viernes, 29 de marzo de 2013

EL ACTOR SECUNDARIO Y LOS EXTRAS

Un actor secundario o actor de reparto es un actor que interpreta personajes en obras, películas o series, acompañando a los actores protagonistas.

 A menudo, pero no necesariamente, los actores secundarios son actores de género. El nombre es generalmente usado para describir actuaciones en particular, un actor puede ser secundario en una producción y protagonista en la siguiente. El actor que tipicamente interpreta papeles secundarios es considerado un actor de género o de carácter.

Los personajes secundarios pueden ser fundamentales o vitales para la trama. Para reconocer la importancia de este trabajo, la industria del cine, el teatro y la televisión entrega premios en categorías especificas al Mejor Actor de reparto y Mejoz Actriz de reparto.


Figurante o extra es aquel actor que aparece en las representaciones audiovisuales como figura de fondo. Generalmente no posee calificaciones artísticas, por lo que no suele realizar ningún otro papel que implique cantar, hablar o bailar. Sin embargo, su presencia es muy importante. Son esas personas que recrean el ambiente de una escena, bien ejecutando acciones secundarias, para dar realismo a la misma o haciendo cruces (paseando por la calle o el plató a veces entre la cámara y los actores), para crear una sensación de casualidad. Ninguna película o serie sería posible o imaginable sin ellos. Las películas bélicas o épicas suelen requerir de muchos extras. 


En España se distinguen varias categorías:
  • Figuración Normal: Figuras de fondo actuando en plano secundario, no se les suele distinguir la cara.
  • Figuración Fija: aquellos figurantes que por exigencia de guión o por las características de la producción aparecen reiteradamente porque la historia transcurre en un pueblo pequeño, un local, un espacio reducido... y normalmente aparecen las mismas personas.
  • Figuración Especial: Es aquel figurante que aunque no tenga texto tiene planos principales, actuación especial o interacción con los actores, recibe una remuneración algo mayor que el normal que varía según el tipo de actuacion o planos que tenga (pelea, desnudos, bailes, o cualquier situación que requiera unas características específicas).
  • Figuración con frase: Figurante que en ocasiones dice una frase a modo de pie o réplica. Dicha frase no debe superar los 70 caracteres y tiene una remuneración más alta. Si tiene más frases o estas son reiteradas, pasaría a ser actor de reparto y apareceria en créditos y dejaria de ser considerado figurante.

martes, 26 de marzo de 2013

BREAKDOWN: O DE COMO SE DESMENUZA UN GUIÓN

 
Después de tener concluido el guión literario, el siguiente paso logico, es llevar a cabo un breakdown, anglicismo utilizado en la jerga cinematografica y el cual consiste en desmenuzar el mismo en partes. Este desglose es la base para que el director organice la grabación y sitúe en el tiempo y en el espacio los elementos que necesitará para así obtener el mínimo costo con la mayor calidad posible.

RECOMENDACIONES INICIALES
  1. Este trabajo se debe llevar a cabo cuidadosa y minuciosamente, ya que un descuido se traduce en pérdida de tiempo o dinero.
  2. El director, el asistente de dirección y el director de fotografía, deben trabajar en conjunto para realizar el breakdown.
ANTES DE EMPEZAR
  • Debes tener listo el guión literario.
  • Deben estar resueltos técnicamente todos los problemas que cada escena plantea.
  • Debes tener una idea general de todos los elementos que intervienen en una escena.
Es importante resaltar que se hace una hoja de breakdown por cada escena del guión.
Hay algunas excepciones, por ejemplo cuando es una llamada telefónica; en ésta se tendría que hacer una hoja de breakdown por cada locación en donde esté cada uno de los que hablan por teléfono. Debes adaptar y ajustar el formato a cada producción porque puede llegar a variar en algunos casos especiales.

Cada secuencia se realiza en un determinado escenario con la siguiente clasificación:
  • Interior Día
  • Interior Noche
  • Exterior Día
  • Exterior Noche
El desglose debe ser tan gráfico como sea posible a fin de que sirva de referencia inmediata para la grabación. Por tal razón, se utiliza una clasificación por colores que permite ubicar rápidamente los escenarios involucrados en cada secuencia. De esta forma tenemos básicamente las 4 combinaciones de posibilidades, las cuales fueron enlistadas anteriormente.

