miércoles, 29 de mayo de 2013

SISTEMA DE VÍDEO POR COMPONENTES


image Esto es un formato de transmisión de señal de vídeo, que codifica el canal de luminancia y crominancia, además de separar los colores primarios RGB.

Las tres señales de vídeo se registran de forma independiente durante el proceso de grabación, para ello se precisan tres cables, cada uno de ellos transporta una señal.

Este sistema hace que la imagen tenga una buena calidad, aunque la resolución es de sólo 625 líneas horizontales por 700 líneas verticales.

La señal de vídeo por componentes o YPbPr es la mejor manera de transmitir señales de vídeo analógicas gracias al RGB (rojo, verde y azul) o euroconector (SCART).

La señal de vídeo por componentes emite únicamente señales de vídeo.  

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Las conexiones para la señal de vídeo por componentes se reconocen por sus tres conectores RCA individuales. YCbCr es la versión digital de YPbPr.

Las señales de vídeo por componentes analógica y digital no son compatibles. 

image El uso de tres señales para una imagen no hace más que triplicar la capacidad necesaria de almacenaje o transporte. Por ello es necesario reducir el ancho de banda necesario y eso se realiza mediante la conexión YUV o de vídeo por componentes.

La señal YUV es idéntica en contenido a la señal RGB, pero existe una clara diferencia: en vez de almacenar los tres valores RGB, se utiliza una combinación que matemáticamente ofrece los mismos resultados pero ocupa menos espacio. De esta manera cada componente de la señal RGB ocupa un ancho de banda de 5MHz, mientras que la señal YUV requiere un menor ancho de banda: 5 MHz para la Y y 1MHz para cada componente U y V. 

Son igualmente tres señales: la señal Y, luminancia, ofrece la información de los valores blancos y negros y las otras dos señales, Cb y Cr, permiten conseguir las tres diferencias de color RGB pero en menor tamaño. Por ello la señal de vídeo por componentes se conoce también como Y, Cb, Cr.

La señal resultante es de tipo progresivo, proporcionando una imagen libre de parpadeo, con mejor resolución vertical y un movimiento más suave.

lunes, 27 de mayo de 2013

iRig. Adaptador de audio línea con preescucha a tiempo real para iPhone, iPad y iPod

Si tienes... un iPhone, un iPad, o un iPad, y quieres usarlo como grabador de audio de alta calidad para tus producciones: cortos de cine, ruedas de prensa, entrevistas... iRig adapta la entrada de audio, (a nivel de línea) y además te permite conectar unos auriculares para monitorizar en tiempo real lo que estas grabando. 

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iRig tiene un conector Jack para introducir el audio del línea, y un conector mini-Jack para conectar unos auriculares, o un amplificador, o unos altavoces auto-amplificados, o una mesa de mezclas... y poder tener pre-escuchar en tiempo real de lo que está grabando el iPhone, iPad o iPod.  
También necesitarás instalar alguna App de Grabación, como VocaLive, IRig Recorder o StudioMini.

Estas Apps también funcionan con el micro interno del iphone, pero cuando conectas un micro externo, automáticamente apaga el micrófono interno y habilitan el externo. Además, permiten la escucha en tiempo real de lo que estás grabando. Sin estás Apps, sólo podrás escucharlo si lo reproduces una vez terminada la grabación.

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Las aplicaciones son gratuitas y totalmente operativas, aunque si compras la versión de pago, consigues mejoras notables, como por ejemplo convertir el iPhone, iPad o iPod, en un grabador multipistas de 4 canales...

NO SIRVE PARA GRABAR CON AUDIO DE MICRÓFONOS  

Puedes utilizar las aplicaciones que comentamos anteriormente con un micro externo, o con el propio micrófono del iPhone, pero el resultado no será óptimo, porque el nivel de micro es menor que el nivel de línea. Se grabará con poco volumen y cuando queramos reproducir lo grabado para escucharlo, oiremos un ruido de fondo. 

Para grabar audio de micrófonos tienes varias alternativas:

iRig Mic, que viene con su micrófono de mano incluido.

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iRig Cast, que viene con su micro integrado.

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iRig PRE, que adapta impedancias y hace de previo de micro, puesto que lleva una pila de 9V para amplificar la señal.

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Con iRig PRE, podrás usar cualquier micro externo, como el Shure SM58, o cualquier otro similar, la calidad de tus grabaciones mejorará notáblemente, consiguiendo resultados totalmente profesionales.

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Otros "inventos" que hemos probado anteriormente, no dan buenos resultados, pues se trata de cables y conectores pasivos, es decir, sin ningún tipo de electrónica de tratamiento ni adaptación de la señal de audio. Ni adaptan impedancias, ni acoplan niveles, por lo que  pueden introducir algún ruido o zumbido en las grabaciones. Tampoco permiten la pre-escucha simultánea del audio que entra, básico a la hora de asegurar nuestro trabajo, y sólo permiten la escucha una vez terminada la grabación.  

