA - Quentin Tarantino)

domingo, 26 de septiembre de 2021

VAMOS A HACER UNA PELÍCULA DESDE CERO

¿Has pensado alguna vez en convertirte en director de cine...? pues esta es tu oportunidad. Con este sencillo método, podrás empezar a hacerlo. Te enumeramos UNO A UNO los pasos que todo cineasta debe seguir para realizar su propia película. Y todo de forma amateur, sin necesidad de desembolsar grandes cantidades de dinero.

Muchas películas se han realizado de esta forma, desde películas de terror hasta películas de acción. Tendrás que elegir el tipo de cámara, los actores de reparto, elaborar un guión y un sinfín de cosas más. Incluso, si te queda bien, te diremos dónde podrás subir tu película para que todo el mundo la vea. Crea tu propio proyecto cinematográfico.

¿Todo el mundo puede realizar una película... y quién sabe?, a lo mejor es tu talento escondido. Mas aunque hacer una película parezca muy sencillo, lo importante es tener todo muy bien planificado, desde el tiempo de los guiones hasta la elección del reparto. Pero esa organización tan importante es la que te ofrecemos en este proceso. Podrás cambiar los tiempos a tu gusto e ir modificando las tareas a tu conveniencia... sólo tienes que prestar atención y centrarte en tu película.

Esperamos que te lo pases muy bien realizando tu propio film. Ya nos contarás más adelante cómo te ha ido. A continuación, te vamos a dejar una serie de reglas para rodar una película profesional con mu y poco dinero.

Lo primero... la historia


Las películas son historias visuales, así que lo primero consiste en pensar y tener una idea para convertirla en película. Piensa en películas que te guste o en libros que te han gustado cuando los has leído y considera que es lo que les hace tan interesantes. Haz una lista de todos los accesorios, ubicaciones y posibles actores que tengas disponibles, y luego desarrolla la trama en torno a ello. Un consejo: Es bueno tener diario de sueños, pues a veces los sueños, al igual que las películas, son historias muy visuales. Apunta todas tus ideas en un cuaderno y lee las noticias de los periódicos. Ten una idea básica y trabaja con ella.

Después, crea el guión


En un guión se escriben todos los momentos de la historia en escenas individuales y aptas para una película. En el guión, se escriben todos los diálogos de cada personaje, incluso ciertas instrucciones físicas y vistas de la cámara. 

Cada escena deberá comenzar con una pequeña descripción, como por ejemplo interior, noche, día, casa. A menudo, tendrás que pensar en lo más económico. 

No te compliques mucho; a veces, puede ser mejor cortar una escena épica de 30 minutos y poner el resultado.

Importante también es la estética de la película


Como las películas son visuales, es muy recomendable pasar tiempo pensando y diseñando el aspecto y la sensación que quieres transmitir al público. Recuerda el tipo de película que vas a realizar, si es de miedo, aventuras, policíaca, de ciencia-ficción, cómica, romántica... cada tipo requiere de un ambiente y es importante ambientarla, valga la redundancia.

Crea un guión gráfico (Opcional, aunque recomendable)


El guión gráfico, consiste en dibujar la película que quieres rodar en caricaturas y viñetas, con los famosos bocadillos o diálogos (No importa que dibujes mejor o peor; lo importante es la composición de cuadro). Podrías hacerlo solamente esbozando cada escena o transición más importantes. 


Este proceso es para que una película muy larga sea fluida y te ayude a anticipar panos de escenas o secuencias que pudieran ser muy difíciles de rodar. Podrías tratar de grabar sin hacer el guión gráfico, pero no conseguirás visualizar correctamente la película ni dar tu explicación detallada a los demás miembros de tu equipo.

Consigue dinero de camino


Conforme el proyecto se vaya desarrollando, irán surgiendo nuevos gastos. Es importante estar atento y administrarse. Dale un poco de publicidad a lo que quieres hacer en tu entorno e intenta conseguir algo de dinero extra para tu proyecto. Propón a algunas casas, marcas o negocios locales aparecer en tus escenas, anunciarse subliminalmente o al final en los créditos como sponsor. En ocasiones, estás tan inmerso en el proceso creativo que no atiendes como debiera a estas oportunidades económicas. Es importante iniciar el camino, aunque no sepas exactamente donde te va a llevar. ¡A por ello!

