domingo, 27 de julio de 2014

DE CÓMO EVITAR LA DISTORCIÓN DE GRAVES EN LAS SALAS DE PROYECCIÓN.

Un problema típico en algunas mezclas “de aficionados o principiantes” es que los sonidos pueden escucharse muy bien en la edición de la película, pero cuando se reproducen estas en un auditorio con el sonido reforzado en graves de los grandes y potentes altavoces de las salas, todo se enturbia y se forma una especie de distorsión por amontonamiento de graves que casi impide escuchar las demás frecuencias bajas con claridad, dando un sonido saturado espantoso.
¿Cuál es el término medio para realzar los graves con la ecualización, con el fin de lograr el sonido ideal? ¿Y en qué consiste la mezcla a base de cortes de graves en las pista? Vamos a contarte algunos trucos y recomendaciones que llevan funcionando años.

Algunos errores comunes:

Uno de los desafíos más complejos en la producción de audio consiste en lograr un sonido con una buena claridad; aunque también es algo fundamental el impacto con los graves. La situación que describíamos al principio suele ser la consecuencia de aplicar al sonido un realce en escalón de estos. Sin embargo, esa ecualización potencia todo el contenido por debajo de una cierta frecuencia, lo cual incluye a todas las frecuencias turbias tan graves que acaban afectando a todo el contenido en la gama baja del espectro audible.


En lugar de eso, es preferible aplicar un leve corte de graves (de sólo 1 a 2 dB) a partir de 80Hz, y luego realzar ligeramente la banda comprendida entre 80 a 110Hz
Damos por supuesto que las frecuencias exactas variarán de una banda sonora a otra, en función del sonido, pero ésa suele ser la gama más habitual de trabajo. Recuerda que el realce que apliques ha de ser muy moderado, sólo de 1 a 2 dB sobre una banda muy estrecha; suficiente para que destaque la parte más fuerte del espectro bajo, sin potenciar las otras frecuencias más turbias.
Por último, procura cortar graves a todos los sonidos que no los necesiten en las pistas independientes y durante la edición, así de sencillo y práctico. Sigue todos estos consejos y pronto notarás la diferencia.

jueves, 24 de julio de 2014

TRUCOS PARA LLORAR EN LOS RODAJES...

La definición del termino llanto o lagrimeo, se refiere por norma general y según el diccionario, al momento cuando alguien derrama lágrimas en reacción a un estado emocionado o emotivo.

Pero muchas veces hemos visto escenas en el cine realmente conmovedoras y nos preguntamos como consiguen los actores hacer una representación tan dramática llegando a soltar esas lágrimas tan realistas y autenticas sabiendo que lo que están haciendo, es sólo una simple figuración.

Pues bien, hoy vamos a explicar algunos trucos que utilizan los mismos para darle ese toque de interpretación a las escenas, utilizando varias técnicas bastante efectivas.

Básicamente, existen unos trucos sencillos que recomiendan las escuelas de interpretación y son éstas:
  1. METERSE EN EL PAPEL: Esta tecnica es la que realmente suelen hacer los buenos actores. O sea, introducirse en el personaje hasta sentir el dolor de verdad.
  2. RECORDAR UN TRAUMA EMOCIONAL: Como por ejemplo la muerte de un ser querido o un acontecimiento realmente triste hasta que surjan de manera espontánea las lagrimas.
  3. IMAGINAR UNA TRAGEDIA QUE AÚN NO HA SUCEDIDO: Esta es muy parecida a la anterior, pero imaginando un posible acontecimiento futuro, que no queremos ni pensar que pueda llegar a pasar.
  4. NO PARPADEAR: Manteniendo los ojos abiertos todo el timpo que se pueda, hasta que los mismos se irriten y lagrimeen por la reacción del ocular. Efecto que se potencia, si además miramos fijamente a una fuente fuerte de luz; y normalmente suelen bastar 40 segundos evitando el parpadeo, para que el ojo llore de forma natural.
  5. APLICAR MENTOL: Este sin duda es el truco más rápido y efectivo. El más comúnmente utilizado es el llamado Vicks VapoRub. Un ungüento de venta en farmacias y que normalmente se utiliza para despejar las fosas nasales y aliviar la congestión en estados de gripe o resfriados. Pero que aquí y muy hábilmente colocado debajo de los ojos y bajo la nariz, provoca un escozor e irritación en las glándulas lacrimales y una mucosidad propia de los llantos más realistas en cuestión de segundos.
Así es que ya sabéis... o lloráis, o lloráis de otra forma; pero el papel lo tenéis que realizar si queréis ser auténticos actores de interpretación. Que cada cual busque su técnica... y a actuar.

domingo, 13 de julio de 2014

SEIS TRUCOS PARA HACER CINE SIN PASTA.

Te decimos las claves para que el –poco– dinero no sea una excusa a la hora de hacer una realización cinematográfica. Unos sencillos trucos y consejos, para que con muy poco presupuesto... puedas llevar a cabo tu realización.


 1. Haz una película corta   
Hay películas de 80 y de 180 minutos: la tuya debería ser de las primeras. A menos páginas de guión, menos días de rodaje. Sintetiza tu historia.