Estas son las categorías que se identifican como las más comunes en un breakdown:
  • Talento (Cast): todos los personajes que aparecen en el guión por escena. Va por orden de aparición.
  • Dobles (Stunts): personas que hacen las escenas de peligro y que sustituyen al actor.
  • Extras de atmósfera: son las personas que llenan el espacio para crear una atmósfera más real a la escena.
  • Extras – silent bits: son aquellas personas que tienen una pequeña participación en el guión y pueden llegar a decir algunos diálogos. Ejemplo: Mesero que se acerca a la mesa y le da la cuenta al protagonista.
  • Decoración del set o locación: son todos los elementos de decoración que se mencionan en el guión: cuchillo, zanahoria, ingredientes para la sopa.
  • Efectos especiales: éstos no son los de computadora si no los que ambientan naturalmente. Ejemplo: lluvia, fuego, agua, etc.
  • Utilería (props): la palabra “props” proviene del inglés property, que significa propiedad. Todos los objetos que porta y/o interactúa el actor van en esta categoría.
  • Vehículos/animales: vehículos que salen a cuadro, los carros que pasan por la calle. En el caso de los animales, se especifica qué animal y se apunta la necesidad de un entrenador – en su caso.
  • Vestuario: sólo el que se especifica en el guión, por ejemplo: la bufanda con la que se tapa el frío el actor o la camisa que se mancha en la escena.
  • Maquillaje y peinado: sólo si es algo especial que se mencione en el guión. Si el actor corre en la escena se infiere que puede estar sudado; aquí van también los efectos especiales de maquillaje, como alguna caracterización de algún personaje que necesita envejecer; moretones, cortadas; etc.
  • Efectos sonido, música: cualquier sonido o música que se especifique en el guión: El claxon de un carro, el sonido de la radio, etc.
  • Equipo especial: si es necesario utilizar una grúa, lentes o cualquier otro equipo especializado que se requiera para llevar a cabo la escena.
  • Notas de producción: cualquier observación a destacar sobre la escena en donde la producción tenga que poner especial atención; alguna duda que se necesita investigar con el director o con algún departamento específico.
A continuación veamos un formato para hacer un breakdown, aunque, no es necesario uno en concreto... y cada director suele tener el suyo más o menos personalizado.


jueves, 21 de marzo de 2013

MONTAJE CINEMATOGRAFICO (EN FUNCIÓN DEL CONTENIDO)

El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.

Hay muchas maneras de hacer dicho montaje y una de ellas es según el contenido. 


Tipos de montaje:

Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.

Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.

Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.

martes, 19 de marzo de 2013

EL DIRECTOR DE CINE

El director de cine o director cinematográfico (en algunos países también realizador) es la persona que dirige la filmación de una película, da instrucciones a los actores, decide la puesta de cámara, supervisa el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

Previamente habrá intervenido en numerosas labores, principalmente la realización del guion técnico (encuadre, plano, movimientos de cámara, objetivo y angulación), como la selección o casting de los actores y de los demás profesionales, los escenarios naturales en los que se rodará la película, los decorados, o la redacción final del guion.

El director de cine es el auténtico “autor” de la película. Aunque el guión, es primer eslabón de la cadena creativa, no se le puede atribuir al guionista el calificativo de autor (sólo cuando coincide con el director), porque éste describe una película propia únicamente para que el director la interprete. El guión como ya se dijo no es la obra, no es la película.

El director debe:

-visualizar (el guión) la imagen, decidir que es lo que sobra, lo que falta, lo que hay que cambiar…

-improvisar en muy poco tiempo soluciones eficaces cuando las condiciones de rodaje no se ajustan a lo imaginado o a lo especificado.

-acomodar lo que tiene a la situación y olvidarse de lo que debería haber sido.

-corregir errores y expresivizar su trabajo, adecuando las imágenes rodadas a la narración, en el montaje.

-prever durante el rodaje que imágenes va a necesitar después en el montaje. (“el director debe controlar el pasado -la preparación-, el presente -el rodaje- y el futuro -el montaje-”).

-controlar los distintos componentes de la película, su idoneidad, pertinencia…, el ámbito, el tono… debe controlarlo todo (“el director es como Dios en el rodaje”).