Aprovecha todo aquello que sea gratuito


Puedes sopesar el utilizar recursos gratuitos como lugares para rodar que te presten, música libre de copyright o programas de producción abiertos. Si puedes hacer algo de manera gratuita, destina ese presupuesto a otra partida. De igual manera, cuando alguien se ofrezca para colaborar en tu película de manera gratuita, aprovéchalo. Dí siempre que sí, y sé agradecido.

Buscar los actores y ayudantes que puedas


Para grabar una película, lo imprescindible que necesitas un grupo de personas que te ayuden a realizarla, con un objetivo en común. Unas personas serán actores y otras te ayudarán en el rodaje. Dales papeles a tus amigos o haz una convocatoria en las redes sociales. Deja claro desde el principio que no les vas a poder pagar.


Elige y sopesa el reparto


Puedes elegir a gente en la universidad, en tu comunidad o en otros sitios donde puedas encontrar colegas que quieran hacer una película contigo (Haz un pequeño casting y pruebalos en el papel que les vayas a asignar). Ya sabemos que el presupuesto es bajo, por tanto, tendrás que aprender a jugar con las debilidades y fortalezas de los disponibles. Estudia las capacidades que tienen tus posibles actores. Evita los horarios conflictivos, asegúrate de que las personas con las que cuentas estén disponibles cuando las necesites... y sobre todo asegúrate de que sean formales, el que empiece que termine; que luego te dejan colgado en mitad del rodaje y te fastidian todo el trabajo.

Consigue cámaras y equipo



Muchos directores de cine, han usado cámaras muy baratas y han realizado películas muy profesionales. A veces, la apariencia de una película casera está muy de actualidad. Decide el tipo de cámara que necesitarás y sobre todo el que te puedas pagar (Sopesa la opción de alquilar los equipos). Necesitaras micrófonos, focos, trípodes... etc. Aunque yo sé de gente que han rodado con simples móviles y les ha quedado realmente genial. Lo importante es el enfoque, la creatividad y sobre todo la historia bien contada.

Diseña el vestuario y busca los escenarios


Decide cómo quieres que sea tu escenario, incluso si puedes grabar en una localización real o en un estudio de grabación. Ubica cada escena y prepara los sitios. (Algunas veces necesitaras pedir algún permiso si vas a grabar algunos escenarios o en sitios concretos) También ten en cuenta la iluminación. Y ten en cuenta que las películas dependen en gran medida de los vestuarios para comunicar los rasgos esenciales de las secuencias.

Elige al personal de dirección, grabación y montaje


Lo normal es que con poco presupuesto tú seas el director (Aunque no tiene porqué, puedes hacer el papel de productor y dejar a otro que entienda más ese tema, o puedes codirigir también). Tendrás que reunir a los actores, controlar el rodaje y atender a los comentarios creativos. Por el contrario, también puedes elegir algún amigo que sea el director de fotografía. Se encargará de la iluminación y la grabación y otra persona podría ser la persona encargada del diseño de estudio. Diseñará los peinados, el maquillaje; pide ayuda. También puede existir una persona encargada del sonido y la música.

Elabora un plan de rodaje:


Puesto que cada minuto de rodaje conlleva un coste (equipo técnico, equipo artístico, maquinaria, etc), deberemos tratar de tener todo perfectamente organizado antes de comenzar a grabar, hazte un diario de rodaje y anota todo. Cada actividad realizada dentro de un rodaje está íntimamente ligada con otras muchas actividades, de tal manera que si una falla, esta afectará a las demás.


A través del plan de rodaje podrás organizar todos los aspectos del rodaje de la forma más eficaz, optimizando al máximo tus recursos.

¡Ahora vamos a grabar la película!


Lo primero ORGANIZACIÓN. Prepara cada día de rodaje con anterioridad, a veces en un set o localización hay que grabar escenas de lo primero, mitad o final de la película para luego montarlas en su sitio después, esto te evitara tener que venir al mismo sitio y molestias posteriores. Utiliza una claqueta o una pizarra para señalizar las escenas, así luego no te perderás en la maraña de ficheros. Mira que vas a grabar y ponte de acuerdo con todos los actores que participan en esa jornada. Prepara los útiles y vestuarios y estate atento a la continuidad en las secuencias. (Peinados, ropas, complementos, posiciones de las cosas... etc...)