 2. Haz la película que te dé la gana  
Estás invirtiendo todo tu tiempo, esfuerzo y dinero (y seguramente también los de los demás), ¿vas a ceñirte a las convicciones? ¿Tu protagonista tiene que ser un 30% más empático o el punto de giro del segundo acto ha de aparecer 10 páginas antes? Tranquilo, ya llegarán esos proyectos llenos de concesiones, ahora rueda la película que te gustaría ver.
 3. Trabaja con lo que tengas  
Construye tu historia a la medida de las localizaciones y los medios de los que dispones. No intentes que alguien atraviese una pared si puede rodearla: no te empeñes en que tu peli parezca más cara, porque acabará pareciendo cutre. Los espectadores buscan otra cosa en tu historia.


 4. Trata bien al equipo  
Esto debería servir para cualquier tipo de producción, pero siempre hay algún idiota que lo olvida. Sé amable con la gente y hazles partícipes del proceso creativo: si lo mejor que te llevas en el cine de bajo coste es la experiencia, trata de que ésta sea la mejor posible para todos. Un equipo motivado rinde más y mejor.
 5. Sé un líder  
Nada hace perder más el tiempo que un director que no sabe lo que quiere. Trae los deberes hechos: actores y técnicos esperan que alguien les guíe. Si te lo tomas menos en serio por tener un presupuesto pequeño, entonces no deberías ser director en ningún caso.


  6. Llega hasta el final  

No arrastres a la gente a una utopía si no estás determinado a completar tu película. Vale, Acaba lo que empieces.

En resumidas cuentas, se tu mismo y adaptate a los medios de los que dispones... tu imaginación es tu aliada, sacale provecho.


jueves, 26 de junio de 2014

EL FUTURO DESCONOCIDO...



"El futuro desconocido rueda hacia nosotros. 

Por primera vez lo afronto con un sentimiento de esperanza. 

Porque si una máquina, un terminator, 

puede aprender el valor de la vida humana, 

tal vez nosotros también podamos".




Lo dijo Linda Hamilton en Terminator II: El Juicio Final (1991 de James Cameron)

Las 5 Reglas de Oro de Jim Jarmusch


REGLA No. 1: "No hay reglas. Hay tantas maneras de hacer una película como cineastas potenciales. Es una forma abierta. Como sea, yo personalmente no sería capaz de decirle a nadie qué hacer o cómo hacer algo. Para mí es como decirle a alguien cuáles deberían ser sus creencias religiosas. A la mierda. Eso va en contra de mi filosofía personal – esto es más un código que una serie de reglas. Por lo tanto, olvídate de las “reglas” que estás leyendo en este momento y considéralas más bien simples notas para mí mismo. Uno debería hacer sus propias “notas” porque no hay una única forma de hacer nada. Si alguien te dice que hay una única forma, su forma, aléjate de él tan rápido como puedas, tanto física como filosóficamente." 





REGLA No. 2: "No te dejes agarrar de esos hijos de puta. Ellos no pueden ni ayudarte ni dejar de ayudarte, pero sí pueden detenerte. La gente que financia películas, distribuye películas, promueve películas y exhibe películas no son cineastas. No están interesados en permitir que los cineastas definan y dicten la forma en que hacen sus cosas, así que los cineastas no debemos tener ningún interés en permitirles dictar la forma en que se hace una película. Carga un arma si es necesario. 

Además, evita a los diletantes a toda costa. Siempre hay personas por ahí que sólo quieren meterse a hacer cine para volverse ricas, para volverse famosas o para tener sexo. Generalmente saben tanto de cómo hacer cine como George W. Bush de combate cuerpo a cuerpo." 






REGLA No. 3: "La producción está ahí para servir a la película. La película no está ahí para servir a la producción. Desafortunadamente en el mundo del cine esto se da casi universalmente al revés. La película no se hace para servir al presupuesto, al cronograma o a las hojas de vida de los involucrados. A los cineastas que no entienden esto deberían colgarlos de los tobillos y preguntarles por qué de pronto el cielo está para abajo." 





REGLA No. 4: "El cine es un proceso de colaboración. Tienes la oportunidad de trabajar con otros cuyas mentes e ideas pueden ser más fuertes que las tuyas. Asegúrate de que se mantengan enfocados en su propia función y no en el trabajo de alguien más, o será un desastre. Pero trata a todos tus colaboradores como iguales y con respeto. Un asistente de producción que está deteniendo el tráfico para que el equipo técnico pueda rodar un plano no es menos importante que los actores en escena, el director de fotografía, el director de arte o el director. Las jerarquías son para aquellos cuyos egos están inflados o fuera de control o para la gente que está en el ejército. Aquellos con los que eliges colaborar, si escoges bien, pueden elevar la calidad y el contenido de tu película a un nivel mucho más alto de lo que cualquiera hubiera podido imaginarse por sí solo. Si no quieres trabajar con otras personas pinta un cuadro o escribe un libro (y si quieres ser un maldito dictador parece que por estos días lo único que hay que hacer es meterse a la política…)." 





