CLINT EASTWOOD

Clinton Eastwood Jr. nació el 31 de mayo de 1930 en la ciudad de San Francisco (Estados Unidos). Es Actor, Director y Productor de cine Americano. Creció en Oakland, en donde su padre, llamado Kimber, trabajaba en una empresa acerera y su madre Frances Ruth se ocupaba de cuidar a Clint y a su hermana menor Jean.

A los pocos años Eastwood comenzó a sentir una gran atracción por la música, especialmente por el jazz y el blues, consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad californiana de Los Ángeles. Además de ganar unos dólares con sus actuaciones, Clint trabajó en diversos oficios como leñador, en una gasolinera e instructor de natación para el ejército, labor que ejerció después de estrellarse su avión militar en el océano y salvar su vida alcanzando la costa a nado cuando se encontraba cumpliendo el servicio militar.
En el ejército coincidiría con Martín Milner y David Janssen, quienes le animarían a cursar estudios de interpretación en la Universidad de Los Ángeles.

En 1953 y a los 23 años se casó con Maggie Johnson. Tres años después logró debutar en el cine gracias a aprovechar una oportunidad que le cedió la Universal. Entre sus primeras películas como figurista, están títulos como "Francis in the navy" (1955), "Lady Godiva" (1955), "Tarantula" (1955) o "The first traveling saleslady" (1956).

En 1959 y gracias a la televisión, Clint Eastwood alcanzaría la popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de "Rawhide", una serie del oeste que permanecería durante siete años en la pequeña pantalla.

Este personaje llamaría la atención del realizador italiano Sergio Leone, quien con el protagonismo esencial de Eastwood desarrollaría un subgénero del western denominado "spaghetti western".

Su primer título conjunto fue "Por un puñado de dólares" (1964), al que siguieron "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), tres excelentes películas que convirtieron a Clint en uno de los actores más populares de la época.

A principios de los 70 llegó el que sería uno de los personajes más emblemáticos de su carrera: el duro inspector de policía de Harry el sucio, protagonista de una saga de películas ya clásicas.

En las décadas siguientes, Eastwood consolidó su status como uno de los actores más respetados de Hollywood. A lo largo de su carrera ha trabajado en más de 50 películas, algunas de ellas dirigidas por él mismo. Y es que Clint Eastwood no sólo es reconocido por su talento para la interpretación, sino también por sus dotes tras la cámara.

Su debut en la dirección tuvo lugar en 1971 con el thriller Escalofrío en la noche, y desde entonces no ha abandonado esa faceta. Aunque su gran momento como cineasta llegó en 1992, cuando consiguió el Oscar al mejor director con el western Sin perdón, por el que también estuvo nominado al mejor actor.

Además de sus facetas como actor y realizador, Clint Eastwood fundó en 1968 una productora cinematográfica propia a la que llamó Malpaso Productions, compone discos de jazz, posee diferentes empresas deportivas y hosteleras, entre ellas un complejo turístico de lujo con campo de golf en la localidad de Monterey County y ocupó el cargo de alcalde entre 1986 y 1988 de la población californiana en la que reside habitualmente, Carmel.

En su faceta sentimental, se ha casado varias veces y es padre de 7 hijos:

Kimber Eastwood (17-06-64) con Roxanne Tunnis.
Kyle (19-05-68) y Alison Eastwood (22-05-72) con Maggie Johnson.
Kathryn Eastwood (02-02-88) con Jacelyn Reeves.
Heather Eastwood (19-07-88).
Francesca Fisher-Eastwood (07-08-93) con Frances Fisher.
Morgan Eastwood (12-12-96) con Dina Ruiz.

Yo diría, que Clint Eastwood, es de esos hombres que se han forjado con el paso del tiempo, y se han ido haciendo poco a poco pasando de ser casi “vulgar”, casi de actor de serie B… en sus inicios, a el genio indiscutible que es hoy en día… su madurez y experiencia sin duda a incrementado su talento y eso es indiscutible…

Sus dos ultimas películas, “El Gran Tonio” (2008) como Actor y “El Intercambio” (2009) como director, no hacen mas que confirmarlo, a sus 78 años esta en plena forma y extraordinariamente lucido…

FILMOGRAFIA:

Como Director:

Hereafter (2010)
El Intercambio (20089)
Gran Torino (2008)
Banderas de nuestros padres (2006)
Cartas desde Iwo Jima (2006)
Million Dollar Baby (2004)
Mystic River (2003)
Deuda de sangre (2002)
Space Cowboys (2000)
Ejecución inminente (1999)
Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997)
Poder absoluto (1997)
Los puentes de Madison (1995)
Un mundo perfecto (1993)
Sin perdón (1992)
Cazador blanco corazón negro (1990)
El principiante (1990)
Bird (1988)
El sargento de hierro (1986)
El jinete pálido (1985)
Impacto subito (1983)
Firefox (1982)
Aventurero de medianoche (1982)
Bronco Billy (1980)
Ruta suicida (1977)
El fuera de la ley (1976)
Licencia para matar (1975)
Infierno de cobardes (1973)
Primavera en otoño (1973)
Escalofrío en la noche (1971)

Algunas de sus Peliculas como Actor solo (Tiene casi o más de 70), aparte de las ya mencionadas como director, en las cuales también ha interpretado en la gran mayoría:

En la línea de fuego (1993)
El Cadillac rosa (1989)
La lista negra (1988)
En la cuerda floja (1984)
Ciudad muy caliente (1984)
Fuga de Alcatraz (1979)
Duro de pelar (1978)
Harry el ejecutor (1976)
Un botín de 500.000 dólares (1974)
Joe kidd (1972)
Los violentos de Kelly (1970)
Dos mulas y una mujer (1970)
La leyenda de la ciudad sin nombre (1969)
Cometieron dos errores (1968)
La jungla humana (1968)
El bueno, el feo y el malo (1966)
La muerte tenía un precio (1965)
Por un puñado de dolares (1964)
Zafarrancho de combate (1956)
Hoy como ayer (1956)
The First Traveling Saleslady (1956)
Revenge of the Creature (1955)
Francis in the Navy (1955)
Lady Godiva of Coventry (1955)
Tarántula (1955)

BULLET TIME

El Efecto Bullet Time (Tiempo bala o Efecto bala) es un concepto introducido recientemente en el cine y videojuegos actuales. Consiste en una extremada ralentización del tiempo para permitir ver movimientos o sucesos muy veloces (como el recorrido de una bala). También es usado para crear efectos dramáticos, como en la película Matrix.

A lo largo del tiempo la técnica ha sufrido variaciones que han permitido perfeccionarla. Inicialmente el efecto bala era creado a partir de una serie de cámaras de fotografía fija colocadas cada una apuntando al sujeto desde posiciones diferentes y con escaso espacio entre ellas. Se realizaban múltiples fotografías desde ellas y posteriormente la imagen se montaba como una sucesión de fotogramas en la cual se intercalaban las imágenes sacadas por las sucesivas cámaras. De esta manera se daba la apariencia de que la cámara se movía siguiendo las posiciones de las cámaras. Dado que se sacaban muchas fotografías por segundo, al ser reproducidas posteriormente a 24 fotogramas por segundo se consigue la sensación de cámara lenta.