La duración de la película es muy variable. Tus decisiones serán la diferencia entre una película profesional o una película casera. Lo normal es que se quiera grabar la película desde diferentes ángulos para que resulte mucho más profesional. Esta opción es buena a la hora de realizar el proceso de edición. Los cineastas profesionales graban cada escena en planos generales, medios y primeros planos. Ten esto en cuenta.

El diálogo de los actores deberá ser grabado en cada escena a ser posible por duplicado, e incluso doblado en la producción posterior si no queda bien o hay ruidos de fondo indeseados. Los efectos de sonido también deberán ser creados, incluso la música. Todo el sonido deberá ser mezclado, editado y alineado con el vídeo al final.

Ya está hecho, ahora hay que editar el vídeo


Cuando grabes escenas, necesitarás importar toda la grabación a un ordenador y mezclarla según el guión original y técnico. Después, registrarlos e identificarlos. Usa las tomas que mejor estén o más te interesen. Escoge varias tomas desde los diferentes ángulos que elegiste. Esto lo hará mucho más real. Los PC's suelen venir con programas de edición incorporados, que te permiten editar una película, y mezclar sonidos etc... (Si tú no entiendes, busca alguien que se maneje estos temas). También, podrás comprar programas de edición o efectos especiales mucho más profesionales, como por ejemplo Pinnacle, Adobe o Premier entre otros.

Sincronizalo todo e incluye los créditos


Acopla los efectos de sonido con la música, acorde con las escenas. Tendrás que poner los nombres de todas las personas que han participado en el reparto, añadir agradecimientos, colaboraciones y todo lo que creas conveniente que debe salir.

Compila y exporta al formato que desees


Monta la película en formato DVD o DivX y creaté un trailer para promocionarla. También, puedes cargar la película o el anuncio en las plataformas Vimeo o Youtube para que otras personas lo vean.


¡Y ya está... listo para su estreno! Suerte.


domingo, 15 de agosto de 2021

EFECTOS ESPECIALES PARA TUS VÍDEOS CON EL MÓVIL

El crear efectos especiales siempre ha sido una tarea complicada que requería de amplios conocimientos y avanzados equipos tecnológicos. Sin embargo, hoy en día es posible crear efectos profesionales con un simple teléfono móvil para producir un anuncio llamativo o, incluso, una película de acción.

Si te gusta grabar vídeos, pero además quieres darles un toque original y divertido añadiéndoles efectos especiales, queremos que sepas que existen aplicaciones con las que puedes agregar efectos digitales a tus clips, como si de una película o videojuego se tratara.

En los últimos años, los vídeos han ganado gran relevancia en las redes sociales y en Internet en general. Nuestros móviles están llenos de vídeos que grabamos o que compartimos por redes sociales con nuestras amistades o familiares.

Existen aplicaciones que permiten generar explosiones digitales, rayos de luz, figuras tridimensionales en movimiento. Algunas apps además permiten generar el efecto croma; es decir, eliminar un el de un fondo para sustituirlo por otro. De hecho, incluso Instagram o Tik Tok ya están trabajando en estas herramientas. Estas son algunas aplicaciones para crear efectos especiales desde tu smartphone.

Estas aplicaciones son casi siempre totalmente gratuitas aunque algunas incluyen versiones Premium y paquetes especiales con de efectos de pago

Aquí tienes algunas:

Likee


Esta aplicación cuenta con los tradicionales efectos, máscaras y filtros de otras apps como Instagram o Snapchat. Sin embargo también permite añadir efectos especiales como destellos de luz, explosiones mágicas y recortar el fondo para trasladar al usuario a otro espacio tiempo.
Entre sus más de 300 efectos especiales, puedes encontrar el efecto de flotar, viajar en el tiempo o crear películas antiguas. También puedes crear vídeos musicales donde, además de agregar efectos especiales, puedes mezclar la música.


Super Power Fx


Esta aplicación permite generar fuego en las manos, disparar rayos láser por los ojos como Superman y controlar elementos con la mente, entre otros efectos. También cuenta con efectos de sonido que se incorporan a los efectos visuales. Dispone de una lista de canciones instrumentales dramáticas para incorporar a los clips.