REGLA No. 5: "Nada es original. Roba de cualquier sitio que te llene de inspiración o alimente tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones intrascendentes, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, ríos, luces y sombras. Selecciona para robar solamente aquellas cosas que le hablen directamente a tu alma. Si lo haces, tu trabajo (y tu robo) será auténtico. La autenticidad es invaluable; la originalidad no existe. Y no te preocupes en ocultar tu robo – celébralo si hace falta. En cualquier caso recuerda siempre lo que dijo Jean-Luc Godard: “De lo que se trata no es de dónde tomas las cosas, sino de a dónde las llevas”. 



domingo, 22 de junio de 2014

SLOW MOTION y TIME LAPSE en tus videos con RESPEEDR

¡Tus videos como nunca los has visto! Crea escenas a cámara lenta de hasta 1000 frames por segundo.


¿Tienes una action cam para grabar tus videos de deporte? con ReSpeedr puedes crear slow motion y time-lapse para modificar la velocidad en la que aparezcan las imágenes. Puedes crear efectos de cámara lenta y fast-forward ajustando la velocidad y la duración de los frames para ralentizar una escena y acelera luego para ganar en dinamismo.

Ideal para los videos realizados con cámaras de acción que suelen tener distorsiones provocadas por movimientos bruscos de la cámara. Elimina las distorsiones, el efecto rolling-shutter y los posibles fallos como el efecto “fantasma” o saltos de imagen ajustando la calidad de los fotogramas.

¿En qué consiste?


Con ReSpeedr, puedes crear efectos espectaculares en la posproducción sin necesidad de tener una cámara profesional que grabe en alta velociodad. Con grabaciones de 30, 60 o 120 imágenes por segundo (fps) puedes ralentizar escenas a super cámara lenta de hasta 1000 fps para mostrar detalles increíbles. Ahora puedes combinar efectos de slow motion y time lapse en grabaciones realizadas con cámaras de acción, cámaras réflex, télefonos móviles o las cámaras de video tradicionales.

Crea secuencias en slow motion con grabaciones de 30, 60 o 120 fps


Modifica la frecuencia de fotogramas por segundo de la grabación y crea un efecto de cámara super lenta simulando que se ha grabado a 1000 fps.


Combina slow motion y fast forward en un mismo video


Modifica la velocidad y la duración de los frames para ralentizar una escena y acelera luego para ganar en dinamismo.

Ajustar la calidad


Elimina las distorsiones y los posibles fallos como el efecto “fantasma” o saltos de imagen ajustando la calidad de los fotogramas.

¿Qué puedes hacer con ReSpeedr?


  • Cortar el video: Selecciona que partes te interesan y define los puntos de inicio y final con el cursor en la línea de tiempo.
  • Estabilizar el video: Ideal para los videos realizados con cámaras de acción que suelen tener distorsiones provocadas por movimientos bruscos de la cámara.
  • Corregir distorsiones de imagen: Elimina las distorsiones provocadas por vibraciones y el efecto Rolling-Shutter.
  • Visualizar lado a lado: Compara la versión original con la optimizada para ver los resultados finales antes de renderizar y exportar.
  • Compatible con todo tipo de cámaras: Compatible con grabaciones de cámaras de acción en todas las resoluciones existentes.
  • Exportar múltiples archivos: Carga varios videos a la biblioteca multimédia y exportalos en lote.

Tutorial: (En Inglés.)



Especificaciones técnicas


Procesador dual-core (ProDAD recomienda Intel Corei7 con 6GB de RAM)
2GB de RAM y 25MB de espacio libre en disco duro para la instalación
Windows 8.1, Windows 8, Windows 7, Windows Vista

Formatos disponibles

MOV, MP4



martes, 27 de mayo de 2014

CONSIGUE AYUDA PARA LA FINANCIACIÓN DE TU CORTOMETRAJE


JamesonNotodofilmfest Weekend otorga 1.800€ para la producción de proyectos de cortometraje en la actividad Zona Pitching
Zona One to One incluirá asesoramiento de proyectos por parte de grandes nombres de la industria audiovisual
JamesonNotodofilmfest Weekend se celebrará los próximos 13, 14 y 15 de junio en Cineteca de Matadero Madrid e incluye 72 horas de actividades relacionadas con múltiples aspectos de lo audiovisual y el sector cinematográfico.
En esta edición, nuestro Weekend se centra especialmente en apoyar a los jóvenes creadores a través de actividades de tutorización y también de ayuda a la financiación de proyectos.
Esta actividad está dirigida a directores, guionistas o productores que quieran recibir orientación profesional sobre sus proyectos audiovisuales, tanto en fase de desarrollo como ya producidos, por parte de un panel de 24 profesionales de la industria cinematográfica.

Cada participante que se inscriba tendrá un total de 4 citas de 25 minutos de duración cada una.