Posteriormente la técnica fue mejorada utilizando cámaras de vídeo de alta definición y postproducción digital.

Esta técnica resulta mucho más sencilla de utilizar con imágenes completamente generadas por ordenador, como en videojuegos, películas de animación en tres dimensiones. En algunas películas de imagen real se utiliza una técnica mixta que mezcla las imágenes reales tomadas mediante el sistema descrito con imágenes generadas por ordenador que sustituyen a algunos o todos de los elementos grabados para conseguir efectos más espectaculares.

Michel Gondry inventó esta técnica alla por el 1995 y la utilizo en el videoclip "Like A Rolling Stone". Así como también en una publicidad para Smirnoff en 1997. Además, se llevó por primera vez al cine al año siguiente en la adaptación de la serie televisada "Perdidos en el espacio" (Lost in Space) de Stephen Hopkins.

Sin embargo, este efecto visual utilizando esta técnica donde la velocidad, que permite al ojo humano seguir la trayectoria de una bala, fue popularizada considerablemente por la película Matrix.

Aplicaciones en Cine y Videojuegos:

Una de las primeras aplicaciones en el cine fue con Kill and Kill Again (1981), pero cuando realmente empezó a popularizarse fue a partir de la película Blade (1998) y la triología de Matrix (1999). También se utilizó en la serie animada Meteoro (Speed Racer) al inicio de cada episodio.

JODIDOS

CORTOS EN LA RED

Hoy os presento... La primera serie de terror ONLINE española. Producida por http://www.abandomoviez.net/ y creada por el equipo de http://www.pelusafilms.com/.

Jodidos cuenta como son secuestrados varios usuarios de abandomoviez.net. Ellos tendrán que enfrentarse a diferentes pruebas que podrán salvar gracias a sus conocimientos de cine de terror...

Ya van emitidos 3 capítulos, los cuales los pongo directamente... Después vendrán mas... Que ya iremos viendo...

Agarraos a la silla, y no comáis nada antes de ver esta película... No me responsabilizo de infartos u otras esquizofrenias... jaja...

Guión de Pablo Carrero y Javier Bocadule. Dirigida por Pablo Carrero Mendo.
® Todos los Derechos Reservados de sus Respectivos Autores.

TORRENTE 4

Santiago Segura pone en marcha Torrente 4. El expolicía abusón, franquista, racista, calvo, obeso y "guarrete" que Santiago Segura imaginó en 1998 para protagonizar la que se ha convertido en la saga más vista del cine español, "Torrente", tendrá su cuarta entrega y se estrenará a finales de 2010 o principios de 2011.

La noticia ha trascendido tras la firma entre Antena 3 Films, la productora de Segura -Amiguetes Entertainment- y Warner Bros. Pictures para que esta última se ocupe de la distribución de la película, en la que su creador sigue trabajando sin que hayan trascendido sus planes para el comienzo del rodaje ni de los actores que la protagonizaran, según han explicado a Efe fuentes de Warner.

Su primera entrega, El Brazo Tonto de la Ley (1998), se estrenó tras ocho semanas de rodaje y 1,7 millones de euros. Fue la película más vista de aquel año, con 3.010.664 espectadores y casi 11 millones de recaudación.

A los tres años llegó Torrente 2: Misión en Marbella (2001), en la que invirtió 9 semanas de rodaje y 3 millones de presupuesto. Sólo en el primer fin de semana recaudó 3,5 millones de euros, con lo que convertirse en la más taquillera del año no era difícil y lo logró con más de 22 millones de recaudación gracias a sus 5,3 millones de espectadores.

Segura, director, guionista y protagonista de la saga, tardó cuatro años en estrenar Torrente 3, el Protector (2005), de nuevo la más vista de aquel año, con 18,1 millones de recaudación, 10 más de lo que invirtió en este proyecto, que se rodó durante 11 semanas.

Si los planes se cumplen, para el estreno de "Torrente 4" Segura, que homenajea en cada una de las partes al cantante El Fary, el "faro" que guía los pasos del expolicía, y cuenta con los "cameos" de muchos de sus "amiguetes", habrá esperado cinco años.

La distribuidora que ahora se ocupará de la cuarta parte, la Warner Bros. Pictures es, según sus fuentes, la más eficiente en cuota de mercado en el cine español, ya que se ha encargado de cintas como "El Orfanato" o "Los Crímenes de Oxford", los largometrajes españoles de mayor recaudación en sus respectivos años de estreno.

QUIERES PARTICIPAR EN EL RODAJE DE UNA PELÍCULA

ANIMAOS... CORDOBESES...

(Digo Cordobeses, por cercanía... pero vamos que si alguien de fuera quiere participar de alguna forma... estupendo y bienvenido sea...)

Nunca os a picado el gusanillo de decir... me gustaría participar en una película o un cortometraje...

Estamos formando un CLUB DE CINEASTAS AFICIONADOS, para que entre todos, crear una idea y llevarla a la practica... y RODAR UNA PELÍCULA.

Comenzaremos por conocernos, aportar ideas, recopilar el material necesario y planificar la colaboración. Todo esto SIN ANIMO DE LUCRO, nadie va a cobrar ni pagar nada, es solo para divertirnos. NO ESTAMOS BUSCANDO PROFESIONALES, solo gente que quiera pasárselo bien haciendo algo diferente...

Aparte de todo esto, en el club, nos podemos relacionar y pasar ratos agradables, podemos organizar, fiestas, reuniones, viajes, peroles... etc...

Pues venga... Necesitamos de todo...:

Actores y Actrices: Te gusta la interpretación, pues vamos... ¿es que nunca has interpretado...? ¿Ya no te acuerdas de las funciones que hacíamos en el colegio...?

Operadores/ras de Cámara: Tienes una cámara de vídeo... y no sabes sacarle el provecho que se merece... ¿quieres aprender nuevas técnicas y trabajar en equipo...?

Guionistas: Te gusta escribir, o adaptar...

Maquilladores/ras: Eres de los que disfrutan poniendo guapos/as a la gente...

Ayudantes de Producción: Y si simplemente quieres participar con nosotros, ayudar a lo que se pueda, divertirte y aprender a la vez.... (montadores, ayudantes de sonido, de luces y focos, figuristas, extras, etc...), también contamos contigo...

Informáticos para diseño, animación, efectos especiales y montaje... Etc...

Animaos... mandadme un correo electrónico a... nuestrapelicula@hotmail.es y me pondré en contacto con vosotros, no os arrepentiréis...

Mi nombre es Miguel Angel y nos vemos en... http://www.amrproducciones.blogspot.com/

DE LA IDEA AL GUIÓN

Evidentemente, antes de lanzarse a rodar una película, hay que tener claro qué es lo que pretende rodarse. Previamente hay que partir de una idea, que sirva de punto de partida para un argumento que a su vez se desarrolle en un guión literario con su división en secuencias y escenas.