Cuenta con efectos visuales inspirados en cómics, como la opción de disparar bolas de fuego con las manos o rayos láser por los ojos. También dispone de efectos de sonido que se incorporan a los efectos visuales. Permite compartirlos a través de Instagram, Facebook, YouTube y correo electrónico.


Action Effects Wizard


Aplicación que entre sus principales características cuenta con más de 30 efectos especiales, sonidos para todos los efectos de acción y con un archivo propio de películas donde puedes guardar tus películas. Sencillo de utilizar, tan fácil como elegir el efecto que prefieras, grabar o importar un vídeo y por último dejar que el Asistente de efectos de la app realice su función.


Video Effects- Video FX, Video Filters & FX Maker


App que te ofrece más de 100 efectos especiales y filtros de vídeo para elegir. Con unos pocos clics podrás añadir superposiciones, filtros, pegatinas, música, efectos de sonido y texto a tu vídeo. Cuenta con efectos como hechizos, partículas, fuego, magia pantalla HUD… Una vez terminado el trabajo, podrás exportar los vídeos de alta definición a la galería o subirlos a YouTube además de poder compartirlos por redes sociales.


Movie Ride Fx


Gracias a los efectos especiales que esta divertida app te proporciona, podrás navegar en una nave espacial o volar en un avión. Con MovieRide FX realmente te sentirás como si estuvieras en una película. No tienes más que seleccionar tu clip de película, grabar a tu actor y dejar que MovieRide FX haga su magia.


FxGuru


Movie FX Director. Esta aplicación contiene un gran número de efectos especiales destinados a crear vídeos de acción. Cuenta con efectos especiales de terror y ciencia ficción como crear figuras fantasmales tridimensionales, representar una invasión extraterrestre o lanzar un cohete al espacio.


Action Movie Fx


Esta aplicación cuenta con un gran número de efectos especiales que se pueden añadir a los vídeos, como una avalancha de agua, un ataque con un misil o u terremoto. Incluye paquetes de efectos especiales gratuitos y premium, que son muy profesionales. 




jueves, 22 de julio de 2021

Nuevo Concurso de Cortometrajes de... Lamucca (2021)


¡Participa!


¡Bienvenidos a la primera edición del Concurso de Cortometrajes de Lamucca

Si tienes talento para el cine y ganas de compartirlo ¡participa! 

Hay 5000 euros en premios para los mejores cortos y la interpretación más sobresaliente.

INSCRÍBETE

Bases legales

BASES

Los cortometrajes deberán estar basados en los 10 relatos finalistas del concurso de relatos “Historias de Pasión”

  • El plazo de presentación de los cortos termina el 14 de septiembre de 2021

Concluida la quinta edición del Concurso de relatos de Lamucca “Historias de Pasión” dedicada al relato erótico, damos paso a la Primera Edición del Concurso de Cortos de Lamucca.

Los participantes deberán ser mayores de 18 años y residentes en España, sin restricciones de nacionalidad. El número de cortos que puede presentar cada participante será ilimitado. Los miembros del jurado y sus familiares no podrán participar en el concurso.

CORTOMETRAJES

Los cortometrajes tendrán una duración mínima de tres minutos y máxima de diez. Es requisito que los cortos estén inspirados en uno de los 10 primeros relatos finalistas de la V Edición del concurso de relatos de Lamucca “Historias de Pasión” (pincha para acceder a la lista y leer los relatos) y podrán grabarse en español o inglés.

El ID del vídeo publicado deberá obligatoriamente incluirse en la ficha de inscripción, junto al resto de datos. Los cortometrajes deberán incluir una cortinilla del festival al principio y al final del corto que estará disponible en la landing del concurso.

No se admitirán a concurso inscripciones posteriores al 14 de septiembre de 2021. Tampoco serán admitidos a concurso versiones de otros cortometrajes o basados en otra temática diferente a los relatos finalistas del concurso de relatos de Lamucca.

FECHAS

  • CONVOCATORIA DEL CONCURSO: lunes 5 de julio de 2021
  • CIERRE DE LA RECEPCIÓN: jueves 14 de septiembre a las 18:00
  • ANUNCIO DE LOS GANADORES: primera quincena de octubre

ENTREGA DE PREMIOS: El evento de entrega de premios dependerá de la evolución de la pandemia y la fecha y lugar de la celebración se anunciarán durante la segunda quincena de octubre de 2021.

