lunes, 1 de abril de 2013

EL OPERADOR DE SONIDO

Se denomina operadores de sonido, al personal que en ejecución de las directrices elaboradas lleva a cabo cuantas tareas exigen la invención, búsqueda y concreción de los contenidos de los contenidos referentes al sonido, cualesquiera que sean los procedimientos técnicos de producción empleados y la audiencia a que van a ser destinados. Las definiciones de las categorías profesionales de este subgrupo son las que siguen:



• Encargado de operación de sonido.

Es el profesional que posee los más amplios conocimientos teóricos y prácticos para diseñar y realizar tomas, registro, reproducción y tratamiento del sonido en todos los aspectos técnicos y artísticos necesarios para la producción y emisión de un programa audiovisual.

Tiene conocimientos de los procesos de producción y realización de programas en relación con el sonido. Dirige y realiza trabajos de todo tipo relativos al sonido, incluyendo el mantenimiento operacional y ajuste de cualquier equipo a su cargo.


• Operador de sonido.

Es el profesional que tiene los conocimientos necesarios para la operación de equipos de sonido utilizados en la producción de programas audiovisuales, estando capacitado para desarrollar los trabajos que requieran el empleo de toda clase de equipos a su cargo.
Realiza todo tipo de tomas de sonido, cualquiera que sea su género, número y colocación de la fuente sonora y condiciones ambientales, atendido el matiz artístico que se desea lograr en la realización del programa. Se ocupará del mantenimiento operacional y ajuste de los equipos a su cargo. 

• Oficial de sonido

Es el profesional que, con conocimientos de los medios de sonido utilizados en la producción de programas audiovisuales, está capacitado para realizar funciones básicas de operaciones de sonido y colabora con los Operadores y Encargados en los procesos sonoros.


viernes, 29 de marzo de 2013

EL ACTOR SECUNDARIO Y LOS EXTRAS

Un actor secundario o actor de reparto es un actor que interpreta personajes en obras, películas o series, acompañando a los actores protagonistas.

 A menudo, pero no necesariamente, los actores secundarios son actores de género. El nombre es generalmente usado para describir actuaciones en particular, un actor puede ser secundario en una producción y protagonista en la siguiente. El actor que tipicamente interpreta papeles secundarios es considerado un actor de género o de carácter.

Los personajes secundarios pueden ser fundamentales o vitales para la trama. Para reconocer la importancia de este trabajo, la industria del cine, el teatro y la televisión entrega premios en categorías especificas al Mejor Actor de reparto y Mejoz Actriz de reparto.


Figurante o extra es aquel actor que aparece en las representaciones audiovisuales como figura de fondo. Generalmente no posee calificaciones artísticas, por lo que no suele realizar ningún otro papel que implique cantar, hablar o bailar. Sin embargo, su presencia es muy importante. Son esas personas que recrean el ambiente de una escena, bien ejecutando acciones secundarias, para dar realismo a la misma o haciendo cruces (paseando por la calle o el plató a veces entre la cámara y los actores), para crear una sensación de casualidad. Ninguna película o serie sería posible o imaginable sin ellos. Las películas bélicas o épicas suelen requerir de muchos extras. 


En España se distinguen varias categorías:
  • Figuración Normal: Figuras de fondo actuando en plano secundario, no se les suele distinguir la cara.
  • Figuración Fija: aquellos figurantes que por exigencia de guión o por las características de la producción aparecen reiteradamente porque la historia transcurre en un pueblo pequeño, un local, un espacio reducido... y normalmente aparecen las mismas personas.
  • Figuración Especial: Es aquel figurante que aunque no tenga texto tiene planos principales, actuación especial o interacción con los actores, recibe una remuneración algo mayor que el normal que varía según el tipo de actuacion o planos que tenga (pelea, desnudos, bailes, o cualquier situación que requiera unas características específicas).
  • Figuración con frase: Figurante que en ocasiones dice una frase a modo de pie o réplica. Dicha frase no debe superar los 70 caracteres y tiene una remuneración más alta. Si tiene más frases o estas son reiteradas, pasaría a ser actor de reparto y apareceria en créditos y dejaria de ser considerado figurante.

martes, 26 de marzo de 2013

BREAKDOWN: O DE COMO SE DESMENUZA UN GUIÓN

 
Después de tener concluido el guión literario, el siguiente paso logico, es llevar a cabo un breakdown, anglicismo utilizado en la jerga cinematografica y el cual consiste en desmenuzar el mismo en partes. Este desglose es la base para que el director organice la grabación y sitúe en el tiempo y en el espacio los elementos que necesitará para así obtener el mínimo costo con la mayor calidad posible.

RECOMENDACIONES INICIALES
  1. Este trabajo se debe llevar a cabo cuidadosa y minuciosamente, ya que un descuido se traduce en pérdida de tiempo o dinero.
  2. El director, el asistente de dirección y el director de fotografía, deben trabajar en conjunto para realizar el breakdown.
ANTES DE EMPEZAR
  • Debes tener listo el guión literario.
  • Deben estar resueltos técnicamente todos los problemas que cada escena plantea.
  • Debes tener una idea general de todos los elementos que intervienen en una escena.
Es importante resaltar que se hace una hoja de breakdown por cada escena del guión.
Hay algunas excepciones, por ejemplo cuando es una llamada telefónica; en ésta se tendría que hacer una hoja de breakdown por cada locación en donde esté cada uno de los que hablan por teléfono. Debes adaptar y ajustar el formato a cada producción porque puede llegar a variar en algunos casos especiales.

Cada secuencia se realiza en un determinado escenario con la siguiente clasificación:
  • Interior Día
  • Interior Noche
  • Exterior Día
  • Exterior Noche
El desglose debe ser tan gráfico como sea posible a fin de que sirva de referencia inmediata para la grabación. Por tal razón, se utiliza una clasificación por colores que permite ubicar rápidamente los escenarios involucrados en cada secuencia. De esta forma tenemos básicamente las 4 combinaciones de posibilidades, las cuales fueron enlistadas anteriormente.