Historia

La importancia que se le ha dado al director en la historia de cine ha ido cambiando. Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y el personaje más relevante era el actor o la actriz, y el director era, en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día la filmación.

Fue primero en Europa y más tarde en Estados Unidos donde el director fue adquiriendo mayor relevancia hasta llegar a considerarlo como el autor de un filme.

Terminología: director y realizador

En cine, el término realizador se considera sinónimo de director. En televisión, en cambio, el realizador es, por lo general, quien dirige la fase técnica de grabación tanto en estudio como en exteriores, mientras que el director o director general puede ser el responsable de los contenidos de un programa. Hay también un director de piso y uno de iluminación, de fotografía, etc. En el cine, el realizador interpreta el guion, dirige los actores, determina planos y ángulos de cámara, luz, movimientos de cámara y duración de la toma, entre otras cosas, lo que hace al realizador homólogo de director de cine. Hoy en dia los directores de cine son reconocidos como los autores del producto audiovisual en el que trabajan.

El realizador es el responsable de plasmar en imágenes los contenidos del guion de una película, o de un programa de televisión.

En América Latina (al igual que en los Estados Unidos) no existe esta acepción del término realizador, sino únicamente director o director general. En España ambos títulos se aplican indistintamente para directores de cine, mientras que realizador se aplica a los profesionales que tienen funciones equivalentes al del director cinematográfico.

En México, el rol del director de cine es un oficio que no cuenta con mucho apoyo ni mucha tecnología para su plena realización, ha sufrido por muchos años de condiciones políticas que comprometen la visión artística, sin embargo, en los últimos años ha habido un resurgimiento por varios directores que como lo son Alejandro González Iñarritu, Luis Estrada, Guillermo Del Toro y los hermanos Carlos y Alfonso Cuarón.

La formación del realizador de televisión es más amplia. Incluye la de dirección cinematográfica y requiere un mayor conocimiento y práctica para la ejecución de programas en vivo, tanto en estudio como en exteriores con múltiples cámaras. Esta labor implica el control simultáneo de equipos electrónicos muy sofisticados y la coordinación de otros profesionales que colaboran en el estudio, control técnico, unidades móviles y estaciones de televisión (camarógrafos, grafistas, iluminadores, escenógrafos, técnicos de sonido, mezcladores, técnicos de VTR, técnicos de enlaces, ingenieros, etc.).

La expresión proviene del término realisáteur, usado en Francia tanto en cine como en televisión para los directores.

jueves, 14 de marzo de 2013

ANIMATRONICS

Los animatrónicos , son cualquier personaje (persona, animal ó pieza) que utiliza componentes electromecánicos, como servos, solenoides o neumáticos, para simular o imitar movimientos de criaturas u objetos, reales ó de fantasía. Su control puede ser mecánico, programado o de radio control.

La principal utilidad de la animatrónica se da en el campo de la cinematografía y los efectos especiales, aunque también se emplea con frecuencia en los parques temáticos y en otras ramas de la industria del entretenimiento. Su principal ventaja respecto a las imágenes generadas por ordenador o la técnica de stop motion es que no consiste en una simulación de la realidad, sino que presenta ante la cámara auténticos objetos que se mueven en tiempo real. Con los años, la tecnología que da soporte a la animatrónica se ha ido haciendo más y más compleja, produciendo marionetas cada vez más realistas y, aparentemente, vivas.


Los más pequeños de la casa ni si quiera sabrán como es posible que salgan bestias mágicas, horribles monstruos y criaturas varias con vida propia en la pantalla, ellos no lo saben, pero detrás de todo esto existe una gran labor con robots Animatronics que son cada vez más espectaculares, recogiendo incluso los movimientos faciales a la perfección.

Los muñecos animatrónicos se emplean en cine y televisión para representar personajes que no existen en el mundo real, en situaciones de riesgo o en las que no sería rentable el uso de actores o animales, o en aquellas en las que las acciones a realizar no podrían conseguirse con personas o animales auténticos.