JURADO

El jurado estará compuesto por miembros de la dirección de Lamucca y de las empresas colaboradoras y profesionales del medio audiovisual.

PREMIOS

  • Primer premio: dotado con 2500 euros.
  • Segundo premio: dotado con 1500 euros.
  • Premios especial a la mejor interpretación: dotado con 1000 euros

Las cantidades señaladas en estos premios generan impuestos, por lo que se practicarán las retenciones que marque la legislación vigente sobre ellas.

La organización se reserva el derecho a retirar o no aceptar cualquier vídeo que no considere adecuado a los objetivos del concurso. El jurado podrá otorgar menciones especiales a otros cortometrajes si lo considera oportuno. Los premios podrán quedar desiertos si ninguno de los cortometrajes participantes alcanza la calidad exigida. En caso de fallo exaequo la dotación económica de cualquiera de los premios podrá dividirse entre los cortometrajes ganadores.

**Los cortometrajes ganadores de premios con dotación económica deberán incluir en la copia final una cortinilla con alusión al premio obtenido y el logotipo de LAMUCCA visible en la difusión posterior que estará disponible en la landing del concurso.

Fuente: lamuccacompany.com


miércoles, 16 de junio de 2021

300 Guiones en Castellano y más... para tus Proyectos

Aquí tenemos una de las mayores bases de datos de guiones en castellano y otros idiomas que hay actualmente en Internet. 

Este catálogo recopila enlaces a todos los guiones en lengua hispana y demás que circulan gratuitamente por la red. Lo bueno de este buscador es que puedes hacer búsquedas por tipo de obra (serie, largo, corto..), título, idioma o nombre del autor. 

Si incluyes información en más de un campo, la búsqueda sólo mostrará los guiones que cumplan con todos los requisitos. Una vez hayas encontrado lo que estás buscando, pulsa sobre el enlace al documento que te aparece a la derecha e inmediatamente tendrás acceso al mismo.

Venga, a investigarlo...

 

viernes, 14 de mayo de 2021

Planos Indirectos

Los planos indirectos son... un tipo de plano cinematográfico que desde el punto de vista, se observa el mundo mediante reflejos. Pueden ser en el agua, en un espejo, en un escaparate, etc...

Su utilización, nos da un poder sobre el personaje. Es un juego estético interesante y recurrente. 

En este caso que ponemos como ejemplo, vemos el reflejo de alguien que quiere desengancharse de la droga, y se está tomando tranquilizantes. A través del espejo vemos por su rostro que no está seguro de querer hacerlo realmente.



jueves, 15 de abril de 2021

SALTO DE EJE

El salto de eje es un error grave de sintaxis en el lenguaje cinematográfico, que se produce cuando no se respeta el eje de acción imaginario que se establece entre dos personajes que interactúan o en la línea de desplazamiento entre uno de ellos y un objeto presente en la escena.


Si, por ejemplo, al filmar o grabar una conversación entre dos personajes, se sitúa una cámara a un lado del eje imaginario que les une y otra cámara en el opuesto, en el montaje se verá que, en lugar de mirarse uno al otro, lo hacen ambos en la misma dirección con lo que el espectador, al ver los dos planos sucesivamente recibe la sensación de que se dan la espalda, no de que estén dialogando, lo cual no solo es absurdo sino que (y eso es lo más grave) altera sustancialmente la reproducción del espacio escénico, desorientando al espectador. Aun en el caso de que no se desoriente, percibirá una información errónea y narrativamente falsa. Para evitar esto se aplica la ley de los 180º, que consiste en dividir el espacio en dos mediante el eje de acción o de miradas, situando las distintas posiciones de cámara, previamente ideadas en una planta de cámara, que integran la secuencia al mismo lado de dicho eje, de tal forma que cuando se montan los planos sucesivamente, el espacio queda perfectamente reconstruido y la acción es verosímil.



Esta norma empírica, apareció en los albores del cine, cuando los montadores se dieron cuenta de que si dos personajes se perseguían, no podían ser filmados desde lados opuestos de la dirección de la persecución, ya que en ese caso no se producía ese efecto, sino el de que ambos iban a encontrarse.


Es este un tema que da lugar a mucha controversia, pues hay quien opina que el espectador moderno no se desorienta aunque se salte el eje y puede ser cierto, pero no lo es menos que desde que se inventó el cine, este error se ha utilizado narrativamente con intención, para producir la sensación de que un personaje está perdido o desorientado.