Estas son las categorías que se identifican como las más comunes en un breakdown:
  • Talento (Cast): todos los personajes que aparecen en el guión por escena. Va por orden de aparición.
  • Dobles (Stunts): personas que hacen las escenas de peligro y que sustituyen al actor.
  • Extras de atmósfera: son las personas que llenan el espacio para crear una atmósfera más real a la escena.
  • Extras – silent bits: son aquellas personas que tienen una pequeña participación en el guión y pueden llegar a decir algunos diálogos. Ejemplo: Mesero que se acerca a la mesa y le da la cuenta al protagonista.
  • Decoración del set o locación: son todos los elementos de decoración que se mencionan en el guión: cuchillo, zanahoria, ingredientes para la sopa.
  • Efectos especiales: éstos no son los de computadora si no los que ambientan naturalmente. Ejemplo: lluvia, fuego, agua, etc.
  • Utilería (props): la palabra “props” proviene del inglés property, que significa propiedad. Todos los objetos que porta y/o interactúa el actor van en esta categoría.
  • Vehículos/animales: vehículos que salen a cuadro, los carros que pasan por la calle. En el caso de los animales, se especifica qué animal y se apunta la necesidad de un entrenador – en su caso.
  • Vestuario: sólo el que se especifica en el guión, por ejemplo: la bufanda con la que se tapa el frío el actor o la camisa que se mancha en la escena.
  • Maquillaje y peinado: sólo si es algo especial que se mencione en el guión. Si el actor corre en la escena se infiere que puede estar sudado; aquí van también los efectos especiales de maquillaje, como alguna caracterización de algún personaje que necesita envejecer; moretones, cortadas; etc.
  • Efectos sonido, música: cualquier sonido o música que se especifique en el guión: El claxon de un carro, el sonido de la radio, etc.
  • Equipo especial: si es necesario utilizar una grúa, lentes o cualquier otro equipo especializado que se requiera para llevar a cabo la escena.
  • Notas de producción: cualquier observación a destacar sobre la escena en donde la producción tenga que poner especial atención; alguna duda que se necesita investigar con el director o con algún departamento específico.
A continuación veamos un formato para hacer un breakdown, aunque, no es necesario uno en concreto... y cada director suele tener el suyo más o menos personalizado.


jueves, 21 de marzo de 2013

MONTAJE CINEMATOGRAFICO (EN FUNCIÓN DEL CONTENIDO)

El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.

Hay muchas maneras de hacer dicho montaje y una de ellas es según el contenido. 


Tipos de montaje:

Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.

Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.

Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.

martes, 19 de marzo de 2013

EL DIRECTOR DE CINE

El director de cine o director cinematográfico (en algunos países también realizador) es la persona que dirige la filmación de una película, da instrucciones a los actores, decide la puesta de cámara, supervisa el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

Previamente habrá intervenido en numerosas labores, principalmente la realización del guion técnico (encuadre, plano, movimientos de cámara, objetivo y angulación), como la selección o casting de los actores y de los demás profesionales, los escenarios naturales en los que se rodará la película, los decorados, o la redacción final del guion.

El director de cine es el auténtico “autor” de la película. Aunque el guión, es primer eslabón de la cadena creativa, no se le puede atribuir al guionista el calificativo de autor (sólo cuando coincide con el director), porque éste describe una película propia únicamente para que el director la interprete. El guión como ya se dijo no es la obra, no es la película.

El director debe:

-visualizar (el guión) la imagen, decidir que es lo que sobra, lo que falta, lo que hay que cambiar…

-improvisar en muy poco tiempo soluciones eficaces cuando las condiciones de rodaje no se ajustan a lo imaginado o a lo especificado.

-acomodar lo que tiene a la situación y olvidarse de lo que debería haber sido.

-corregir errores y expresivizar su trabajo, adecuando las imágenes rodadas a la narración, en el montaje.

-prever durante el rodaje que imágenes va a necesitar después en el montaje. (“el director debe controlar el pasado -la preparación-, el presente -el rodaje- y el futuro -el montaje-”).

-controlar los distintos componentes de la película, su idoneidad, pertinencia…, el ámbito, el tono… debe controlarlo todo (“el director es como Dios en el rodaje”).


Historia

La importancia que se le ha dado al director en la historia de cine ha ido cambiando. Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y el personaje más relevante era el actor o la actriz, y el director era, en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día la filmación.

Fue primero en Europa y más tarde en Estados Unidos donde el director fue adquiriendo mayor relevancia hasta llegar a considerarlo como el autor de un filme.

Terminología: director y realizador

En cine, el término realizador se considera sinónimo de director. En televisión, en cambio, el realizador es, por lo general, quien dirige la fase técnica de grabación tanto en estudio como en exteriores, mientras que el director o director general puede ser el responsable de los contenidos de un programa. Hay también un director de piso y uno de iluminación, de fotografía, etc. En el cine, el realizador interpreta el guion, dirige los actores, determina planos y ángulos de cámara, luz, movimientos de cámara y duración de la toma, entre otras cosas, lo que hace al realizador homólogo de director de cine. Hoy en dia los directores de cine son reconocidos como los autores del producto audiovisual en el que trabajan.

El realizador es el responsable de plasmar en imágenes los contenidos del guion de una película, o de un programa de televisión.

En América Latina (al igual que en los Estados Unidos) no existe esta acepción del término realizador, sino únicamente director o director general. En España ambos títulos se aplican indistintamente para directores de cine, mientras que realizador se aplica a los profesionales que tienen funciones equivalentes al del director cinematográfico.

En México, el rol del director de cine es un oficio que no cuenta con mucho apoyo ni mucha tecnología para su plena realización, ha sufrido por muchos años de condiciones políticas que comprometen la visión artística, sin embargo, en los últimos años ha habido un resurgimiento por varios directores que como lo son Alejandro González Iñarritu, Luis Estrada, Guillermo Del Toro y los hermanos Carlos y Alfonso Cuarón.