Una vez logrado esto hay que trasladar este guión literario, tras la escaleta de rigor, a un formato de guión técnico para que los equipos de imagen y sonido y el propio director sean capaces de interpretarlo de forma ágil y práctica durante el rodaje.

Son fases absolutamente imprescindibles sin las cuales un resultado final de calidad sería poco menos que milagroso.

- LA IDEA

- EL GUIÓN LITERARIO

1.-Las secuencias

2.-Las escenas

3.-Plasmación escrita de un guión literario

- LA ESCALETA

- EL GUIÓN TÉCNICO

LA IDEA

Antes de escribir un guión, obviamente, hay que partir de una idea. Quien espere la llegada de una musa que le toque con su varita y le ilumine la bombilla con una idea genial, jamás realizará un guión. La inspiración se encuentra por todas partes y simplemente hay que buscarla... y añadir después dosis importantes de trabajo.

EL GUIÓN LITERARIO

Supone el desarrollo escrito de la historia alumbrada en la idea anterior. En el guión literario se plantan las bases sobre las que luego trabajará el equipo (sonido, producción, actores...). La escritura de un guión literario tiene gran parecido con la de una obra de teatro. La división teatral en actos y escenas con la descripción del contexto en que sucede la acción y los diálogos de los actores tiene su paralelismo, bastante cercano, en la división en secuencias y escenas de un guión literario.

1.- Las secuenciasSon las diferentes partes de una película que comparten una unidad en el tema. Es indiferente que una secuencia nos muestre lugares y momentos diferentes ya que su cohesión como tal viene dada por un mismo desarrollo temático (con sentido independiente por sí mismo) dentro de la trama general.

2.- Las escenas Cada secuencia se subdivide en escenas. Es decir, en momentos concretos de una unidad temática más extensa. Cada uno de esos momentos se distingue del anterior o del siguiente por cambios espaciales (de lugar) o temporales (de tiempo).

3.- Plasmación escrita de un guión literarioCuando, tras partir de una (presumiblemente brillante) idea, ya tenemos nuestra pequeña o gran historia que contar, trasladémosla al papel o la pantalla de nuestro ordenador de la siguiente forma:

• Dividamos la historia en secuencias (numeradas).
• Dividamos cada secuencia en las escenas (también numeradas) de que se compone (en función de los cambios espacio-temporales antes descritos).
• Al inicio de cada escena debemos especificar si se desarrolla de día o de noche, en interiores o en el exterior, y es necesario incluir una detallada descripción del lugar en que se desarrolla la acción.
• Especificación de los personajes que intervienen.
• Diálogo mantenido (si lo hubiere).
• Sonido existente (si lo hubiere).

LA ESCALETA

Antes de abordar la translación del guión literario al técnico es muy conveniente analizar con detenimiento la historia que vamos a convertir en imágenes. Mientras lo escribimos perdemos un poco la perspectiva de lo que el espectador va a experimentar al ver la historia convertida en narración audiovisual. ¿Tendrá suficiente interés?. ¿Habrá lagunas de ritmo o de intensidad narrativa?. ¿Existen fases excesivamente lentas o demasiado vertiginosas?. ¿Conviene dar un respiro al espectador en un momento determinado?.

Estas y otras preguntas no pueden ser contestadas al 100% antes de ver el producto final pero sí pueden ser solventadas en gran parte realizando una representación gráfica de las llamadas curvas de interés.Se trata de colocar en los ejes "x" e "y" de una gráfica las diferentes secuencias o el minutaje de la película y los diferentes niveles de interés. Se puede medir el interés según baremos de tipo emocional, en cuanto a espectacularidad, etc. y así obtendremos una herramienta útil para efectuar en el guión o incluso en el montaje final cuantos cambios sean pertinentes.

EL GUIÓN TÉCNICO

Para la comprensión y uso práctico por parte del equipo técnico del guión literario previo, es preciso convertir éste en un guión técnico con profusión de detalles y precisiones útiles tanto para el propio director como para los encargados del sonido y la imagen.

Un guión técnico se compone de los siguientes elementos:

1.- Número de secuencia

2.- Los planos numerados según la cronología de la narración que no del rodaje.

3.- Las especificaciones técnicas propias de cada plano (duración, escala, angulación y movimientos de cámara).

4.- Representación dibujada de la imagen de cada plano (Story board).

5.- Descripción de lo que ocurre dentro del plano (lugar donde se desarrolla, personajes que aparecen, qué sucede...).

6.- Descripción de la banda de sonido (Música, diálogos, ruidos ambientales, sonidos generados a posteriori...).

Este guión técnico se ordena en forma de parrilla:

Si sigues las pautas aquí marcadas, estarás más cerca de realizar una buena película o un buen cortometraje.

SAMSUNG Serie MX

Hoy vamos a analizar una Videocámara, de tipo medio, para aficionados exigentes, que les guste estar a la ultima. Así podemos definir a las videocámaras Samsung MX20 y la Samsung SMX-30RP, dos modelos que prácticamente comparten todas sus características y que destacan por grabar vídeo digital sobre tarjeta de memoria directamente, y que tienen una aplicación para subir los vídeos a YouTube sin complicaciones. Además, tienen un precio muy sugerente.

Estos modelos confían en memorias de estado sólido para almacenar el vídeo con codificación H.264 y sonido estéreo AAC que capturan, mediante tarjetas de memoria SD o SDHD.

La resolución que tienen es en calidad DVD, o sea 720x576(i50) a la que son capaces de grabar, a 30 fotogramas por segundo. Con Calidad SuperFina, son capaces de grabar mas de tres horas en una tarjeta de 8 Gb. Tiempo que dura también la batería en modo grabación.

Cuentan con sistema de grabación Time-Lapse, para captura de frames a velocidad super lenta, puedes grabar como se abre una flor por la mañana, o el desplazamiento de las nubes o el sol en el tiempo.

Tienen, reducción de ruido 3D, para unas imagenes mas claras y nitidas, y sistema Hyper DIS, para una estabilización de imagen Anti-Movimientos de pulso. Ademas el sistema detector de rostros AF, consigue un enfoque natural, de hasta 5 caras a la vez en pantalla, aunque esten a diferente distancia focal.

Disponen de un objetivo con óptica Schneider con zoom óptico de 34x o 42x aumentos (Según Modelo), pantalla pivotante de 2,7 pulgadas, micrófono integrado, puerto USB 2.0 y salida de vídeo compuesto.

Además de todo esto, cuentan con otros muchos efectos digitales incorporados, como fundidos, efectos digitales (Blanco y negro, sepia, negativo, mosaico, caleidoscopio, pixelado.. etc..), grabación de eventos deportivos (velocidad de diafragma variable), grabación en diferentes ambientes luminosos (Automático o manual) y un increíble zoom digital... etc.. etc...

Están disponibles en varios colores, rojo, negro o plata y su precio, a partir de los 189 euros.

Mas información en la pagina de Samsung.

DB PowerAMP Music Converter

Esta es una de esas utilidades esenciales. Es casi imprescindible para convertir ficheros de audio entre diferentes formatos, funciona muy bien, soporta practicamente todos los codecs del mercado y es muy rápida en la conversión.