Los profesionales confirmados son los directores Manuel Gómez Pereira, Manuel Martín Cuenca, Imanol Uribe, Javier Fesser, Claudia Llosa, Fernando Franco y Paco Plaza; los productores Puy Oria, y Gonzalo Salazar – Simpson (ECAM); María Contreras (responsable ATRESMEDIA Cine) y José Luis Hervías, director general de Universal Pictures International; ls responsables de ficción televisiva Javier Pascual (TVE) y Susana Herreras (Canal +); los distribuidores Haizea G. Viana (Golem), Joan Sala (Cameo/Filmin ), Begoña Robles (Warner) y Daniel Bajo Rodríguez (Karma); y como representantes de los festivales de cine: Esperanza Luffiego (Festival Donosti-Industria), Ailton Franco (Festival Cortometrajes Río), Miguel Ángel Oeste (Festival de Málaga), y José Luis Cienfuegos (Festival de Cine de Sevilla).
La actividad está dirigida a directores, guionistas o productores, profesionales y amateurs,que tengan un proyecto de cortometraje que todavía no esté rodado. La organización del festival elegirá 12 proyectos de cortometraje para participar en Zona Piching. Los tres mejores recibirán una dotación económica de 600€ en concepto de ayuda a la producción. Y el mejor de esos tres ganadores podrá utilizar los medios técnicos de la ECAM para la postrpoducción de su cortometraje.
La actividad tiene dos fases: una de coaching (impartida por Quico Vidal) y otra de realización del pitch (ante el jurado profesional durante un acto abierto al público).
Zona Pitching está especialmente dirigida a aquellos directores o guionistas que tengan un proyecto de cortometraje sin desarrollar y quieran obtener financiación para su rodaje y producción.
Más información sobre el resto de actividades de JamesonNotodofilmfest Weekend:http://www.jamesonnotodofilmfest.com/weekend

      
   
  

martes, 20 de mayo de 2014

REGULACIÓN LABORAL DEL RODAJE TRABAJANDO CON NIÑOS.


EDAD DEL NIÑO   -   HORAS DE TRABAJO PERMITIDAS

Menos de 6 meses
2 Horas en el Plato, incluye: 20 minutos en cámara (#)

Total Tiempo incluyendo comida: 2 ½ horas

6 Meses - 2 Años
4 Horas en el Plato, incluye: 2 Horas en Cámara

Total Tiempo incluyendo comida: 4 ½ horas

2 Años - 6 Años
6 Horas en el Plato, incluye: 3 Horas en cámara

Total Tiempo incluyendo comida: 6 ½ horas

6 Años - 9 Años
8 Horas en el Plato, incluye: 4 Horas en cámara (*)

Total Tiempo incluyendo comida: 8 1/2 horas

9 Años - 16 Años
9 Horas en el Plató, incluye: 5 Horas en cámara (*)

(Días sin colegio: 7 Horas en cámara)

Total Tiempo incluyendo comida: 9 ½ horas

16 y 17 Años
10 Horas en Plató, incluye: 6 Horas en cámara (*)


(Días sin colegio: 8 Horas en cámara)

Total Tiempo incluyendo comida: 10 ½ horas

* Balance de tiempo gastado en educación (3 horas de colegio por día para niños de 6 - 18 años) y recreo

# Un Bebé no puede ser expuesto a una luz de más de 100 Footcandle de intensidad durante más de 30 segundos cada vez.

FOOTCANDLE (Unidad de Iluminancia)


Foot-candle; (Vela en Español) y abreviada fc, lm/ft2, o a veces ft-c; es una unidad de medida de iluminancia que no pertenece al Sistema Internacional de Unidades, pero es ampliamente usada en Estados Unidos para fotografía, cine, televisión, conservación luminosa, ingeniería de la construcción, etc. Una vela significa "el reparto de iluminación sobre una superficie equivalente a una candela, y a un pie de distancia".


Una vela puede definirse como la cantidad de iluminación que una superficie esférica de un pie de radio puede recibir si hubiese una fuente puntual uniforme de una candela en el centro de la misma. Alternativamente, se define como la iluminancia sobre una superficie de un pie cuadrado en el que hay un flujo uniformemente distribuido equivalente a un lumen.
Así, una vela es equivalente a un lumen por pie cuadrado, esto es, una vela es igual a 10,764 lux. Siendo la iluminancia inversamente proporcional a la distancia, una fuente de un lux provee menor iluminancia que una fuente de una vela. En la práctica, sea por ejemplo la medición de iluminancia dentro de una habitación, es difícil obtener un resultado con un margen de error menor al 10%, y por ello, resulta conveniente aproximar una vela a 10 lux, como es habitual en las industrias estadounidenses dedicadas a este rubro.

miércoles, 14 de mayo de 2014

MULTIPLEXAR Y DEMULTIPLEXAR ARCHIVOS AVI y OGM


En este manual se tratan los métodos para agregar, eliminar o extraer pistas (streams) de audio de un archivo AVI u OGM, así como también pistas de subtítulos cuando se trata de un OGM (los AVI no soportan esta última característica). El programa utilizado será el VirtualDubMod, que incluye herramientras dedicadas específicamente al manejo de streams. Es importante resaltar que estos pasos no suponen una pérdida de calidad del archivo, pues en ningún momento lo recomprimimos o convertimos de formato.