La formación del realizador de televisión es más amplia. Incluye la de dirección cinematográfica y requiere un mayor conocimiento y práctica para la ejecución de programas en vivo, tanto en estudio como en exteriores con múltiples cámaras. Esta labor implica el control simultáneo de equipos electrónicos muy sofisticados y la coordinación de otros profesionales que colaboran en el estudio, control técnico, unidades móviles y estaciones de televisión (camarógrafos, grafistas, iluminadores, escenógrafos, técnicos de sonido, mezcladores, técnicos de VTR, técnicos de enlaces, ingenieros, etc.).

La expresión proviene del término realisáteur, usado en Francia tanto en cine como en televisión para los directores.

jueves, 14 de marzo de 2013

ANIMATRONICS

Los animatrónicos , son cualquier personaje (persona, animal ó pieza) que utiliza componentes electromecánicos, como servos, solenoides o neumáticos, para simular o imitar movimientos de criaturas u objetos, reales ó de fantasía. Su control puede ser mecánico, programado o de radio control.

La principal utilidad de la animatrónica se da en el campo de la cinematografía y los efectos especiales, aunque también se emplea con frecuencia en los parques temáticos y en otras ramas de la industria del entretenimiento. Su principal ventaja respecto a las imágenes generadas por ordenador o la técnica de stop motion es que no consiste en una simulación de la realidad, sino que presenta ante la cámara auténticos objetos que se mueven en tiempo real. Con los años, la tecnología que da soporte a la animatrónica se ha ido haciendo más y más compleja, produciendo marionetas cada vez más realistas y, aparentemente, vivas.


Los más pequeños de la casa ni si quiera sabrán como es posible que salgan bestias mágicas, horribles monstruos y criaturas varias con vida propia en la pantalla, ellos no lo saben, pero detrás de todo esto existe una gran labor con robots Animatronics que son cada vez más espectaculares, recogiendo incluso los movimientos faciales a la perfección.

Los muñecos animatrónicos se emplean en cine y televisión para representar personajes que no existen en el mundo real, en situaciones de riesgo o en las que no sería rentable el uso de actores o animales, o en aquellas en las que las acciones a realizar no podrían conseguirse con personas o animales auténticos.

Sus principales componentes son:
  • El servo: Es el “músculo” detrás de la mayoría de los movimientos de los animatrónicos. En general consisten de un motor, un circuito integrado, un potenciómetro y un eje. Recibe una señal electrónica de posición desde un dispositivo de entrada (R/C) y transmite el movimiento, ya sea directo a la pieza en cuestión o a otro elemento (hilo, chicote, gancho, palanca, etc.). Existen de diferentes fuerzas, y son muy comunes en el pasatiempo de vehículos de radio control
  • El pistón linear: Este es un mecanismo simple de pistón (se mueve linealmente). Es una versión limitada en función, de un servo, con la opción de poder ser mas grande, fuerte y veloz.
  • El potenciómetro: Es una resistencia de control, en forma lineal o rotacional. Su movimiento transmite una posición en forma mecánica (como la perilla de un stereo viejo) o electrónica (R/C).
  • Los R/C: Radio Control: Es un método inalámbrico de control de servos, pistones lineares, motores y otros sistemas electro-mecánicos, para que tus animatrónicos no tengan un gran cordón umbilical colgando de ellos. (claro que al final descubres que no hay espacio para las baterías y al final tienes que sacar un cable). Los “efectistas” profesionales utilizan equipo de mayor grado tecnológico, alcance y controles (hasta 256 canales y 150 m.).


lunes, 11 de marzo de 2013

DISEÑO ESQUEMATICO DE ESCENAS COMPLEJAS

Hollywood Camera Work ha creado, una nueva aplicación para la creación de escenas complejas, mediante el uso de un programa que crea esquemáticamente la distribución de las mismas y su desarrollo a lo largo de cada toma.

Shot Designer, permite a los realizadores y directores de fotografía crear diagramas animados de flujo completo con planos fijos y posiciones de la luz cambiantes ayudados por una lista de tomas integrada.

Es na verdadera herramienta, no un juguete, Shot Designer es muy profesional, es en gran medida un utensilio para crear diagramas 2D en el que también es posible integrar tramas de guión gráfico.


Es muy rápida, la aplicación sabe cómo funciona la dirección y hace la mayor parte del trabajo. (Como mover automáticamente las cámaras cuando se mueven los caracteres). Es tan rápido que se puede utilizar hasta con los actores esperando.


Anima tus personajes y cámaras para moverse alrededor de su diagrama en tiempo real. Previsualiza el ritmo de una escena y ve como se desarrolla.


Puede utilizar Storyboards en su proyecto. Los Storyboards son grandes aliados para las secuencias de acción, pero su representación es difícil y trabajosa de manera completa, siendo más fácil de hacer en un diagrama de flujo. 


La aplicación, está disponible para iOS 4.0 +, Android 2.2 o superior, Mac OS X 10.6 + y Windows. Es libre de utilizar para una sola escena, o $ 19.99 para la edición Pro, que también le da herramientas de gestión de archivos y exportar a PDF o Excel. Además, con la compra de la versión para móviles de la edición Pro también tiene el Windows y las versiones de OS X de forma gratuita.

Pagina oficial y DESCARGAS.

domingo, 10 de marzo de 2013

EL RITMO CINEMATOGRÁFICO.

En un material audiovisual, a lo que se consigue a partir de una buena combinación de efectos y de una planificación variada, se le llama ritmo. y constituye uno de los elementos que contribuirá más a hacer que las imágenes tengan o no atractivo para los espectadores.

Para determinar el ritmo que conviene imprimir en el una filmación habrá que tener presente el público al que va dirigida y las sensaciones que se quieren transmitir. El ritmo deberá estar al servicio de la narración pues...


Se pueden considerar dos formas básicas de ritmo:

RITMO DINÁMICO: Cuando un audiovisual tiene un RITMO DINÁMICO transmite al espectador una sensación de dinamismo y acción. El ritmo dinámico se consigue mediante la utilización de muchos planos cortos ( plano medio, primer plano...) y de corta duración. El cambio rápido de planos dará sensación de ritmo. Hay que tener presente que el uso de planos demasiado breves puede dificultar la asimilación de la información por parte de los receptores.