Parte del amplio arsenal de funciones de este dMC, es la habilidad de extraer música directamente de Audio CD a tu disco duro, y posteriormente realizar la conversión a MP3. Que es sin duda el formato de compresión de audio más usado y ha traspasado las fronteras originales del PC para instalarse en la vida cotidiana gracias a reproductores portátiles de MP3, reproductores de DVD compatibles e incluso en RadioCD para automóviles.

Realiza normalización de audio, conserva el tag ID de las canciones (Osea, la información del archivo: Artista, Titulo, Álbum... etc...) y es realmente sencillo de utilizar, basta con un clic con el botón derecho del ratón y seleccionar "Convert to".

Trabaja con los formatos MP3, WAV y CDA por defecto pero puedes añadirle nuevas conversiones a otros formatos descargando codecs adicionales específicos para este programa de la pagina principal donde tambien podeis Descargar una version de prueba.

Sistema operativo: Win98/98SE/2000/XP/Vista.

DANCES WITH WOLVES - SOUNDTRACK

BAILANDO CON LOBOS (B.S.O.)
Musica de John Barry.

Sinopsis:

Transcurre 1860, época de grandes cambios históricos en los EE.UU., cuando los colonos comenzaron a emigrar hacia el Oeste, a los territorios de los indios. Empujado por el deseo de conocer la última frontera antes de que ésta desaparezca, John J. Dunbar, soldado en las filas de la Unión, entra en contacto con los Sioux. Entre ellos se encuentra “en pie con el puño en alto”, una mujer blanca adoptada por la tribu cuando era niña.. Poco a poco, Dunbar y los Sioux empiezan a sentir respeto y admiración mutua. La película describe la aceptación de Dunbar por parte de la tribu, su emocionante historia de amor con la mujer blanca, su increíble amistad con los indios y, por fin, la decisión crucial que debe tomar al buscarse a sí mismo y que determinará su destino.

Oscar del compositor británico John Barry y una de las grandes bandas sonoras de la historia. Recientemente, han reeditado esta banda sonora. Han tenido que pasar todos estos años para ello, y a pesar de ello aún no se trata de la edición completa, pero al menos se incluyen varios pasajes capitales que eran de urgente edición. Por un lado, el tema inicial de la película, que en el disco original aparecía mutilado, y que ahora disfrutamos en todo su esplendor. Por otro, la verdadera música de la sensacional secuencia de la caza del búfalo, tal y como Kevin Costner exigió a Barry. El tema originalmente incluido bajo el título “The Buffalo Hunt” era el que Barry había previsto inicialmente: una versión dinámica del tema de John Dumbar. Pero Costner quiso un tema con sonido más americano, por lo que Barry compuso ese tema alternativo que no se incluyó en la primera edición de la banda sonora. El resto de temas inéditos incluyen una variante del sensacional tema de amor, un tema nuevo "Victory", bello pero breve, pasajes adicionales dedicados a los Pawnee, etc. Lo que no incorpora interés el pasaje electrónico "Fire Dance", compuesto por Peter Buffet.

Temas

Looks Like a Suicide (7:34)

Ride to Fort Hays (2:02)

Journey to Fort Sedgewick / Shooting Star / John Dunbar Theme / Arrival at Fort Sedgewick (4:55)

The John Dunbar Theme (2:18)

The Death of Timmons (2:25)

Two Socks the Wolf (1:31)

Stands with a Fist Remembers (2:11)

The Buffalo Robe (2:12)

Journey to the Buffalo Killing Ground (3:39)

Spotting the Herd (1:49)

The Buffalo Hunt (4:33)

Fire Dance (1:40)

Two Socks at Play (1:59)

Falling in Love (3:04)

Love Theme (3:46)

The John Dunbar Theme (2:06)

Pawnees / Pawnee Attack / Stone Calf Dies / Toughest Dies (6:15)

Victory (1:03)

The Death of Cisco (2:14)

Rescue of Dances with Wolves (2:09)

The Loss of the Journal / The Return to Winter Camp (2:09)

Farewell (8:46)

The Buffalo Hunt (versión del cd original) (2:44)

The John Dunbar Theme (versión de la película)(2:22)

DISEÑO DE CUADRO

Punto de máximo interés: Siempre va a haber en una imagen un punto que es el central, a través del cual va a transcurrir la imagen. Esta ha de situarse, a menos que se quiera obtener otro resultado, en unos parámetros de posición mas a menos preestablecidos. EUCLIDES, ya el el año 250 a.C. Dijo que la casita se dibujaba al costado porque era dividir la media y extrema razón.

Límite interno del cuadro: En un cuadro el límite no es el marco sino que generalmente siempre tiene un límite que está dentro del mismo lienzo. Por tanto, cuadro cinematográfico aquel que guarde una proporción de 4 x 3.

Entonces:

Punto de máximo interés: Objeto o persona que lleva la máxima importancia del plano.

Límite interno: Líneas en el interior del cuadro que lo que está más afuera pierde el interés.
El nombre de rectángulo cinematográfico 4 x 3 es cuadro académico pero también existen otras proporciones u otros formatos que hay que tener en cuenta para cuando haya que encuadrar.

La Ley del Tercio: El horizonte debe encuadrarse en el tercio inferior o superior de la imagen, nunca en el centro de ella. Sin embargo, los personajes, cualesquiera que sea el espacio que ocupen sobre el plano, se encuadraran haciendo coincidir los ojos con una linea situada en los 2/3 superiores del fotograma.

Para encuadrar un personaje: Hay que dejar mas espacio libre hacia el lado donde dirige la mirada el sujeto filmado.

Naturalmente, todo esto es a nivel general, puede cambiar según lo que queramos expresar o a por introducción o salida de motivos, de hecho no siempre se deben hacer el mismo tipo de plano sino las películas serian monotonisimas...

HISTORIA DE LAS FILMADORAS (3ª Parte)

FORMATOS

En las máquinas filmadoras antiguas, se utilizan varios anchos de película. En 1889, George Eastman fue el pionero de la anchura de película 35 mm que fabricaba inicialmente para los films kinetoscópicos de Edison... Muy rápidamente este formato se convirtió en medida estándar para uso profesional, y aún lo sigue siendo.

Al principio, el tamaño del fotograma era de 24 x 18 mm, lo que llenaba casi completamente el área comprendida entre las perforaciones, y la velocidad normal de la filmación era de 16 imágenes por segundo. Luego fue incorporado el sonido, lo que hizo necesario reducir el área de exposición a 22,05 x 16,03 mm a fin de dar cabida a una banda sonora de 2,54 mm de ancho en los cuadros y a una hilera de perforaciones, que es el sistema que se usa en la actualidad. La velocidad de filmación se aumentó a 24 imágenes por segundo, con el fin de mejorar la calidad del sonido. La capacidad de película típica de las cámaras de estudio es de 35 m, lo que significa unos 11 minutos de funcionamiento, mientras que las cámaras portátiles pueden ser cargadas con 122 m.