Descargar VirtualDubMod

Primeros pasos

Una vez abierto el programa, para cargar el archivo hay que ir a File -> Open video file. En los casos en que el audio sea VBR (por Variable BitRate), algo muy común en archivos con audio en formato MP3, aparecerá una ventana como la siguiente.


Indicando que detectó el audio VBR, y dando dos opciones, donde su elección dependerá de qué tipo de tarea se desee realizar con el audio. Esto es para evitar que se desincronice el audio. 
Si es para extraerlo en su formato original, por ejemplo MP3, obteniéndose así un archivo .mp3, se debe seleccionar No. 
Si en cambio se quiere obtener un archivo WAV con audio descomprimido PCM, entonces se elige Sí. 
Si no se va a tocar el audio para nada (por ejemplo cuando simplemente se quiera añadir una segunda pista de audio conservando la actual) hay que elegir No. 

Demultiplexación

Todas las herramientas necesarias se encuentran en el menú Streams -> Stream list. Para extraer una pista conservando el formato de compresión habrá que hacer clic con el botón derecho del ratón sobre la misma y seleccionar Direct stream copy, para luego utilizar Demux y elegir dónde guardar el archivo de audio (de extension .mp3 o .ac3 por ejemplo, ya que se mantiene el formato original), y finalmente aguardar a que se complete el proceso. Es importante que, si se trata de audio VBR, se elija No en la ventana descrita anteriormente al cargar el archivo, en caso contrario se podría desincronizar el audio y el vídeo.


Si en cambio se quiere obtener un archivo WAV conteniendo audio descomprimido PCM, se debe hacer clic con el botón derecho del ratón sobre la pista de audio y marcar Full processing mode, para luego usar la opción Save WAV. Si no se marca Full processing mode entonces obtendremos un WAV con audio en formato MP3, bastante inútil salvo algunos casos específicos.

Cuando el audio es MP3, puede darse el caso que al tratar de extraer a formato WAV dé un error: No audio decompressor could be found... Esto puede ser causado por una mala multiplexación del archivo original. Aquí hay dos opciones: se puede rodear el problema extrayendo en formato MP3 (sin descomprimir) como ya se explicó y pasarlo a WAV PCM con otro programa, como puede ser el BeLight; o bien luego de extraerlo volverlo a multiplexar, como se explica más adelante. Si el error mencionado se da con audio en otro formato, como AC3, entonces significa que falta el codec ACM adecuado, en este caso sería el AC3Filter ACM, incluido en el AC3Filter.

En el caso de tratarse de una pista de subtítulos, bastará con utilizar la opcion Demux y guardar la misma como un archivo de subtítulos en el formato que corresponda.

Para dejar el archivo AVI/OGM únicamente con vídeo, basta con seleccionar la o las pistas de audio y presionar Disablepara cada una, quedando tachadas. Luego cerrar Stream list y proceder a guardar como se indica más adelante. Si el archivo de origen fuera un OGM con audio OGG, una vez desactivado el audio puede ser guardado también como AVI.

Multiplexación

Se realiza también desde el menú Streams -> Stream list, utilizando en este caso el botón Add, y pudiéndose agregar una o más pistas de audio en varios formatos o subtítulos SRT, pero recordando que el tipo de contenedor AVI no soporta audio en formato OGG ni subtítulos seleccionables por más que estén disponibles para cargar, en cuyo caso el archivo deberá ser guardado como OGM. También hay que tener en cuenta que el audio que se esté agregando debe tener la misma duración que el vídeo para mantener la sincronización, pudiéndose producir desincronismo de todas formas.

Una vez agregado todo lo necesario, hay que asegurarse de que todo esté en Direct stream copy haciendo clic con el botón derecho del ratón sobre cada pista, luego cerrar Stream list y seguir como se indica a continuación.

Guardando como AVI u OGM

En el menú Vídeo es importante seleccionar Direct stream copy, ya que no se busca modificar la compresión del vídeo de ninguna forma.


Luego hay que ir a File -> Save as, asegurarse de que esté desmarcada la casilla Dont run this job now..., y guardar el archivo como AVI. En el caso de haber multiplexado una pista de audio en formato OGG o un archivo de subtítulos SRT, guardar en formato OGM. Una ventana de progreso aparecerá para indicar el estado del proceso, que no debe demorar mucho.


Una vez acabe, se obtendrá un archivo AVI/OGM con vídeo pero sin sonido en el caso de estar deshabilitando el audio, o un archivo AVI/OGM con una o más pistas de audio si se estaba multiplexando.

Una última aclaración: el formato OGM no es compatible con la mayoría de los reproductores de salón, por lo tanto si el objetivo final es reproducir el archivo resultante en dicho dispositivo se debe usar AVI como formato de salida.

miércoles, 23 de abril de 2014

EL DIAFRAGMA Y SUS VALORES



El diafragma es un dispositivo que le provee al objetivo la capacidad de regular la cantidad de luz que entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara, de forma tal que limita la cantidad luz que llega hacia el medio fotosensible en la cámara, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se denominan apertura, y se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo.