RITMO SUAVE: Cuando un audiovisual tiene RITMO SUAVE transmite al espectador una sensación de tranquilidad. El ritmo suave se consigue utilizando planos largos y poco numerosos. Cuando se presenta un plano general hay que dar más tiempo al espectador para su lectura ya que acostumbra a contener más información que los planos cortos. Hay que tener presente que el uso de planos demasiado largos puede crear un ritmo demasiado lento y hacer perder el interés de los espectadores. Cuando se observen dos planos de igual duración parecerá más lento el que contiene menos información.
No se ha de confundir el ritmo con la velocidad con la que suceden los acontecimientos.

El ritmo de un film también está también supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados: La MUSICA, La VELOCIDAD de los OBJETOS que INTERVIENEN en la TOMA. La PROPIA VELOCIDAD de la CAMARA, Etc...

Clases de ritmo:
  • Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
  • Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
  •  In crescendo: Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
  • Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.


 Según Sergei M. Eisenstein, al cual se le considera para muchos, el padre del ritmo en el montaje, este considera que la materia prima del cine no es la realidad sino el medio cinematográfico, o lo que es lo mismes por medio del montaje ritmico.

Cataloga cinco tipos de ritmo en el montaje. No es que el los invente, sino que, en su reflexión, los plantea, teoriza, y reflexiona:
  1. Montaje métrico: Es el más sencillo, el primero en la escala de complejidad. Es el más puramente matemático, que se basa en montar los planos según su duración A este tipo de montaje pertenecerían, por ejemplo, los montajes actuales de los videoclips, en los que los planos se corresponden con los acordes. 
  2. Montaje rítmico: Segundo grado de complejidad. Como su propio nombre indica, tiene en cuenta los ritmos y movimientos dentro del propio encuadre.  
  3. Montaje tonal: Tercer grado de complejidad. Va destinado a crear emociones y sentimientos, de manera que todos los elementos que conforman el plano se asocian para proporcionar un tono (emocional) dominante a la narración. 
  4. Montaje sobre tonal o Armónico: Cuarto grado de complejidad. Parte del montaje tonal, de manera que los diferentes elementos del plano se combinan para generar no uno, sino diversos tonos, que se combinan armónicamente en la narración. 
  5. Montaje intelectual: Quinto grado de complejidad. Es el que explota la metáfora visual. No busca sentimientos, tonos, sino que busca que el espectador asocie imágenes para crear un significado abstracto complejo, intelectual.

viernes, 8 de marzo de 2013

ERRORES DE CONTINUIDAD CINEMATOGRÁFICA

Continuidad cinematográfica o raccord hace referencia a la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación, a fin de que no rompan en el receptor, o espectador, la ilusión de secuencia. Cada plano ha de tener relación con el anterior y servir de base para el siguiente.

Salto de raccord o error de continuidad, significa que se ha producido un fallo construyendo esa narración. En las series y películas no se graba todo de un tirón, sino que una escena puede grabarse hoy, y la siguiente dos semanas después. Luego se montan y parece que todo es un tiempo continuo. A eso nos referimos con continuidad.

Todo esto es controlado por el llamado continuista. La función de continuista o script es una profesión relacionada con la elaboración de una película de cine o televisión. Corresponde a la persona encargada de supervisar la continuidad de un proyecto audiovisual en todos sus aspectos visuales y argumentales, de tal modo que el hilo temporal en el que se narra la historia no experimente ningún salto de continuidad a ojos del espectador.

Su cometido es que las secuencias y planos que conforman el guion, una vez montadas, mantengan una continuidad en todos sus aspectos. Ello es así porque por diversos motivos (económicos u organizativos) las secuencias se graban o ruedan habitualmente en orden distinto al narrativo, incluso en días diferentes.

Es sobre todo en las películas de serie "B" o bajo presupuesto, donde se suelen notar mas este tipo de errores de continuidad o raccord, aunque hay películas supertaquilleras que también los tienen y gordos (Ver vídeo). Una de las diferencias entre “lo cutre” y lo bien hecho reside en que esos pequeños detalles estén bien conseguidos y se cuiden al mínimo. Pero somos humanos, y en alguna que otra ocasión se nos ha escapado alguno de esos detalles, cuando en televisión el realizador ha colocado la cámara en el sitio indebido, cuando en una conversación entre dos personas en una cafetería la taza de café aparece llena en un plano, en el siguiente medio vacía y después vuelva a estar llena, así sucesivamente (Normalmente, porque los actores no se están quietos o nerviosos y no paran de beber y de comer, ver imagen). 


Otro de los tipos de fallos o saltos de raccord (que personalmente considero) es el “salto de eje“, y la consecuencia que tiene para los espectadores es como si viésemos algo raro, nos desubicamos mentalmente en el espacio porque no se muestra bien en que lugar queda cada elemento de la escena. Esto es muy importante y se debe de vigilar especialmente. Pero también existen otros...

Tipos de continuidad:
  1. La continuidad en el espacio: Líneas virtuales, dirección de los personajes, gestos y miradas.
  2. La continuidad en el vestuario y en el escenario: Ya que las películas no se registran siguiendo el guión secuencial, hay que asegurarse de que el vestuario de los personajes y su entorno no cambie sin razón.
  3. La continuidad en la iluminación: Que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro de un mismo espacio y secuencia.
  4. La continuidad de interpretación: También, es muy importante que los actores y actrices cuiden la continuidad, no sólo espacial (la dirección a la que se dirigen, etc.) sino de su interpretación. Deben cuidar factores como el tono de voz y la expresividad, para que resulte natural en cada cambio de plano.


Véase también:

Otras entradas anteriores: Continuidad o Raccord y El Continuista.

miércoles, 6 de marzo de 2013

PLANIFICACION DE RODAJE

Una vez concluido o decidido el guion literario que vamos a rodar. Es el momento de ponerse manos a la obra. Pero esta es una fase de la producción cinematográfica, que no ha de tomarse a la ligera, puesto que la no racionalización de la misma, nos puede costar mucho tiempo y dinero perdidos. Para ello, deberemos de elaborar lo que se llama... Planificación de Rodaje.