Sus principales componentes son:
  • El servo: Es el “músculo” detrás de la mayoría de los movimientos de los animatrónicos. En general consisten de un motor, un circuito integrado, un potenciómetro y un eje. Recibe una señal electrónica de posición desde un dispositivo de entrada (R/C) y transmite el movimiento, ya sea directo a la pieza en cuestión o a otro elemento (hilo, chicote, gancho, palanca, etc.). Existen de diferentes fuerzas, y son muy comunes en el pasatiempo de vehículos de radio control
  • El pistón linear: Este es un mecanismo simple de pistón (se mueve linealmente). Es una versión limitada en función, de un servo, con la opción de poder ser mas grande, fuerte y veloz.
  • El potenciómetro: Es una resistencia de control, en forma lineal o rotacional. Su movimiento transmite una posición en forma mecánica (como la perilla de un stereo viejo) o electrónica (R/C).
  • Los R/C: Radio Control: Es un método inalámbrico de control de servos, pistones lineares, motores y otros sistemas electro-mecánicos, para que tus animatrónicos no tengan un gran cordón umbilical colgando de ellos. (claro que al final descubres que no hay espacio para las baterías y al final tienes que sacar un cable). Los “efectistas” profesionales utilizan equipo de mayor grado tecnológico, alcance y controles (hasta 256 canales y 150 m.).


lunes, 11 de marzo de 2013

DISEÑO ESQUEMATICO DE ESCENAS COMPLEJAS

Hollywood Camera Work ha creado, una nueva aplicación para la creación de escenas complejas, mediante el uso de un programa que crea esquemáticamente la distribución de las mismas y su desarrollo a lo largo de cada toma.

Shot Designer, permite a los realizadores y directores de fotografía crear diagramas animados de flujo completo con planos fijos y posiciones de la luz cambiantes ayudados por una lista de tomas integrada.

Es na verdadera herramienta, no un juguete, Shot Designer es muy profesional, es en gran medida un utensilio para crear diagramas 2D en el que también es posible integrar tramas de guión gráfico.


Es muy rápida, la aplicación sabe cómo funciona la dirección y hace la mayor parte del trabajo. (Como mover automáticamente las cámaras cuando se mueven los caracteres). Es tan rápido que se puede utilizar hasta con los actores esperando.


Anima tus personajes y cámaras para moverse alrededor de su diagrama en tiempo real. Previsualiza el ritmo de una escena y ve como se desarrolla.


Puede utilizar Storyboards en su proyecto. Los Storyboards son grandes aliados para las secuencias de acción, pero su representación es difícil y trabajosa de manera completa, siendo más fácil de hacer en un diagrama de flujo. 


La aplicación, está disponible para iOS 4.0 +, Android 2.2 o superior, Mac OS X 10.6 + y Windows. Es libre de utilizar para una sola escena, o $ 19.99 para la edición Pro, que también le da herramientas de gestión de archivos y exportar a PDF o Excel. Además, con la compra de la versión para móviles de la edición Pro también tiene el Windows y las versiones de OS X de forma gratuita.

Pagina oficial y DESCARGAS.

domingo, 10 de marzo de 2013

EL RITMO CINEMATOGRÁFICO.

En un material audiovisual, a lo que se consigue a partir de una buena combinación de efectos y de una planificación variada, se le llama ritmo. y constituye uno de los elementos que contribuirá más a hacer que las imágenes tengan o no atractivo para los espectadores.

Para determinar el ritmo que conviene imprimir en el una filmación habrá que tener presente el público al que va dirigida y las sensaciones que se quieren transmitir. El ritmo deberá estar al servicio de la narración pues...


Se pueden considerar dos formas básicas de ritmo:

RITMO DINÁMICO: Cuando un audiovisual tiene un RITMO DINÁMICO transmite al espectador una sensación de dinamismo y acción. El ritmo dinámico se consigue mediante la utilización de muchos planos cortos ( plano medio, primer plano...) y de corta duración. El cambio rápido de planos dará sensación de ritmo. Hay que tener presente que el uso de planos demasiado breves puede dificultar la asimilación de la información por parte de los receptores.

RITMO SUAVE: Cuando un audiovisual tiene RITMO SUAVE transmite al espectador una sensación de tranquilidad. El ritmo suave se consigue utilizando planos largos y poco numerosos. Cuando se presenta un plano general hay que dar más tiempo al espectador para su lectura ya que acostumbra a contener más información que los planos cortos. Hay que tener presente que el uso de planos demasiado largos puede crear un ritmo demasiado lento y hacer perder el interés de los espectadores. Cuando se observen dos planos de igual duración parecerá más lento el que contiene menos información.
No se ha de confundir el ritmo con la velocidad con la que suceden los acontecimientos.