Historia

El diafragma es la parte de la cámara que determina el tamaño de la abertura. En su forma más elemental, vista en las cámaras más antiguas, no era más que una placa perforada de diámetro fijo. Posteriormente, se adoptó un sistema consistente en un grupo de placas perforadas con distintos diámetros en forma de disco circular, que permitían variar la apertura mediante el cambio de dichos discos en frente del objetivo. Finalmente, el diafragma evolucionó hacia su estructura actual, que consiste en un conjunto de aletas, generalmente metálicas, que se mueven hacia adentro o hacia afuera, formando con sus extremos un agujero poligonal, cuyo diámetro define el valor de apertura; los más modernos utilizan aletas con perfil redondeado, lo cual produce un efecto más armónico en el desenfoque de la imagen resultante.

Diafragma y número f

La capacidad que tiene un objetivo para dejar pasar la luz se denomina luminosidad. Una de las maneras de indicar esta luminosidad es mediante la letra f que se define como la división de la distancia focal del objetivo por el diámetro de la abertura efectiva. Esta relación da lugar a una escala normalizada en progresión de: 1 - 1,4 - 2 - 2,8 - 4 - 5,6 - 8 - 11 - 16 - 22 - 32 - 45 etc. El salto de un valor al siguiente se llama paso. El valor mínimo que puede tener el número f es 0,3. Aunque este valor es inalcanzable en la práctica.
Estrictamente hablando, el número f no depende de la distancia focal del objetivo, sino de la distancia a la que está el centro óptico (el nodo único de una lente delgada con la misma potencia que el objetivo) de la imagen que forma. Cuando el objetivo está enfocado "a infinito" esta distancia resulta ser la inversa de la potencia del objetivo (distancia focal). Por tanto al enfocar a otras distancias la luminosidad cambia, reduciéndose. Esta variación está minimizada para que quede dentro de un tercio de paso de la luminosidad teórica aportada por el número f. En cine sí se tiene en cuenta esta variación y se emplean dos números para indicar la luminosidad: el f y el t. El f es calculado y sirve para determinar la profundidad de campo. El t es el número f teóricamente correspondiente a la luminosidad real medida. Estos números no suelen diferir en más de un tercio de paso.


Diafragma y profundidad de campo

El diafragma afecta en gran medida la profundidad de campo. Cuanto más cerrado esté (mayor número f), mayor será la profundidad de campo. Cuanto más abierto esté (menor número f) más pequeña es la profundidad de campo. Este comportamiento es debido a que el ángulo que forman los extremos del diafragma con el punto en el plano enfocado con un f cerrado será un ángulo estrecho y permitirá posicionar los círculos de confusión en posiciones más alejadas del plano de enfoque tanto por delante como por detrás aumentando el espacio que se ve apreciablemente nítido.

Diafragma y nitidez

El tiene consecuencias directas también en la nitidez de la imagen. Con aberturas pequeñas (número f alto) la difracción aumenta afectando negativamente la nitidez. Con aberturas grandes se obtiene mayor nitidez pero en un área más limitada, debido a la pérdida de profundidad de campo. Aunque en teoría debería conseguirse mayor nitidez con aberturas grandes, en la práctica esto no es así, pues a aberturas mayores (número f pequeño), las limitaciones de diseño del objetivo conocidas como aberraciones, sobre todo las cromáticas, dominan sobre la abertura amplia y la nitidez empeora. Para objetivos antiguos, una regla práctica para obtener buena nitidez es situar la apertura de f/8 a f/11, con lo que además se consigue una buena profundidad de campo. Los objetivos más modernos suelen tener elementos múltiples y lentes especiales que corrigen las aberraciones, lo cual permite lograr mayor nitidez a números f más bajos, generalmente entre f/5.6 y f/6.3. El valor óptimo del número f para máxima nitidez es una característica propia de cada objetivo que los fabricantes no suelen publicar, pero que puede obtenerse haciendo pruebas a diferentes aperturas. Al punto óptimo de nitidez de un objetivo se le denomina "punto dulce".

Apertura del diafragma, valores ISO y la exposición en la grabación de vídeo


Siguiendo con los ajustes que afectan a la calidad final del vídeo con cámaras réflex vamos a hablar sobre la apertura del diafragma, la exposición y los valores ISO.



Aquí, vuestra experiencia en fotografía hace que prácticamente ya sepáis lo que debéis hacer. Y es que, si hay una ventaja para el fotógrafo que se introduce en el mundo de la grabación de vídeo, es su conocimiento sobre como la luz afecta a las imágenes.


La apertura del diafragma y los valores ISO


El diafragma ya sabemos que nos permite controlar la cantidad de luz que entra o no al sensor. Además, la apertura es inversamente proporcional a la profundidad de campo. Así, cuanto más abierto esté menor profundidad y viceversa.

Con la apertura de diafragma podremos jugar también a la hora de grabar vídeo, lo único que tenemos que tener en cuenta es que, según lo abramos o cerremos, no podremos compensar con un mayor o menor tiempo de exposición como haríamos en fotografía. Por tanto, si una vez fijada la velocidad de obturación y apertura de diafragma la escena está oscura tendremos que variar otros parámetros como los valores ISO para compensar.