Lo primero que tenemos que hacer es el guión técnico, que normalmente, es un guión elaborado por el director o el realizador del vídeo, en ocasiones ayudado por el autor, y que después de un estudio y análisis minucioso del guión literario, se pueden suprimir, incorporar o cambiar pasajes dhas tomas.

En el guión técnico se detallan las secuencias y los planos, se ajusta la puesta en escena, incorporando la planificación e indicaciones técnicas precisas: encuadre, posición de cámara, decoración, sonido, playback, efectos especiales, iluminación, etcétera. En esta fase, se suele realizar el story-board que consiste en dibujar viñetas de cada plano que hemos planificado en nuestro guión técnico indicando la acción que corresponde.

En resumen, el guión técnico es una parte muy importante en la planificación del rodaje y ofrece todas las indicaciones necesarias para poder realizar el proyecto. Al guión técnico le sigue un bloque que contiene la descripción de la acción, de las actrices y los actores, sus diálogos, efectos, músicas, ambiente y las características para la toma de sonido.

Esta primera etapa de elaboración del guión y de la preparación de todo lo necesario para poder grabar se denomina etapa de preproducción. Y una vez que tenemos elaborado el guión y sabemos qué queremos contar y cómo queremos contarlo, tenemos que empezar a preparar todos los medios técnicos y humanos para poder realizar nuestro proyecto.

Tenemos que definir todos los medios que necesitamos:
  1. Medios técnicos: cámaras de grabación, trípodes, objetivos, micrófonos, iluminación, cintas, baterías, etc.
  2. Medios artísticos: Vestuario, decorados, mobiliario, atrezzo.
  3. Medios humanos:  Personal técnico: realizador, productores, cámaras, sonidistas, iluminadores, decoradores, maquilladores, montadores, etc. Personal artístico: actores y actrices. En el caso de producciones de documentales en los que habitualmente no se cuenta con actores, tendremos que definir las personas que vamos a entrevistar o vamos a grabar. 
Otro punto muy importante de esta primera etapa de preproducción es decidir las localizaciones , que son los lugares donde vamos a grabar: tanto si son interiores (naturales o decorados), como si son exteriores, de día o de noche.

Toda esta información debemos organizarla para realizarlo de manera planificada, efectiva y con el menor coste económico posible. Cuantos más medios necesitamos y más personal interviene, mejor planificado debemos tenerlo todo. En el rodaje de una película interviene mucha gente y muchos medios. En producciones más modestas también debemos realizar una buena organización para aprovechar al máximo los medios con los que contamos.

Algunas de las herramientas que debemos elaborar antes de la grabación son:
  1. El desglose : Se utiliza sobre todo en producciones de ficción. consiste en establecer de manera detallada las necesidades para llevar a cabo el guión desde el punto de vista artístico, material, técnico y de actores y actrices; secuencia por secuencia. Esto permite determinar el conjunto de elementos necesarios para el rodaje y así elaborar un plan de trabajo. 
  2. El plan de trabajo : Es un documento realizado por el productor/realizador que planifica y organiza las fases de rodaje. Pretende que visualicemos de forma rápida el conjunto de los días, con los aspectos concretos de cada uno, y organizar el rodaje de tal manera que se puedan agrupar las secuencias que compartan elementos comunes de cara a ahorrar desplazamientos y otros costes. (Por ejemplo: supongamos que en la película, hay dos secuencias que discurren en el desierto. una al principio y otra al final. Pues bien, rodarlas, habría que rodarlas seguidas, no vamos a rodar una, nos vamos a ir por ejemplo a la playa y luego vamos a venir a rodar la otra. Seria una perdida de tiempo y de dinero. pues esa es la función del plan de trabajo, la racionalización del mismo.). En el plan de trabajo se indican los miembros del equipo de rodaje, los actores que intervienen en esas tomas, los días que participan en la grabación, el número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la aparición de secundarios y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar disponibles para cada jornada de trabajo.
  3. El presupuesto : Tiene como objetivo evaluar el coste total de la producción audiovisual que vamos a realizar.
 Un ejemplo:

lunes, 4 de marzo de 2013

CONTROL DE MOVIMIENTOS

TRUCOS DE CINE - El Control de Movimiento.

Dentro del mundo del cine y concretamente dentro del de los efectos especiales, hay una disciplina particularmente espectacular, que consiste en controlar el sistema de cámaras, mediante el uso de computadores y sistemas mecánicos robotizados para logar una sucesión de movimientos programados, en los que después poderlos repetir exactamente, ya sea en otro plano de croma y o/a distintas escalas o fusión de planos. O bien, ya sea para mezclarlos con maquetas o imágenes generadas por ordenador y así poderlas sincronizar perfectamente, logrando una sensación de realismo extraordinarios, que antes y sin la ayuda de esta técnica, era imposible conseguir.


El precursor de la misma, fue George Lucas allá por año 1977, que la incluyo en la Guerra de las Galaxias, consiguiendo resultados extraordinarios para aquella época y nunca vistos hasta la fecha. A llovido mucho desde entonces y también la técnica ha sufrido infinidad de mejoras, principalmente debido al uso de ordenadores más potentes y al avance de la electrónica y la microrobotica. Pero en el fondo la base es la misma.

A modo de ejemplo, os dejo este fantástico documental en el que se resumen y explican bastante bien, las técnicas de control de movimientos y otros, en los que es la primera entrega de otros muchos... Trucos de Cine y Efectos Especiales...

viernes, 1 de marzo de 2013

TRASPLANTE DIGITAL DE CARAS EN VIDEOS

Un estudiante de Harvard de nombre Kevin Dale a creado una nueva técnica que automatiza casi por completo el proceso de reemplazar la cara de una persona en un vídeo por otra.

Esta técnica se lleva utilizando hace años (Es lo que por ejemplo permitió hacer los efectos especiales del cuerpo del Capitán América en su última versión de Hollywood), pero a la fecha este es un trabajo que requiere de muchísima intervención manual, en donde artistas especiales tienen que retocar casi cuadro-por-cuadro el video para hacer que esto funcione bien.