Gráfico del eje de acción y posiciones de cámara.

No se debe confundir "saltar el eje" con "cruzar el eje" que es algo totalmente admisible, pues se realiza de forma que el espectador es consciente de que el punto de vista está pasando al lado contrario. Esto puede hacerse mediante un movimiento de travelling o insertando entre los dos planos que "saltan" un plano filmado desde el mismo eje o un subjetivo del personaje (que está también sobre el eje pues es él mismo quien lo marca).

lunes, 15 de marzo de 2021

EL EJE DE ACCIÓN

El eje de acción o eje de miradas es una línea imaginaria que sirve de base o referencia a la hora de planificar la filmación de una acción en un espacio tridimensional. Cualquier elemento que se desplaza está trazando un eje y condicionando el espacio fílmico de toda la acción posterior en ese espacio.

La realización de una película, grabación de vídeo o cualquier narrativa producida mediante imágenes, tiene como base la deconstrucción/reconstrucción del espacio escénico (lugar físico donde sucede la acción) para transformarse en espacio fílmico (sucesión de planos, escenas y secuencias que la narran en pantalla), es decir, extrapolar una situación real tridimensional a una proyectada en dos dimensiones sobre una pantalla o dispositivo electrónico dotada de ella (cine, televisor, tablet, teléfono inteligente, etc.). La implantación de la imagen 3D no alteró este planteamiento, puesto que no dejaba de ser una proyección 2D contemplada con unas gafas. Otra cosa serán, cuando narrativamente se asienten, los efectos de
l sistema inmersivo de la realidad virtual, lo cual aún es pronto para valorar.

El lenguaje audiovisual ha de cumplir ciertas reglas o convenciones para conseguir su comprensión por parte del espectador. Quizá las más importantes sean las relativas al eje de acción o de miradas, cuya aplicación es fundamental para una buena narrativa audiovisual. Téngase en cuenta que, a pesar de que la gran mayoría del público actual comprenda una situación en la que no se respeten estas normas, no se debe prescindir de ellas puesto que se trata de un tema que tiene que ver más con la geometría que con la creatividad y, por lo tanto, deja poco margen a la discusión. Cualquier movimiento rectilíneo realizado ante una cámara, discurre en una dirección en la pantalla, marcando un eje de acción (y no sólo el movimiento, las miradas también lo hacen) que habrá que respetar siempre para no confundir al espectador. Cuando se planifica el rodaje de una escena o secuencia, la situación de la cámara en el Plano General es lo primero que hay que decidir puesto que marcará la posición del punto de vista en el resto de los planos. El descubrimiento del eje de acción es una de esas aportaciones al lenguaje cinematográfico, realizadas de forma empírica y anónima por los profesionales que se enfrentaban a los problemas de montaje en la moviola y que eran resueltos por la vía de la prueba y el error.

El eje de acción y las posiciones de cámara.
Así nació la llamada Ley del semicírculo o de los 180º, que consiste en delimitar el eje (de acción del sujeto o de miradas) e imaginar a uno de sus lados un semicírculo, dentro o sobre el cual es posible situar la cámara sin problemas; cualquier toma hecha desde el lado elegido del recorrido e incluso desde el propio eje, producirá en la pantalla la misma dirección en el movimiento del sujeto. Pero si se ubica la cámara al otro lado del eje de acción, cuando se monte el plano, el sujeto pasará a moverse en dirección contraria en la pantalla. Se habrá producido el salto de eje, intolerable desde el punto de vista de la construcción del espacio fílmico. La elección del “lado bueno” del eje no es arbitraria. Puede depender de cuestiones como el fondo, la iluminación, el Raccord (continuidad) con la secuencia precedente o posterior, etc.

Eje de miradas


La línea visual entre dos personajes que se miran, establece un eje que marca los dos posibles semicírculos de situación para las cámaras. Por ejemplo, en una entrevista saltar el eje tiene como consecuencia que al montar la escena los personajes no se miran, sino que se dan la espalda.