El problema es que si aumentamos excesivamente los valores ISO estaremos metiendo demasiado ruido a nuestros vídeo. Por lo que mejor contar con alguna fuente de luz continua. Pero en el caso de no disponer de ella y necesitar variar los valores ISO hay una serie de detalles a tener en cuenta.

Lo primero es usar siempre múltiplos de valores ISO nativos. Es decir, si nuestra cámara es una Nikon podremos usar ISO 100, 200, 300, etc… sin pasar de 800. En Canon serían valores ISOmúltiplos de 160 (160, 320, 480,…) y así igual con el resto de marcas.

Y como hemos dicho, siempre intentando no superar el valor ISO 800. Valor que podríamos definir como máximo ya que a partir de ahí el ruido en el vídeo será excesivo. A continuación veréis un vídeo que a pesar de comparar el ruido en vídeo de dos cámaras Canon es suficientemente aclaratorio para ver como, según aumentamos la ISO también lo hace el ruido en el vídeo.

La exposición


Debido a que la grabación de vídeo no cuenta con un formato tipo RAW en el que no sufrimos compresión y mantenemos toda la info posible es importante cuidar la exposición. Ya que, correguir zonas sobreexpuestas o subexpuestas no será tan sencillo.

Normalmente los vídeos en exteriores suelen quedar sobre expuestos. Para evitarlo es interesante hacer uso de filtros de densidad neutra. En el interior, ocurre al contrario y la mayoría de vídeos quedan subexpuestos por lo que ahí aun siendo aconsejable el uso del filtro nos requerirá una iluminación adicional.

Por último, pese a buscar una exposición correcta es interesante instalar perfiles de color planos que nos permiten una mejor posproducción. Uno de los más usados es el perfil Techinicolor, sólo disponible para cámaras HDSLR Canon. La finalidad es conseguir el mayor rango dinámico posible.


Si no fuese posible su instalación entonces modificaríamos uno de los perfiles de forma manual para que quede lo más neutro posible e incluso con un tono “grisáceo” en la imagen (bajando contraste y saturación). No os preocupéis, en posproducción con el uso de esos perfiles o modificaciones podremos tocar la imagen y conseguir un resultado magnífico.


lunes, 21 de abril de 2014

SOPORTES PARA CÁMARAS: Cuándo y cómo utilizarlos.

En esta entrega analizamos los soportes de cámara más utilizados. Cuándo y cómo usarlos, en qué situaciones y de qué modo son algunos de los consejos que os daremos para que saquéis el máximo partido a vuestras cámaras.

Como hemos comentado a lo largo de lo que llevamos de Especial video, lo primordial antes de grabar es pensar en el fin del video que queremos hacer, y en particular tras la grabación: ¿lo vamos a montar o no? En el caso de que vayamos a editar las tomas grabadas, conviene pensar en el ritmo que queremos darle al video. Una sucesión de planos estáticos sobre trípode y una música muy acelerada puede no tener mucho sentido, y al contrario, una música muy tranquila y un constante vaivén de movimientos en cada imagen por haber llevado la cámara en mano, puede no quedar bien.

Para evitar todas estas “imperfecciones” existen los soportes de cámara. Tenemos de muchos tipos, estáticos y dinámicos, de mayor peso a menor peso, precios y marcas. Comenzamos.

Trípode


Tripode sony
Es un elemento necesario en video y nunca estará de más que tengamos uno en casa. Como regla general, lo llevaremos siempre que esperemos grabar algo mayor a una duración de 10-15 minutos contínuos y no pensemos cambiar de plano, por ejemplo, un concierto de música clásica. Hay trípodes de todos los estilos, desde los compactos que son muy pequeños (parecidos a los de las cámaras de foto) hasta los profesionales, con los que no tendrás problema en hacer movimientos de cámara muy suaves sin cambiar la cámara de sitio.
Hay muchas marcas de trípodes buenos. Una tradicional puede ser Velbon, y una actual, Manfrotto. Lo importante es que el trípode que elijas sea para video, puesto que la cabeza debe poder moverse con mucha suavidad en cualquier dirección mientras estés grabando (movimientos de pan y tilt), y esa necesidad especial en foto no es primordial. De ahí la diferencia entre un trípode para fotografía y otro para video. Aún así, como nos movemos en una etapa de video doméstica entre las cámaras de foto y las videocámaras, os he seleccionado como ejemplo un trípode ambivalente para foto y video de Sony (VCT-80AV Tripod with Remote in Grip), bastante estable, de poco peso y con un precio razonable.