Pero ahora, con la nueva técnica desarrollada, este proceso se puede automatizar... y aunque quizás por el momento los resultados no sean tan buenos como los procesos manuales, esto sin duda permitirá una nueva generación de software de bajo costo para que cualquier persona común o pequeñas empresas de bajo presupuesto puedan llevarlo a efecto y de paso apunta a futuras versiones que posiblemente hagan un mejor trabajo automatizado que el mejor de los procesos manuales realizado hoy día.

Sin embargo, esto es sólo el principio de algo más impresionante aún. Por el momento este software requiere de unos 20 minutos en un PC promedio para renderizar apenas 10 segundos de video, pero conforme se optimice el algoritmo y se utilice hardware más potente, esto se podrá hacer en tiempo real (similar al video de abajo). Y cuando ese tiempo llegue será de utilidad también para nosotros el reemplazar nuestra cara en medio de una video-conferencia, o incluso reemplazarla por una versión más joven o mayor de nosotros mismos (lo que hará que dudemos de todo lo que veamos en formato digital en los próximos años).

miércoles, 27 de febrero de 2013

CURSO BASICO DE EDICIÓN DE VÍDEO CON SONY VEGAS


SONY Vegas es un fantástico editor de vídeos que te permitirá realizar producciones de gran calidad, tanto en imagen como en sonido. Gracias a su tecnología de aceleración por GPU y de renderizado, la aplicación logra resultados extraordinarios.

La principal función de SONY Vegas es la edición de material digital. Igualmente, posee un sinfín de opciones para el retoque y mejora de documentos multimedia. Aquí se exponen las principales utilidades para la creación de contenido:

• Edición multicámara: opera con distintos puntos de grabación. Tecnología ideal para la compaginación y procesamiento de programas de televisión, cortos o escenas con varias cámaras.
• Flujo de trabajo de efectos complejos
• Novedad: arquitectura de efectos mejorada
• Edición multiformato
• Sincronización exacta de elementos, gracias a su panel multipista
• Opciones para añadir efectos en tiempo real sobre cada fotograma y para estipular su entrada y salida
• Posibilidad de generar Blu-ray
• Admite gran cantidad de formatos, inclusive algunos poco convencionales

Estas son algunas de las alternativas básicas en tema de imagen, pero SONY Vegas puede manipular sonido y enlazar distintas capas de audio y video. Los controles para el renderizado y corrección son inigualables. A continuación, algunas particularidades destacables para que tengas en cuenta:

• Compatibilidad con streaming de distintos codificadores
• Soporte de archivos RAW
• Manipulación de pistas que permiten gestionar distintas capas de un mismo proyecto
• Edición en tiempo real, con almacenamiento de datos en el caché antes de procesarlos
• Todas las ventanas, teclas y comandos son personalizables para mejorar el espacio de trabajo
• Innovadora herramienta de subtitulación de clips
• Mejoras de audio: soporta datos de 24bits y con un estándar profesional que puede alcanzar la frecuencia de 192Khz

Con SONY Vegas harás realidad lo inimaginable. Lo posible e imposible no tienen diferencia alguna. Sin dudas, es el mejor software para producir el video perfecto, editar programas de TV, manipular clips de bandas o modificar a nivel profesional cualquier película.

A continuación, os dejo el curso, compuesto por 16 vídeos y que han realizado los compañeros de Entivo.































lunes, 25 de febrero de 2013

OSCARS 2013

Este año, han estado muy repartidos los premios Oscars de 2013 en su 85ª edición, que dejó a Argo como la gran triunfadora con tan sólo 3 premios: Mejor película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje. La que más estatuillas logró fue La Vida de Pi con 4: Mejor director (Ang Lee), Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora y Mejores Efectos Especiales, arrebatando este último a Prometheus y Los Vengadores, los pocos filmes de ciencia ficción presentes en la gala.

Lincoln puede considerarse como una de las grandes perdedoras con 2 Oscars, Mejor Actor (Daniel Day-Lewis) y Mejor Producción. Por otro lado Django Desencadenado también logró 2 premios, Mejor actor de reparto (Christoph Waltz) y Mejor Guión Original (Quentin Tarantino).

El español Paco Delgado no logró hacerse con el Oscars con Los Miserables por el Mejor Vestuario, al caer en Jacqueline Durran por Anna Karenina.


jueves, 21 de febrero de 2013

PLANOS AEREOS (Llega la Revolución)

Hasta ahora, la forma mas común de tomar vistas a gran altura o tomas aéreas, era realizarlas desde algún medio aéreo convencional: Aviones, Helicópteros, Globos aerostáticos... etc. 

Pero es un sistema caro, y no siempre al alcance de cineastas aficionados, donde el principal problema es siempre la financiación. Pero todo esto va a cambiar. Con las nuevas tecnologías, el uso de los llamados multicopteros o aparatos aéreos teledirigidos con cámaras incorporadas y el aumento de la autonomía en las baterias de los mismos, van a suponer una revolución en el mundo del séptimo arte, tanto para cineasta profesionales, como para noveles talentos. Y a un precio realmente barato.


Sistemas como el Pack Epic & Scarlet, ya se pueden adquirir o alquilar por poco dinero en el mercado. Exodo Rental, por ejemplo es una de las muchas que se dedica a ello.



El sistema consiste en una cámara digital, montada sobre un octocóptero y controlada mediante radiofrecuencia, que le da un control total sobre la misma y un manejo realmente suave. Justo lo indicado para conseguir un magnifico e increíble plano donde otros sistemas no pueden llegar.

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También cabria considerar, y el sistema esta evolucionando vertiginosamente. En la combinación Tabet y Parrot Drone con su cadrucoptero. Que por su rapida difusión y por su precio, lo hacen una opción altamente interesante, sobre todo para aficionados y para iniciarse en el mundo de las tomas aéreas de baja altura.


Ademas, la cámara que porta no es nada despreciable: Formato HD 1280x720. 30 fps y transmisión/grabación en tiempo real de imágenes al dispositivo de control vía wifi. Con aplicaciones gratuitas, tipo android AR.FreeFlight 2.0 o para el Ipad FreeFlight2.0 de apple.