A veces se empleaban anchos de película mayores, por ejemplo 65 y 70 mm, para filmar y proyectar espectáculos; este ancho tenia la ventaja de dar un grano mas fino e imágenes más brillantes cuando es proyectada la película. Algunos filmes célebres que fueron producidos con película de 35 mm han sido trasladados a película de 70 mm, sólo para darles mayor brillantez de imagen en los cines de grandes dimensiones.

El cinerama y otros sistemas actuales de pantalla de gran tamaño utilizan película de 65 mm para la cámara y de 70 mm para la proyección (incluidas seis bandas sonoras.) El cinerama primitivo se servía de tres cámaras de 35 mm perfectamente sincronizadas, pero nunca se logró un ajuste de todo satisfactorio de las imágenes parciales. El cinemascope, que proyecta sobre una pantalla ligeramente mas ancha, utiliza película de 35 mm y un objetivo anamórfico llamado Hypergonard que ensancha la imagen comprimida en el momento del rodaje por el mismo objetivo, siempre en sentido horizontal.

Los anchos de 16 mm y 8 mm se idearon inicialmente para el cine de aficionados, si bien el primero se aplicaba desde hace tiempo a las filmaciones documentales y científicas. Las cargas típicas de 16mm eran bobinas de 30 m para las cámaras manuales, y cartuchos de 122 m para las cámaras profesionales de tamaños mayores y cuando incluía banda sonora, la película sólo estaba perforada en uno de los lados.

La película de 8 mm era antiguamente de 16 mm, pero con doble número de perforaciones. Se pasaba dos veces por la cámara, de manera que se exponía la mitad de su anchura durante cada una de ellas, y después de revelada la película ésta era dividida en dos tiras de 8 mm que se unían por sus extremos; de ello resultaba una longitud doble de la original, de 7,6 m, y la proyección duraba unos cuatro minutos a velocidad muda de filmación.

En 1965 se introdujo el ancho super 8, consistente en una película con perforaciones mucho mas estrechas, que permitía aumentar un 43% la parte impresionable de la película, sin variar la anchura total de ésta. La película se expendía en cartuchos herméticos a la luz, que se introducían fácilmente en la cámara. La película single 8 tenia las mismas dimensiones, pero en unas cargas diferentes. Ambos tipos contenían 15 mm de película, lo que significa un tiempo de proyección de 3 minutos y 20 segundos a la velocidad típica de 18 cuadrados por segundo.

BANDA SONORA

Podía ser óptica o magnética. Algunas cámaras disponían de un sistema que impresionaba directamente la banda sonora, pero el método usual consistía en recoger el sonido en una cinta magnetofónica independiente, a partir de un sistema de impulsos de sincronización que emitía la cámara. Estas señales eran necesarias porque tan sólo una variación de un 0,2% en la velocidad entre la cámara y el magnetófono significaba medio segundo de discrepancia al cabo de cuatro minutos.

¿SE ESTRENARA MANOLETE ALGUN DIA...?

Hace ya mas de 3 años que se rodó la película y todavía no se sabe fecha definitiva para su posible estreno, se especula que a lo mejor para este verano... Pero vamos yo no me mojaría en afirmarlo, tanto que ya lleva "nosecuantas" posibles fechas y se han ido incumpliendo...

¿Que pasa pues...? La culpa la tiene la productora, es que Lolafilms no esta pasando su mejor momento en estos años ya que a causa de sus deudas, ha tenido que centrarse más en los tribunales que en sus producciones, y “Manolete” ha sido una de las tantas películas damnificadas.

Así es que tendremos que seguir esperando a ver a Penelope Cruz y a Adrien Brody a ver si es verdad que como dicen se le parece a "Manolete". Yo que vivo aquí... en tierra de toreros, en la Avenida que lleva su nombre, y a 100 metros de la plaza de toros de "El Coso de los Califas" de mi Cordobita la llana, que no lo pudo llegar a ver torear torear en su albero, lo espero impaciente, para ver si se le puede dar la alternativa... Aunque sea en el cine de verano, que proyectan allí películas... jaja...

Mientras tanto, nos conformaremos con algunos momentos del rodaje de la película, su sinopsis y algún trailer para ir abriendo boca... ¡Suerte Maestro...!

SINOPSIS:

En el transcurso del viaje que le lleva de Sevilla hasta Linares, el famoso torero Manolete se detiene en Córdoba para visitar a su madre. Una vez allí, hará memoria de algunos de los pasajes más importantes de su vida. Por alguna razón sabe que la plaza de tercera categoría donde se dispone a torear, en Linares, será muy especial para él.

Manuel Rodríguez se ha convertido en un célebre torero: "Manolete". Su vida transcurre entre las plazas de toda España, las carreteras y los hoteles. Es un hombre de semblante trágico, tímido, sobrio y parco en palabras. Lupe Sino es una mujer hermosa, de pasado oscuro, descarada, orgullosa y tierna. Hasta el momento, el torero ha vivido persiguiendo un solo sueño: triunfar. Cuando Lupe irrumpe en su vida, el diestro se enamora y el éxito quedará en segundo plano. Ésta es su historia de amor. Un hombre enamorado de la muerte junto a una mujer enamorada de la vida.

EL DESAYUNO

CORTOS EN LA RED

Se despierta por la mañana y descubre que la han abandonado... ¿o no...?

Es un cortometraje con guión y dirección de Johnny Vale y música de Joan Gorro. Cortometraje realizado como práctica del Curso de Iniciación a la Dirección Cinematográfica de Nucine Valencia.

Reparto: Cristina Carrión Fernández.
® Todos los Derechos Reservados de sus Respectivos Autores.

MICHAEL CRICHTON

Michael Crichton nació en Chicago, Illinois, el 23 de octubre de 1942 y fue un Médico, Escritor (Novelista y Guionista). Productor y director de cine estadounidense.

Polifacético escritor ha vendido más de 150 millones de copias literarias de sus obras y considerado uno de los precursores del llamado estilo tecno-thriller, que mezcla elementos pseudocientíficos en tramas policíacas o de aventuras.

Era el mayor de cuatro hermanos. Su padre, periodista, trasladó a la familia a Roslyn, New York cuando Michael tenía 6 años. The New York Times publicó un artículo suyo cuando tan sólo contaba con 14 años.

Fue buen jugador de baloncesto y acabó la enseñanza secundaria en Roslyn en 1960. Dudó si ir a la universidad de Harvard o a dedicarse totalmente a la escritura. Finalmente decidió estudiar Antropología. Se graduó en Harvard Summa Cum Laude en 1965.

A los veintitrés años marchó como conferenciante en antropología a la universidad de Cambridge, en Inglaterra. Ganó una beca de Henry Russell Shaw Fellowship y viajó por Europa y África del norte durante un año.