Cámara en mano


Tu brazo y la palma de tu mano son el soporte de cámara más barato que puedas encontrar. Sony siempre lo ha potenciado con sus “Handycam”. Personalmente, grabar cámara en mano es mi opción preferida a día de hoy. Es lo más rápido y versátil. Puedes cambiar tu posición constantemente, seguir a un personaje y tener la libertad de movimiento en cualquier punto que te resta un trípode anclado al suelo. Además, un plano bien grabado cámara en mano añade ritmo a la escena, algo muy televisivo. Sin embargo, los inconvenientes son muchos: primero, y dependiendo de lo que pese tu cámara, debes tener un buen biceps para sujetar durante un rato indefinido todo el conjunto. Tu brazo se cansará bastante pronto si no estás acostumbrado a grabar cámara en mano, pero todo esto se puede entrenar.
Te puedes introducir en cualquier situación, pero si no te concentras bien en la imagen, es muy fácil perder la estabilidad sin darse cuenta. La instantaneidad de la cámara en mano te permite pulsar el botón de REC y ponerte a grabar pensando en la acción, sin preocuparte de ajustar trípode o cualquier otro elemento que te lleve más de un minuto de tiempo. También es cierto que casi siempre que optemos por la cámara en mano, nuestro video implicará una edición, pese a todo no somos perfectos. Y por último, no a todo el mundo le gusta la cámara en mano, por muy realista que sea. Los vaivenes de imagen pueden marear a algunos espectadores que no están acostumbrados a un ritmo elevado de imagen. Creo que grabar cámara en mano es una decisión bastante personal.

Monópode


Monopode
Como su nombre indica, un monópode es como un trípode pero de un sólo pie. Es cómo si le quitásemos una de las patas al trípode para estabilizar la cámara. Tiene la ventaja de pesar muy poco, ser muy versátil y poder llevártelo en cualquier situación. No ofrece el estatismo 100% del trípode, es un paso intermedio entre éste y la grabación en mano, pero es muy estable. Si por algún casual debes mover la cámara rápidamente, puedes levantar todo el conjunto tirando del monópode y buscar una nueva posición rápida y fácilmente. Con un trípode probablemente sería más difícil o quizás deberías desmontar casi todo.
Hay muchas marcas y suelen ser bastante asequibles, por poco precio, puedes conseguir un monópode normalito tanto para cámaras de foto como para videocámaras. Además, otro detalle que suelen llevar es su propio pie. Tienen una rueda movible en la que puedes seleccionar una suela de goma (superficies lisas) o un pincho metálico (suelos de arena, por ejemplo), para evitar que todo el conjunto se pueda resbalar.

Estabilizadores de imagen


Seguro que la palabra steadycam te suena de algo. Es un sistema estabilizador de imagen muy utilizado en cine y televisión, sobre todo en televisión, y basa su acción en unos cuantos puntos de apoyo sobre una estructura metálica y el centro de gravedad del cuerpo de la cámara que se utiliza. Tras este descubrimiento, surgieron muchísimos sistemas para estabilizar la imagen, tanto por dentro como fuera de la cámara, algunos de ellos muy cómodos.
Glidecam
Uno de los sistemas derivados del Steadycam, es el Glidecam. Para cámaras domésticas y no tan domésticas funciona perfectamente. Como véis en la imagen, el uso es muy sencillo: la cámara se coloca sobre la zapata y sostenemos todo el conjunto con el mango. Los contrapesos inferioresestabilizarán el peso general del sistema con el centro de gravedad, reduciendo muy notablemente todos los saltos de imagen cuando nos movemos al grabar:
Poco a poco van apareciendo sistemas estabilizadores de imagen para cámaras de foto que graban video, como por ejemplo, el Cavision RS5DM2SET-S que utiliza como punto de apoyo tu hombro. Puedes fijar la cámara hacia delante o hacia atrás, dirigir el plano con los mangos laterales y además, incluye un visor de goma para aislar tu ojo con la pantalla LCD Live View de tu cámara, muy útil en caso de grabar con mucha luz solar lateral o de frente. 
Cavision
Una versión del mismo sistema para videocámaras domésticas y semiprofesionales es este soporte Anton Bauer STASIS FLEX Shoulder Mount Camera Stabilizer y funciona prácticamente de la misma manera:
Shoulder
Desde hace unos cuantos años se ha venido utilizando mucho en el campo profesional, lo que se conoce como “volante”. Su nombre es Fig Rig, fue inventado por el director de cine Mike Figgis y comercializado por Manfrotto. El sistema de funcionamiento es tan sencillo como situar la cámara en el centro de un círculo y manejarla con los dos brazos. De esta manera tenemos un control algo más exacto sobre los movimientos y la imagen se mueve menos. Tiene una gran ventaja, y son los accesorios que tenemos disponibles para Fig Rig para remotear enfoque e iris cerca de nuestras manos, lo que nos permitirá un máximo control de la escena por la posición de nuestros dedos. Comienza a estar en un poco en desuso por la aparición de otros sistemas, pero siempre dependiendo del plano que quieras grabar y la situación, podrá resultarte muy útil. 
Fig Rig
Y si lo tuyo es grabar con el móvil, como nos contaba alguno de nuestros comentaristas en este Especial video, también existen soportes para móviles. Esta mano adaptada para el iPhone 3GS es una buena solución para grabar adecuadamente si no controlas mucho tu pulso, aunque su precio es casi lo que cuesta teléfono bajo las modalidades de contrato. Y hasta aquí nuestro pequeño repaso a los soportes de cámara, esperamos que os haya sido de utilidad. 
Zgrip