Así que ya sabéis... unos sistemas novedosos, para unas tomas de vértigo.

domingo, 17 de febrero de 2013

PETER SASDY - BIOGRAFIA


Peter Sasdy nacio el 27 de mayo de 1935, en Budapest, Hungría y es un director de cine y televisión húngaro nacionalizado británico. También es guionista y productor.

Peter, es uno de esos grandes genios poco reconocidos y olvidados que tubieron su apogeo en la epoca dorada del cine de terror en los 60's y 70's.


Cuenta con numerosos créditos televisivos, en particular el guion de Nigel Kneale The Stone Tape(1972), ha dirigido varias películas de terror de la productora Hammer, incluyendo Taste the Blood of Dracula (1969), Countess Dracula (1971) y Hands of the Ripper (1971 ).

De 1985 a 1987 dirigió la producción de la cadena Thames The Secret Diary of Adrian Mole, Aged 13¾.






FILMOGRAFIA (Director)

  • Sherlock Holmes y la prima donna (TV) (1992)
  • Witchcraft (1992)
  • Covington Cross (Serie de TV) (1992)      
  • El Dulce Aroma de la Muerte (1986)  
  • El diario secreto de Adrian Mole (Serie de TV) (1985)
  • La Difunta Sra. Irving (1985)
  • Ultimo Video y Testamento (1984)
  • Misterio (Serie de TV) (1984)
  • The Lonely Lady (1983)
  • Hammer House of Horror (Serie de TV) (1980)
  • El regreso del Santo (Serie de TV) (1978)
  • Bienvenidos a la Ciudad Sangrienta (1977)
  • Poseído al nacer (1975)
  • Noche infernal (El castillo de los muertos vivos) (1973)
  • Arturo de Bretaña (Serie de TV) (1972)
  • The Stone Tape (1972)
  • Noche Infernal (1972)
  • Holocausto radiactivo (1972)
  • La condesa Drácula (1971)
  • Las manos del Destripador (1971)
  • El poder de la sangre de Drácula (1969)
  • Journey to the Unknown (Serie de TV) (1968)
  • Omnibus (Serie de TV) (1967)
  • Out of the Unknown (Serie de TV) (1965)
  • Ghost Squad (Series de TV) (1961)

sábado, 9 de febrero de 2013

QUMARION - UN MUÑECO QUE PERMITE CONTROLAR UN PERSONAJE 3D EN TIEMPO REAL

“Qumarion” es un muñeco articulado creado por  la Universidad de Tsukuba y “ViVienne” de la Universidad de Electro-Communicaciones, y cuyo objetivo es ayudar a los diseñadores de poses de seres humanos en 3D.


Este muñeco cuenta con 16 articulaciones y 32 sensores, que le permiten transmitir en tiempo real los movimientos, a un software de modelado 3D, de esta forma el personaje modelado imita los movimientos que hagamos con el muñeco, permitiendo así ahorrar tiempo, ya que se puede crear la secuencia de movimientos de personaje sin necesidad de dibujar cada parte.

El software para el “Qumarion” es creado por “Celsys”, un desarrollador de ilustraciones y software para comics que además cuenta con plug-ins para Maya y 3D Max. Se planea sacarlo para la venta en pocos meses a un precio de unos 750 dolares.

Sin duda una gran ayuda para diseñadores de poses, os dejo el vídeo de su presentación.




domingo, 3 de febrero de 2013

TRUCOS CASEROS PARA EFECTOS ESPECIALES


Los efectos especiales son un aspecto importante dentro del cine de la actualidad, gracias a la tecnología digital es posible reproducir o crear cualquier tipo de efecto en post producción, sin embargo muchos todavía prefieren hacerlos en vivo como la vieja escuela, a continuación algunos trucos utilizados por los creadores de efectos especiales de todo el mundo, de fabricación casera y a bajo coste.

Efecto humo:


Se puede hacer comprando una máquina de humo a la que se le agrega un líquido que se vende por 1 litro o 5 litros, sin embargo estas máquinas son bastantes costosas y el líquido que hay que reponer constantemente también, una forma económica de fabricar humo es mezclar glicerina con alcohol, la glicerina es un producto que se vende en droguerías o farmacias. El líquido anticongelante para coches también sirve. Pero la fórmula más práctica es con glicerina y alcohol, mientras más glicerina agreguen a la mezcla más denso será el humo. Las proporciones serían las siguientes:

1 litro de glicerina
1/4 de litro de alcohol antiséptico
- opcionalmente se puede agregar algún producto para aromatizar o colorantes.

Esta mezcla se debe calentar, así el alcohol se evapora y la glicerina comienza a dar humo. Normalmente se usa carbón, que se coloca encendido en un recipiente metálico, básicamente se llama ahumador galvanizado, es muy fácil de conseguir y no es muy caro. Allí dentro se colocan los trozos de carbón y se le arroja la mezcla, la parte posterior envía aire al recipiente, esto sirve para que no se apague el carbón, también se usa una paleta de ping pong para dispersar el humo. Otra forma de hacer humo es colocar la mezcla sobre una plancha para ropa bien caliente (que no se vaya ausar) y dispersar el humo con un secador de cabello. También se usa el incienso de las iglesias. Hay otras técnicas que involucran hielo seco, muy usado en tv, produce efecto de humo más denso que tiende a bajar y desplazarse por el suelo, que previamente debe ser mojado o humedecido para que retenga el humo. Para esta técnica es necesario un recipiente con agua, colocado sobre un calentador, en un embudo el hielo seco, el recipiente debe taparse, normalmente es bastante grande (por ejemplo un barril), mediante un agujero en la parte superior del tambor se saca una manguera que dispersa el humo por el decorado.

Efecto nieve:

La nieve artificial se fabrica por compañías especializadas que también venden el aparato para generar nieve, también se usa pasta de celulosa, básicamente es nieve artificial de papel. 