De regreso a los EE.UU., comenzó a ejercer de doctor. Se graduó con un MD Harvard Medical School en 1969. Pagó sus matrículas en la escuela médica escribiendo novelas de suspense bajo diversos nombres. Cierta vez dijo: "Escribía 100.000 palabras diarias, y me gustaba, porque lo hacía de forma anónima. Era mi secreto, y me permitía no ser responsable, porque nadie conocía mi trabajo. Si algo no salía bien, pues no salía bien. ¿Que iba a pasar? Tenía prisa por hacer cosas. Hoy echo de menos ese anonimato".

Especialista en informática, escribió uno de los primeros libros acerca de la tecnología de la información (Vida electrónica, 1983). Ha creado también un juego del ordenador llamado Amazon en 1982. Su película Westworld (1973), era una de las primeras películas que utilizaron imágenes digitalizadas.

Principalmente es conocido por ser el padre de Parque Jurásico, la Novela aunque la película no la dirigió el. Y lo es también de la prestigiosa serie de televisión, ER (Urgencias).

En Estado de miedo, del año 2004, Crichton pone de manifiesto su, en ese momento, activismo escéptico, orientado a denunciar lo que él considera el componente sensacionalista y religioso del ecologismo, así como la incursión de la política en el campo de la ciencia. Es, por ejemplo, muy crítico con el consenso científico que se supone que existe en torno a la actual teoría del calentamiento global.

Murió en Los Ángeles, California, el 4 de noviembre de 2008, a los 66 años de edad, el cáncer pudo con el y no le dejo terminar su ultima novela. Atrás deja un legado inmenso que dará sin duda que hablar a generaciones…

SU OBRA:

Como Director:

El guerrero nº 13 (1999)
Contra Toda Ley (1989)
Runaway, Brigada Especial (1984)
Ojos Asesinos (1981)
El Primer Gran Asalto al Tren (1979)
Coma (1978)
Almas de Metal - Westworld (1973)


Como Guionista:

Parque Jurásico 4 (2012)
Westworld (Remake) (2010)
Parque Jurasico 3 (2001)
El Mundo Perdido (Parque Jurasico 2) (1997)
Congo (1995)
Runaway, Brigada Especial (1984)
Ojos Asesinos (1981)
Coma (1978)
Almas De Metal 1 - Westworld (1973)
Diagnóstico: Asesinato (1972)

Como Productor:

El guerrero nº 13 (1999)
Esfera (1998)
Beyond Westworld (1980) -SERIE-

Como Novelista:

Latitudes Piratas (2009) - INCONCLUSA
Next (2008)
Estado De Miedo (2004)
Presa (2002)
Rescate En El Tiempo (1999)
Punto Crítico (1996)
Twister (1996)
El Mundo Perdido (1995)
Acoso (1994)
Sol Naciente (1992)
Parque Jurásico (1990)
Esfera (1987)
Congo (1982)
Devoradores De Cadáveres (1976)
El Gran Robo Del Tren (1975)
Binari (1972)
El Hombre Terminal (1972)
La Amenaza De Andrómeda (1969)

TIPOS DE LENTES Y PROFUNDIDAD DE CAMPO

TIPOS DE LENTES

1. Angulares: La distancia focal es más corta que la normal, por lo tanto, eso hace que se pueda tener más campo visual.
2. Normales: Es el tipo de lente que nos permite filmar de la manera más semejante a como vemos los humanos.
3. Teleobjetivos: La distancia focal es mucho más grande, lo que hace que en distancias muy grandes entre un objeto y la cámara, podamos verla desde muy cerca.
4. Zoom: Lente de distancia focal variable, o sea que podemos variar la distancia focal.

Las lentes se diferencian por la distancia que hay entre el centro óptico de la lente y el foco (distancia focal). La diferencia entre una lente y el ojo humano es que en el ojo tenemos o podemos ver hasta 180 grados y en una lente de una cámara solo 35 o 40 grados.

PROFUNDIDAD DE CAMPO

Es aquel sector en donde la imagen es nítida, el sector donde la imagen está en foco.

Con la diferentes lentes cambian las profundidades de campo, ésto hace que se nos vengan encima los objetos y que así parezca que las distancias son menores o mayores. A menor distancia focal (lente angular) mayor será la profundidad de campo. Si existe mayor distancia focal (teleobjetivo) menor será la profundidad de campo.

Supongamos que estamos con un teleobjetivo a 1,5 metros entre una cara y otra, entonces parece que están muy cerca una de la otra. Esto es porque la distancia focal del teleobjetivo es muy grande, por lo tanto los objetos parece que se acercan.

Lente normal. La cara de atrás parece que está más alejada, cuando en realidad está a la misma distancia que en el ejemplo anterior. Esto es porque la distancia focal es menor y por lo tanto da la sensación que la cara de atrás está más alejada que con el teleobjetivo pero en realidad es una distancia muy parecida a como lo vería el ojo.

Con un objetivo angular parece que la cara de atrás está mucho más lejos que los dos ejemplos anteriores.

De esta forma si la cara de atrás empezara a caminar y se acercara hacia delante, con el teleobjetivo parecería que tarda mucho para la poca distancia que parece que hay. Esto se debe a que el teleobjetivo acorta las distancias. Eso es lo que pasa en las carreras de autos, cuando se enfoca a un auto de lejos y de frente, con un teleobjetivo, que el auto parece que va muy lento ya que tarda mucho en recorrer lo que parece que es poca distancia, pero que en realidad es mucha.

CURSO CREACIÓN DE ESPADA LÁSER (4 ª Parte - Final)

ULTIMOS RETOQUES

Ya hemos hecho lo más difícil. Ahora sólo nos queda darle un toque más profesional (Si queremos). Lo que haremos en esta parte del curso será:

• Añadir un espectacular brillo a la espada.
• Hacer que la espada parezca que se acerque a la cámara.
• Generar un pequeño rastro de la espada al desplazarla.

1. Vamos a empezar con el brillo, que realmente es algo muy sencillo. En Time Layout elegimos la capa Láser. En el menú seleccionamos Effect > Stylize > Glow. Dejamos los parámetros por defecto que, como veis, dan muy buenos resultados.

Antes

Despues

2. Para hacer que parezca que la espada se aproxima o aleja de la cámara sólo hay que animar la propiedad Ending Thickness o grosor final de nuestra espada, de modo que cuando se acerque a la cámara aumentará y viceversa. Este detalle le da realismo a la escena. Nos desplazamos al principio de la composición con el indicador azul. En Time Layout pulsamos el triángulo de la capa Láser y desplegamos Effects > Beam. Pinchamos en el reloj de Ending Thickness.

Activamos la animación de Ending Thickness

3. Nos desplazamos al momento en el que empezamos a acercar la espada a la cámara (00:00:07:00). Pinchamos en la casilla a la izquierda de Ending Thickness para crear una clave sin modificar valores. De este modo, el ancho del láser no se modificará hasta ese punto. Nos desplazamos al momento en el que el láser está más cerca de la cámara (00:00:08:22). En la ventana Effect Controls cambiamos el valor de Ending Thickness a 15. Nos vamos a la posición en la que el láser se vuelve a estabilizar (00:00:10:10). Como estamos un poco más cerca que al principio, cambiamos Ending Thickness a 12. Nos desplazamos al momento en el que empezamos a mover el láser hacia atrás (00:00:11:22) y creamos una clave sin modificar valores, como antes. Vamos al momento en el que el láser deja de moverse (00:00:14:03) y fijamos Ending Thickness a 9.