El ritmo de un film también está también supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados: La MUSICA, La VELOCIDAD de los OBJETOS que INTERVIENEN en la TOMA. La PROPIA VELOCIDAD de la CAMARA, Etc...

Clases de ritmo:
  • Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
  • Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
  •  In crescendo: Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
  • Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.


 Según Sergei M. Eisenstein, al cual se le considera para muchos, el padre del ritmo en el montaje, este considera que la materia prima del cine no es la realidad sino el medio cinematográfico, o lo que es lo mismes por medio del montaje ritmico.

Cataloga cinco tipos de ritmo en el montaje. No es que el los invente, sino que, en su reflexión, los plantea, teoriza, y reflexiona:
  1. Montaje métrico: Es el más sencillo, el primero en la escala de complejidad. Es el más puramente matemático, que se basa en montar los planos según su duración A este tipo de montaje pertenecerían, por ejemplo, los montajes actuales de los videoclips, en los que los planos se corresponden con los acordes. 
  2. Montaje rítmico: Segundo grado de complejidad. Como su propio nombre indica, tiene en cuenta los ritmos y movimientos dentro del propio encuadre.  
  3. Montaje tonal: Tercer grado de complejidad. Va destinado a crear emociones y sentimientos, de manera que todos los elementos que conforman el plano se asocian para proporcionar un tono (emocional) dominante a la narración. 
  4. Montaje sobre tonal o Armónico: Cuarto grado de complejidad. Parte del montaje tonal, de manera que los diferentes elementos del plano se combinan para generar no uno, sino diversos tonos, que se combinan armónicamente en la narración. 
  5. Montaje intelectual: Quinto grado de complejidad. Es el que explota la metáfora visual. No busca sentimientos, tonos, sino que busca que el espectador asocie imágenes para crear un significado abstracto complejo, intelectual.

viernes, 8 de marzo de 2013

ERRORES DE CONTINUIDAD CINEMATOGRÁFICA

Continuidad cinematográfica o raccord hace referencia a la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación, a fin de que no rompan en el receptor, o espectador, la ilusión de secuencia. Cada plano ha de tener relación con el anterior y servir de base para el siguiente.

Salto de raccord o error de continuidad, significa que se ha producido un fallo construyendo esa narración. En las series y películas no se graba todo de un tirón, sino que una escena puede grabarse hoy, y la siguiente dos semanas después. Luego se montan y parece que todo es un tiempo continuo. A eso nos referimos con continuidad.

Todo esto es controlado por el llamado continuista. La función de continuista o script es una profesión relacionada con la elaboración de una película de cine o televisión. Corresponde a la persona encargada de supervisar la continuidad de un proyecto audiovisual en todos sus aspectos visuales y argumentales, de tal modo que el hilo temporal en el que se narra la historia no experimente ningún salto de continuidad a ojos del espectador.

Su cometido es que las secuencias y planos que conforman el guion, una vez montadas, mantengan una continuidad en todos sus aspectos. Ello es así porque por diversos motivos (económicos u organizativos) las secuencias se graban o ruedan habitualmente en orden distinto al narrativo, incluso en días diferentes.

Es sobre todo en las películas de serie "B" o bajo presupuesto, donde se suelen notar mas este tipo de errores de continuidad o raccord, aunque hay películas supertaquilleras que también los tienen y gordos (Ver vídeo). Una de las diferencias entre “lo cutre” y lo bien hecho reside en que esos pequeños detalles estén bien conseguidos y se cuiden al mínimo. Pero somos humanos, y en alguna que otra ocasión se nos ha escapado alguno de esos detalles, cuando en televisión el realizador ha colocado la cámara en el sitio indebido, cuando en una conversación entre dos personas en una cafetería la taza de café aparece llena en un plano, en el siguiente medio vacía y después vuelva a estar llena, así sucesivamente (Normalmente, porque los actores no se están quietos o nerviosos y no paran de beber y de comer, ver imagen). 


Otro de los tipos de fallos o saltos de raccord (que personalmente considero) es el “salto de eje“, y la consecuencia que tiene para los espectadores es como si viésemos algo raro, nos desubicamos mentalmente en el espacio porque no se muestra bien en que lugar queda cada elemento de la escena. Esto es muy importante y se debe de vigilar especialmente. Pero también existen otros...