Eje de viaje


Cuando se filma un desplazamiento o viaje en varios planos y diferentes espacios, toda la secuencia debe presentar a los personajes desplazándose en la misma dirección. Se plantea así un eje de dirección o de viaje, que hay que respetar en todos los planos de la secuencia si queremos mantener la sensación de que se parte de un lugar para llegar a otro conocido. No hacerlo así, por ejemplo en una persecución, tiene como consecuencia que los personajes no se persiguen, sino que van a encontrarse. Esta norma se romperá si lo que pretendemos es mostrar, por ejemplo, a alguien que se ha perdido o que no encuentra algo que busca, aprovechando la sensación de confusión que se produce.

El eje de acción en la entrevista.

Lo mejor es, además, plantear el desplazamiento según la convención geográfica, (Este a la derecha, Oeste a la izquierda), con lo que un personaje que viaja de Madrid a Lisboa, será visto en pantalla desplazándose de derecha a izquierda. Otra convención no escrita pero que se sigue habitualmente, es mostrar en pantalla los viajes de ida de izquierda a derecha y los de regreso de derecha a izquierda.

lunes, 15 de febrero de 2021

Diferentes Planos desde el Punto de Vista

En otras entradas hemos visto diferentes tipos de planos y encuadres para una toma, pero existen otros más específicos y sutiles como por ejemplo los puntos de vista.

Y nos referimos a el punto de vista a como el espectador vivirá la obra audiovisual desde su propio encuadre; o lo que es lo mismo, de como la vería él si lo hiciera desde los ojos de la cámara. Por ejemplo mientra visualiza la toma el espectador puede vivirla como si mirase a través de uno de los personajes de la película, u otro ejemplo sería vivirla como si fuese una tercera persona invisible que está dentro de la acción.


Plano Objetual


El tipo de plano es aquel que es tomado a partir de un objeto como referencia; es decir, como si la cámara mirase a través de un objeto cualquiera. Probablemente, hemos tenido la oportunidad de admirar este plano en muchas películas.

En varias ocasiones, puede usarse como un método de suspenso, para hacer que las personas no sepan cómo luce dicho elemento. También se trata de un punto de vista que expone a ciertos sujetos mirando a la cámara, por lo que las posibilidades de jugar con esto son infinitas.




Plano Subjetivo


Existen varias semejanzas entre el plano objetual y el plano subjetivo, pero una de las principales es que de alguna manera, el punto de vista de algo o alguien se inmiscuye en la escena. El plano subjetivo se trata de que la cámara esté introducido dentro de la escena, pero como una persona. Es decir, vemos todo a través de los ojos de alguien.



Plano Subjetivo Voyeur


Es un subtipo de plano del anterior que, nos muestra que está observando al sujeto, a través de un objetivo, una cerradura, unos prismáticos, etc. Y mientras observa, el observado no es consciente.

Por ejemplo, el protagonista de una película mira su vecino más de cerca, a través de un objetivo, después de notar algo extraño en su comportamiento. 




Plano Indirecto


Se observa el mundo mediante reflejos. Pueden ser en el agua, en un espejo, en un escaparate. Nos da un poder sobre el personaje. Es un juego estético interesante. En este caso, vemos el reflejo de alguien que quiere desengancharse del caballo, y se está tomando tranquilizantes. A través del espejo vemos por su rostro que no está seguro de querer hacerlo realmente.




Entonces... ¿Cuáles son las diferencias entre plano objetual y el plano subjetivo?


  • Uno se realiza desde el sujeto, el otro desde un objeto.
  • El objetual generalmente es estático, mientras que el plano subjetivo puede moverse.
  • Otra diferencia entre el plano objetual y el plano subjetivo es que se usan con diferentes motivos: El plano objetual para establecer conexión con un objeto y el otro se usa para ubicar al espectador con el panorama.
  • El plano objetual no tiene variantes. El plano subjetivo puede ser tomado de otra forma. Esta forma se conoce como plano voyeur, lo cual indica que estamos viendo algo desde el punto de vista de una persona, pero a través de un objeto: cerradura, telescopio, binoculares, etc.

Como veréis, el plano objetual y el plano subjetivo pueden ser entendidos mejor cuando los denominamos puntos de vista. De hecho, es así como se reconocen en jerga cinematográfica. Sin embargo, a motivos de usarlo para fotografía también, hemos decidido usarlos como planos. Pueden servirte perfectamente para hacer fotografía, siempre y cuando las dimensiones de la cámara y los encuadres te sirvan para ello.