Creación de claves sin modificar valores y claves de Ending Thickness

Así queda la espada al acercarla a la cámara

4. Por último vamos a crear un efecto un poco más complicado y sutil. Se trata de conseguir que la espada deje un pequeño rastro cuando se mueve rápidamente. Para conseguir este efecto utilizaremos el filtro Eco, que por desgracia, necesita una capa con vídeo para representarse y no una capa sólida como tenemos ahora. Por lo tanto, antes de nada, tenemos que crear un vídeo sólo con la espada. Ocultamos todas las capas, excepto Láser, pulsando en el ojo situado a la izquierda de cada nombre. Creamos un vídeo (menú Composition > Make Movie) con el nombre SoloLaser.avi. Pulsamos Render.

Ocultamos todo menos la espada y renderizamos

5. Volvemos a mostrar todas las capas, pero ahora ocultamos Láser. Vamos a sustituirla por el vídeo que acabamos de crear. Importamos el vídeo SoloLaser.avi. Nos desplazamos al inicio de la composición con el indicador azul y añadimos SoloLaser.avi a la composición. Lo colocamos entre las capas Máscara y Estático, justo debajo de la capa Láser. Renombramos la capa a Láser2. Como vemos, el vídeo aparece con un fondo negro en vez de transparente. Esto lo solucionaremos después de crear el efecto de rastro, ya que de otro modo, salen efectos indeseados.

Sustituimos la capa de la espada por su equivalente en vídeo

6. Aplicamos un filtro de eco. Con la capa Láser2 seleccionada elegimos Effects > Time > Echo. Fijamos los valores de Echo Time a -0.04 (el eco está ligeramente retrasado respecto al original), Number of Echoes a 5 y Decay a 0.5 (los ecos del láser se debilitan 50% del original). Ahora es cuando hacemos el fondo transparente mediante un filtro Luma Key que es como Color Key (utilizado para hacer transparente el fondo verde) pero que afecta a la luminosidad. En Time Layout pinchamos en Láser2. En el menú elegimos Effect > Keying > Luma Key. En la ventana Effect Controls fijamos Threshold a 15 y Edge Thin a 2.

Los parámetros de los efectos Echo y Luma Key

7. Ya está todo. Lo último que falta es salvar el proyecto y renderizar la película y listos. Elegimos Composition > Make Movie, elegimos las opciones de compresión que deseemos pulsando en Output Module: Lossless, y finalmente pulsamos el botón Render.

Desde la pagina de nuestro amigo majadero, podéis descargaros todo lo necesario para realizar éste vídeo.

Proyecto After Effects + Rodaje original (697 Kb).
Vídeo "Espadas FX " terminado (670 Kb).

Espero que os haya gustado este curso, yo se que es un tanto complicado, pero ustedes podéis con esto y con mas... y los resultados son realmente espectaculares... ¡Que la Fuerza os Acompañe...!

CURSO CREACIÓN DE ESPADA LÁSER (3ª Parte)

CORREGIMOS LOS POSIBLES FALLOS MEDIANTE MÁSCARAS

Como veíamos en el anterior capitulo de este curso, de momento la espada no está quedando mal, pero ya podemos ver dos fallos importantes: por un lado, y como ya preveíamos, se ve el palo antes de que la espada aparezca. Y por otro lado, al pasar la espada por detrás de la cabeza, podemos ver la espada atravesándola, lo que no queda nada bien. Solucionaremos estos dos problemas mediante máscaras. Empezaremos borrando el palo. En este caso, supondremos que la espada láser oculta totalmente el palo una vez desplegada, por lo que sólo nos ocuparemos del momento en el que la espada aún no está desplegada.

1. En la ventana Project importamos el otro vídeo que rodamos, el de la escena sin personajes. Lo incluimos en la composición y lo colocamos en el tope de la lista de vídeos de la ventana Time Layout. De este vídeo sólo necesitamos un cuadro, así que vamos a obtenerlo. En el menú elegimos Composition > Save Frame As > File y nombramos el fichero como Estático.psd. En la ventana Render Queue pulsamos Render.

2. Importamos el cuadro que acabamos de crear, Estático.psd (Import Footage...). En la ventana que aparece pulsar OK. Nos desplazamos al inicio de la composición mediante el indicador azul y añadimos Estatico.psd a la composición. La capa aparece arriba del todo de la ventana Time Layout. Pinchamos en ella y arrastramos hacia abajo para que ocupe la última posición, debajo de la capa Fondo. Fijamos el inicio de la capa al momento en el que empieza a aparecer el palo en escena y el final cuando el láser ya está por completo desplegado.

Movemos la capa al fondo y fijamos sus valores inicial y final

3. Vamos a crear la máscara que hará invisible el palo. En la ventana Time Layout hacemos doble-click en la capa Fondo. Aparece la ventana Fondo, que contiene el palo. Aquí es conveniente tener visibles esta ventana y la de la composición, para ver los resultados. En la barra de herramientas elegimos la herramienta Crear Máscara (la pluma) y creamos una máscara de 4 puntos alrededor del palo en el primer frame en el que aparezca el palo entero, no tenemos porqué hacerlo muy ajustado, excepto en la zona de la mano. Vaya, ahora resulta que sólo aparece el palo, tendremos que invertir la máscara. Pinchamos en el triangulito de Fondo en la Time Layout y desplegamos Fondo > Masks > Mask 1. A la derecha de Mask 1 marcamos Invert. Ahora el palo ha desaparecido.

Creamos una máscara en Fondo1

Invertimos la máscara

4. Vamos a animar la máscara para que siga al palo. En Time Layout desplegamos Mask 1 y pulsamos el reloj de Mask Shape, ya que es lo que vamos a animar. Ahora vamos desplazándonos en el tiempo y moviendo la máscara para que vayamos siguiendo al palo, borrándolo de la escena. Para ello, nos desplazamos con el indicador azul y seleccionamos uno de los vértices de la máscara con la herramienta Selección. Después lo arrastramos a su nueva posición. Si al hacerlo, se mueve toda la máscara y no un sólo punto es que todos los puntos están seleccionados. Para arreglarlo, pinchamos fuera de la máscara y después pulsamos en uno sólo de los puntos. Conviene tener la ventana de la composición Espadas Láser y la ventana Fondo con las máscaras a la vista para ver el resultado inmediatamente, ya que tendremos que mover la máscara a ciegas.

Animamos la máscara para borrar el palo hasta que aparezca la espada

5. Vamos a hacer ahora que la espada no atraviese nuestra querida cabeza, para lo cuál usaremos una técnica muy similar. Nos desplazamos al inicio del vídeo y añadimos de nuevo el vídeo (el vídeo completo) a la composición, dejándolo encima de la pila de vídeos en Time Layout. Lo renombramos a Máscara. Fijamos su inicio y fin a la zona conflictiva (será más fácil si ocultamos temporalmente la capa Máscara, pulsando en su ojo, ya que la propia espada nos puede estorbar. Una vez fijados los límites habilitamos todas las capas (pulsando en el ojo). Nos desplazamos al inicio de la zona delimitada y hacemos doble-click en la capa Máscara en Time Layout. Como antes, usamos la herramienta pluma para rodear la cabeza con una máscara.