Tipos de continuidad:
  1. La continuidad en el espacio: Líneas virtuales, dirección de los personajes, gestos y miradas.
  2. La continuidad en el vestuario y en el escenario: Ya que las películas no se registran siguiendo el guión secuencial, hay que asegurarse de que el vestuario de los personajes y su entorno no cambie sin razón.
  3. La continuidad en la iluminación: Que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro de un mismo espacio y secuencia.
  4. La continuidad de interpretación: También, es muy importante que los actores y actrices cuiden la continuidad, no sólo espacial (la dirección a la que se dirigen, etc.) sino de su interpretación. Deben cuidar factores como el tono de voz y la expresividad, para que resulte natural en cada cambio de plano.


Véase también:

Otras entradas anteriores: Continuidad o Raccord y El Continuista.

miércoles, 6 de marzo de 2013

PLANIFICACION DE RODAJE

Una vez concluido o decidido el guion literario que vamos a rodar. Es el momento de ponerse manos a la obra. Pero esta es una fase de la producción cinematográfica, que no ha de tomarse a la ligera, puesto que la no racionalización de la misma, nos puede costar mucho tiempo y dinero perdidos. Para ello, deberemos de elaborar lo que se llama... Planificación de Rodaje.


Lo primero que tenemos que hacer es el guión técnico, que normalmente, es un guión elaborado por el director o el realizador del vídeo, en ocasiones ayudado por el autor, y que después de un estudio y análisis minucioso del guión literario, se pueden suprimir, incorporar o cambiar pasajes dhas tomas.

En el guión técnico se detallan las secuencias y los planos, se ajusta la puesta en escena, incorporando la planificación e indicaciones técnicas precisas: encuadre, posición de cámara, decoración, sonido, playback, efectos especiales, iluminación, etcétera. En esta fase, se suele realizar el story-board que consiste en dibujar viñetas de cada plano que hemos planificado en nuestro guión técnico indicando la acción que corresponde.

En resumen, el guión técnico es una parte muy importante en la planificación del rodaje y ofrece todas las indicaciones necesarias para poder realizar el proyecto. Al guión técnico le sigue un bloque que contiene la descripción de la acción, de las actrices y los actores, sus diálogos, efectos, músicas, ambiente y las características para la toma de sonido.

Esta primera etapa de elaboración del guión y de la preparación de todo lo necesario para poder grabar se denomina etapa de preproducción. Y una vez que tenemos elaborado el guión y sabemos qué queremos contar y cómo queremos contarlo, tenemos que empezar a preparar todos los medios técnicos y humanos para poder realizar nuestro proyecto.

Tenemos que definir todos los medios que necesitamos:
  1. Medios técnicos: cámaras de grabación, trípodes, objetivos, micrófonos, iluminación, cintas, baterías, etc.
  2. Medios artísticos: Vestuario, decorados, mobiliario, atrezzo.
  3. Medios humanos:  Personal técnico: realizador, productores, cámaras, sonidistas, iluminadores, decoradores, maquilladores, montadores, etc. Personal artístico: actores y actrices. En el caso de producciones de documentales en los que habitualmente no se cuenta con actores, tendremos que definir las personas que vamos a entrevistar o vamos a grabar. 
Otro punto muy importante de esta primera etapa de preproducción es decidir las localizaciones , que son los lugares donde vamos a grabar: tanto si son interiores (naturales o decorados), como si son exteriores, de día o de noche.

Toda esta información debemos organizarla para realizarlo de manera planificada, efectiva y con el menor coste económico posible. Cuantos más medios necesitamos y más personal interviene, mejor planificado debemos tenerlo todo. En el rodaje de una película interviene mucha gente y muchos medios. En producciones más modestas también debemos realizar una buena organización para aprovechar al máximo los medios con los que contamos.