Mezclando glicerina con jabón líquido también se logra un producto similar a la nieve. Para los rastros de nieve en la ropa o en los vidrios de ventanas, atención! se usa mezclando sal fina con cerveza, se logra una pasta que se aplica con las manos sobre el decorado o vestuario. Ojo: nunca usar sal en los exteriores, genera un daño terrible al suelo y a las plantas.


Efecto calima:

Este efecto lo han visto muchas veces, es esa línea del horizonte difuminada que vemos en paisajes muy cálidos como el desierto, aunque no es necesario filmar en un sitio así, para lograr ese truco simplemente colocamos un recipiente repleto de arena al que le agregamos mucho alcohol, justo debajo del lente de la cámara.




Efecto fuego:
Es uno de los más peligrosos, siempre se recomienda máxima prudencia al hacerlo, se consigue un caño de bronce al que se le realizan varias perforaciones, el chiste es que los agujeros sean disparejos (no lineales) para evitar un efecto "hornalla". Uno de los extremos del caño debe estar soldado o en su defecto aplastarlo a martillazos hasta que quede completamente cerrado, tengan en cuenta que por allí pasará gas. Al otro extremo del caño conectamos una manguera de gas y esta a su vez a una garrafa o bombona. Estos caños se disimulan detrás de los distintos lugares del decorado para imitar un incendio. Se requiere el uso obligatorio de extintores para esta práctica. ¿Como hacen los dobles de riesgo? Usan un producto, que se llama silicato de sodio, que es ignífugo por unos instantes, este polvo se mezcla con agua hasta lograr un gel, se colocan un traje antiflama y se empapan todo el cuerpo con este gel, incluso el cabello, luego se colocan el vestuario y durante unos segundos hacen la toma con diversas cámaras, fíjense que se ayudan con sus brazos para hacer circular el calor y el fuego y que nos les llegue hasta la cara que es la única parte del cuerpo que les queda descubierta, obviamente esto sólo pueden hacerlo profesionales.

El adhesivo de contacto o pegamento es muy útil en los trucos de incendios, se coloca en grandes cantidades sobre tela (como por ejemplo un cortinado) o sobre piezas del decorado (como mesas o tablas) o incluso para dejar huellas ardiendo en el suelo. Este producto es altamente inflamable pero no deja que se queme toda la pieza lo que permite retomas, demora en arder y produce un fuego muy cinematográfico. No es conveniente usar nafta o gasolina ya que arde de inmediato y deja inutilizable el elemento del decorado empleado.


Efecto explosión:

Definitivamente es el más peligroso, así que es mejor dejarlo en manos de profesionales de pirotecnia. Normalmente las explosiones se graban con muchas cámaras desde diversos ángulos y en cámara lenta, esto permite apreciar mejor el efecto, una explosión dura menos de un segundo y apenas podría verse en velocidad normal. Recordemos que lo que se busca con este efecto es la espectacularidad.

Usar únicamente pólvora negra, otros tipos de pólvora son muy inestables y por ende peligrosos. Se debe usar calzado de goma e instrumental de madera. Se colocan conos de acero en el suelo que se rellenan con bolsas de pólvora, apenas unos gramos, lo que entra en la palma de la mano como mucho. Se le agregan los impactos que básicamente son detonadores, dos pequeños capuchones uno rojo y otro amarillo que se prolongan en 2 cables separados, OJO mantener siempre ambos cables bien entrelazados en su extremo, luego los empalmamos a 2 cables paralelos y de nuevo: volvemos a entrelazar perfectamente bien ambos extremos hasta el momento de la explosión. Despejamos toda la zona, comprobamos que todos están a una distancia prudencial y luego conectamos los cables a la batería de un coche, damos contacto y... teóricamente tenemos una pequeña explosión. Se puede también agregar talco u otros objetos de papel o cartón a la mezcla para darle mayor espectacularidad. El talco también se usa para pequeñas explosiones, como cuando un soldado pisa una mina, el doble pisa un resorte que lo levanta por el aire y se detona una bomba de talco. La batería alcanza con 12 voltios, lo importante es que tenga poco amperaje que es lo peligroso. También es obligatorio el uso de extintores y en muchos lugares incluso se exige la presencia de bomberos.

viernes, 1 de febrero de 2013

EL MUERTO RICO, UN CUENTO OSCURO DE JOAQUÍN FERNAND

Hoy os traemos una nueva historia, de nuestro amigo Joaquín Fernand. Un videocuento de terror, a su más puro estilo como en otras ocasiones... espero que lo disfrutéis, merece la pena.


Fueron los franceses de Napoleón quienes durante su ocupación de España fomentaron la proliferación de cementerios locales. En Córdoba, frente a la Puerta de Sevilla se erige el Cementerio de Nuestra Señora de la Salud, que adquiere este nombre de la ermita junto a la que se termina de construir en 1811 (que hoy forma parte del mismo), en los límites físicos de la Córdoba de por aquel entonces. En él descansan ilustres personajes, desde los locales José Cruz Conde y Rafael García Lovera, hasta grandes figuras del toreo como Guerrita, Largartijo, Machaquito y el inigualable y de fama universal Manuel Rodríguez Sánchez "Manolete", cuyas tumbas pueden visitarse a día de hoy.

También existe una tumba que pertenece a un empresario de tiempos de antaño, quien hoy ha caído en un afortunado olvido y cuyo cuerpo recién enterrado protagonizó un extraordinario suceso que es narrado por viejos cordobeses en momentos íntimos y secretos al amparo del mutismo de los patios cordobeses. Una viuda heredera, un amante desvergonzado y una tarjeta de crédito que daba acceso a una buena fortuna son los elementos que se combinan con la codicia, la traición y lo sobrenatural para lograr que hasta los muertos se estremezcan.

Si algún día decide ir a visitar este cementerio de rica y variada arquitectura, no olvide rezar por los errores de los que ya no están entre nosotros. Serán muchos los que se lo agradecerán.

Género: cortometraje de terror y suspense, narración literaria oral.

Autor y Narrador: Joaquín Fernand.

Productora: GalileoExperience. - Creadores de Experiencias.

miércoles, 16 de enero de 2013

casting.es UN BUEN SITIO PARA EMPEZAR...




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