Creamos la máscara de la cabeza

6. En Time Layout, pinchamos el triángulo junto a la capa Máscara y desplegamos Máscara > Masks > Mask 1. Pinchamos en el texto a la derecha de Mask Feather (debería poner 0.0 pixels) y fijamos tanto Vertical como Horizontal a 5, para suavizar la máscara. Ahora pinchamos en el reloj Mask Shape para poder animar la máscara a lo largo del tiempo.

Suavizamos la máscara y habilitamos la animación de la máscara

7. Finalmente vamos animando la máscara para que siga a la cabeza, como hicimos antes con el palo. Como ésta no cambia mucho de forma, es conveniente hacer un recuadro alrededor de todos los puntos de la máscara, para seleccionarlos a todos, y luego pinchar y arrastrar uno de los puntos, para mover la máscara en bloque.

8. Guardamos el proyecto.

En el próximo capitulo, veremos los últimos retoques para que nuestra espada quede perfecta...

LA PARTE CONTRATANTE DE LA PRIMERA PARTE...

"La parte contratante

de la primera parte

sera considerada

como la parte

contratante

de la

primera parte"

Lo Dijo Groucho Marx en Una Noche en la Ópera (1935) Dirigida por Sam Wood y Edmund Goulding.

CURSO CREACIÓN DE ESPADA LÁSER (2ª Parte)

CREAMOS LA COMPOSICIÓN

Continuando este curso y como ya vimos en el anterior capitulo, imagino que todo el que le interese… ya habrá hecho su vídeo y lo tiene en el ordenador. Si hace falta, lo recortamos un poco para que sólo tengamos lo que necesitamos. Además, entiendo ya sabemos crear una Composición, importar un vídeo y añadirlo (Ya lo vimos en el curso de Adobe After Effects).

Pues continuando con la ayuda de el amigo "Majadero", protagonista de nuestro video... Empecemos:

1. Cargamos Adobe After Effects.

2. Creamos una composición (En la ventana Project, pulsamos con el botón derecho y elegimos New Composition). Le damos el nombre Espadas Láser, tamaño 640x480 u otro… (Aquí le daremos el de nuestro vídeo original), duración 30 segundos (ídem) y 25 fps. Aceptamos.
Importamos nuestro vídeo (El que hemos grabado, el de la escena completa), en la ventana Project, pulsamos con el botón derecho y elegimos ImportFootage, y lo añadimos a nuestra composición arrastrando el vídeo en la ventana Project a la composición Espadas Láser.

En la ventana Time Layout renombramos este vídeo a Fondo (pulsando Enter con el vídeo seleccionado en la ventana Time Layout). Establecemos la duración total del vídeo para que ocupe el mismo tiempo que nuestro vídeo Fondo (arrastrando el indicador derecho de la parte superior de la ventana Time Layout). En mi caso el vídeo ocupa desde 00:00:00:00 hasta 00:00:16:01.

3. Movemos el indicador de tiempos de la Time Layout al principio y creamos una capa sólida encima de nuestro vídeo Fondo, que será la que albergue nuestra espada (menú Layer > New Solid). Le damos un color llamativo (que luego quitaremos), por ejemplo verde y pulsamos el botón Comp Size para que sea del mismo tamaño que la composición. En Name escribimos Láser y aceptamos. En la Time Layout establecemos Calidad Alta (en la Time Layout pulsamos el botón que es como una línea pixelizada, junto a la capa Láser. Al pulsarlo, la línea se suaviza). Si no hacemos esto, el láser sale monocromático y no queda bien.

Establecemos Calidad Alta a la capa Láser.

4. Vamos a hacer la capa Láser transparente. Con la capa Láser seleccionada, elegimos Effect > Keying > Color Key. En la ventana Effect Controls pinchamos en el cuentagotas y luego en cualquier punto de la ventana de la composición. El fondo verde desaparece y podemos ver nuestro vídeo original, Fondo. Esto ya vimos como se hacia en FILTROS - EL CROMAKEY (En Adobe Premiere).

Hacemos la capa Láser transparente.

5. Vamos a crear la espada láser. En la Time Layout nos colocamos con el indicador azul al principio de donde debería aparecer la espada por primera vez (00:00:04:06) y fijamos el inicio de la capa Láser a ese punto.
De este modo el láser nunca aparecerá antes de este punto. Con la capa Láser seleccionada elegimos el menú Effect > Render > Beam. En la ventana Effect Controls, sección Beam fijamos estos valores: Length 100%, Starting Thickness 10, Ending Thickness 10, Inside Color: blanco (255, 255, 255), Outside Color (11, 111, 164), Composite On Original activado. Por supuesto, cada uno pondrá los valores que más se ajusten a su escena.

Establecemos el inicio de aparición de la espada.

Fijamos los valores iniciales de la espada.

6. Colocamos la espada en su posición inicial sin desplegar. En la ventana Effect Controls pinchamos en el punto de mira junto a Starting Point y en la ventana de la composición pinchamos en el "mango" de nuestra espada. Pulsamos en el punto de mira junto a Ending Point y pinchamos en el mismo punto, de modo que la espada se convierte en un sólo punto.

Fijamos los límites de la espada a punto de aparecer.

7. Vamos a crear claves para animar la espada. En la ventana Time Layout pinchamos en el triángulo junto a la capa Láser. Desplegamos Effects > Beam. Pinchamos en el relojito de Starting Point y Ending Point, así podremos crear claves de animación para los límites de la espada. Mediante el indicador azul, nos desplazamos al tiempo en el que se supone que la espada está desplegada por completo. En la ventana Effect Controls pinchamos en el punto de mira de Ending Point y movemos el final de la espada hasta el final del palo. Es posible que debamos mover también Starting Point, en ese caso pulsamos en su punto de mira.

Empezamos a crear claves de animación para la espada.

Desplegamos la espada.

8. Finalizamos la animación. Vamos desplazándonos en el tiempo con el indicador azul y creando claves de animación para la espada. Para ello sólo debemos modificar la posición de Starting Point y Ending Point de la espada, ya sea pinchando y arrastrando la cruz que bordea la espada en la ventana Composición Espadas Láser, o pinchando en los puntos de mira de la ventana Effects Control. Previsualizamos la escena mediante la ventana Time Controls y pulimos todos los detalles añadiendo todas las claves que hagan falta. Al final, tendremos un montón de claves en la ventana Time Layout. Esto es un poco tedioso, que es absolutamente necesario, estamos animando fotograma a fotograma…

Creamos todas las claves de animación para la espada.

9. Guardamos el proyecto como EspadasLaser.aep.

En el siguiente capitulo: Corregiremos los posibles fallos mediante el uso de máscaras…