Algunas de las herramientas que debemos elaborar antes de la grabación son:
  1. El desglose : Se utiliza sobre todo en producciones de ficción. consiste en establecer de manera detallada las necesidades para llevar a cabo el guión desde el punto de vista artístico, material, técnico y de actores y actrices; secuencia por secuencia. Esto permite determinar el conjunto de elementos necesarios para el rodaje y así elaborar un plan de trabajo. 
  2. El plan de trabajo : Es un documento realizado por el productor/realizador que planifica y organiza las fases de rodaje. Pretende que visualicemos de forma rápida el conjunto de los días, con los aspectos concretos de cada uno, y organizar el rodaje de tal manera que se puedan agrupar las secuencias que compartan elementos comunes de cara a ahorrar desplazamientos y otros costes. (Por ejemplo: supongamos que en la película, hay dos secuencias que discurren en el desierto. una al principio y otra al final. Pues bien, rodarlas, habría que rodarlas seguidas, no vamos a rodar una, nos vamos a ir por ejemplo a la playa y luego vamos a venir a rodar la otra. Seria una perdida de tiempo y de dinero. pues esa es la función del plan de trabajo, la racionalización del mismo.). En el plan de trabajo se indican los miembros del equipo de rodaje, los actores que intervienen en esas tomas, los días que participan en la grabación, el número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la aparición de secundarios y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar disponibles para cada jornada de trabajo.
  3. El presupuesto : Tiene como objetivo evaluar el coste total de la producción audiovisual que vamos a realizar.
 Un ejemplo:

lunes, 4 de marzo de 2013

CONTROL DE MOVIMIENTOS

TRUCOS DE CINE - El Control de Movimiento.

Dentro del mundo del cine y concretamente dentro del de los efectos especiales, hay una disciplina particularmente espectacular, que consiste en controlar el sistema de cámaras, mediante el uso de computadores y sistemas mecánicos robotizados para logar una sucesión de movimientos programados, en los que después poderlos repetir exactamente, ya sea en otro plano de croma y o/a distintas escalas o fusión de planos. O bien, ya sea para mezclarlos con maquetas o imágenes generadas por ordenador y así poderlas sincronizar perfectamente, logrando una sensación de realismo extraordinarios, que antes y sin la ayuda de esta técnica, era imposible conseguir.


El precursor de la misma, fue George Lucas allá por año 1977, que la incluyo en la Guerra de las Galaxias, consiguiendo resultados extraordinarios para aquella época y nunca vistos hasta la fecha. A llovido mucho desde entonces y también la técnica ha sufrido infinidad de mejoras, principalmente debido al uso de ordenadores más potentes y al avance de la electrónica y la microrobotica. Pero en el fondo la base es la misma.

A modo de ejemplo, os dejo este fantástico documental en el que se resumen y explican bastante bien, las técnicas de control de movimientos y otros, en los que es la primera entrega de otros muchos... Trucos de Cine y Efectos Especiales...

viernes, 1 de marzo de 2013

TRASPLANTE DIGITAL DE CARAS EN VIDEOS

Un estudiante de Harvard de nombre Kevin Dale a creado una nueva técnica que automatiza casi por completo el proceso de reemplazar la cara de una persona en un vídeo por otra.

Esta técnica se lleva utilizando hace años (Es lo que por ejemplo permitió hacer los efectos especiales del cuerpo del Capitán América en su última versión de Hollywood), pero a la fecha este es un trabajo que requiere de muchísima intervención manual, en donde artistas especiales tienen que retocar casi cuadro-por-cuadro el video para hacer que esto funcione bien.


Pero ahora, con la nueva técnica desarrollada, este proceso se puede automatizar... y aunque quizás por el momento los resultados no sean tan buenos como los procesos manuales, esto sin duda permitirá una nueva generación de software de bajo costo para que cualquier persona común o pequeñas empresas de bajo presupuesto puedan llevarlo a efecto y de paso apunta a futuras versiones que posiblemente hagan un mejor trabajo automatizado que el mejor de los procesos manuales realizado hoy día.

Sin embargo, esto es sólo el principio de algo más impresionante aún. Por el momento este software requiere de unos 20 minutos en un PC promedio para renderizar apenas 10 segundos de video, pero conforme se optimice el algoritmo y se utilice hardware más potente, esto se podrá hacer en tiempo real (similar al video de abajo). Y cuando ese tiempo llegue será de utilidad también para nosotros el reemplazar nuestra cara en medio de una video-conferencia, o incluso reemplazarla por una versión más joven o mayor de nosotros mismos (lo que hará que dudemos de todo lo que veamos en formato digital en los próximos años).