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lunes, 20 de mayo de 2013

Formatos de eBook: Guía de iniciación

image Es fácil para el principiante perderse en la amalgama de formatos de libros electrónicos, cuando feliz acaba de adquirir su nuevo libro electrónico, llevado por las promesas de facilidad y abundancia para su afición lectora. Algunos de ellos le sonarán de nombre e incluso los haya utilizado en el ordenador más de una vez, y otros serán completamente nuevos. Y aunque parezcan todos iguales, no es en absoluto así y ni siquiera todos ellos ofrecerán lo mismo ni la misma facilidad de uso una vez abiertos desde el lector.

Por esa y otras razones, he aquí esta pequeña y ligera guía de los principales formatos de eBook, que te permitirá decidir y saber a grandes rasgos que esperar de cada uno de ellos cuando inicies su lectura. Y como el conocimiento es poder, los enumeraremos y comentaremos las características claves.

Uno de los más comunes es el PDF, versátil archivo de texto no modificable, que permite la inclusión tanto de imagen como de texto. Su principal ventaja es la compatibilidad, y su inconveniente es su poca adaptación cuando se trata de variar el tamaño de letra, ya que al hacerlo perderá la configuración de párrafos y se reordenará para adaptarlo a la pantalla. Esto puede resultar un tanto incómodo, pero es cierto que si el PDF tiene ya diseñada de base una fuente de tamaño adecuado para el lector, no tendremos problema alguno y será muy cómodo de leer.

image El principal formato creado específicamente para eReaders es el ePub, quizá el más común a la hora de comprar eBooks y el que mejor admite las variaciones de tamaño de letra, respetando los párrafos y el paginado. Es el más cómodo y de los que mejor optimiza peso (tamaño) del archivo, con lo que será más fácil de manejar por el lector. Posiblemente, es el más recomendable, si bien para poder visualizarlo en el ordenador deberéis tener un reproductor específico para este formato.

image Los clásicos Doc del Word de Office suelen ser bastante compatibles, si bien sufren un problema similar al de los PDF, el de la paginación irregular cuando se cambia el tamaño de letra. Es cómodo por no tener que convertir los archivos que tengamos en el ordenador en este formatos, como redacción, documentos o artículos, pero siempre teniendo en cuenta esta limitación.

Ocurre parecido con los eBooks en HTML, que son ligeros y manejables, pero tienen el mismo problema con la paginación y distribución de los párrafos. Su principal ventaja es la de ser el formato estándar de la Web, con lo que cualquier texto directamente guardado de mientras estemos navegando por Internet, podremos disfrutar de él en nuestro eReader portátil.

image Mobi es el formato nativo del lector de Amazon Kindle, uno de los más vendidos del mundo, y como tal está optimizado para su lectura en estos dispositivos, con lo que carece de problemas de repaginación o redistribución de párrafos al cambiar el tamaño de la fuente. Es compatible con casi todos los lectores si el eBook carece de protección de derechos (DRM), pero si los tiene, como son casi todos los adquiridos en su tienda de Amazon, sólo funcionarán con el mencionado lector Kindle, lo que los hace poco prácticos para los que tienen un lector de otra marca (que en España son la mayoría). Muy similar es el PRC (de Mobipocket), variación de este último.

image RTF y Lit son otros formatos, de origen muy anterior a los eReaders, pero que resultan compatibles con la mayoría de lectores. Al igual que los TXT, son formatos de texto muy ligeros, muy fáciles de interpretar por la gran mayoría de lectores y con gran adaptabilidad a sus pantallas, pero que se usan muy poco y de los que no se encontraran muchos libros.

Existen más formatos de uso muy poco frecuente, como son los DJVU, OEB, o los oPF, además de aquellos diseñados específicamente para lectores concretos, con codificadores que impiden su lectura en dispositivos diferentes, pero en nuestro país los lectores que más abundan no tienen este tipo de restricciones y están abiertos a más tipos de formatos.

Por tanto, simplificando, los formatos más recomendables serían el ePub, el Mobi, el PDF y el Lit, siendo como son los más adaptados a este nuevo tipo de lectura, y de los que encontrareis la mayoría de los títulos que podáis adquirir en las tiendas de libros electrónicos.

miércoles, 15 de mayo de 2013

DIFERENCIACIÓN ENTRE REALIDAD Y FICCIÓN

 Narrar, tiene su origen en la transmisión oral de historias…

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Pero una historia puede ser:

Real: se trata del desarrollo de la realidad. Los hechos los conocemos, y ahora lo que hay que hacer es contarlos. Esa narración de hechos reales es creación pura, casi nunca está sujeta a normas precisas, porque son los propios hechos los que van, en definitiva, a marcar el tipo de construcción narrativa que queramos hacer.

Ficticia: se trata de un desarrollo dramático, y aunque a priori, al pertenecer al mundo de lo “inventado”, pueda parecer menos sujeta a normas, es justo al contrario: el desarrollo dramático, al igual que una partitura, tiene mucho de estructura matemática.

Esta distinción nos lleva a la primera y más simple división de los géneros narrativos:

• Realidad: documental y reportaje
• Ficción: comedia, crimen, drama, tragedia y fantasía.


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Llegados a este punto debemos volver a hablar de un concepto esencial que no debemos olvidad nunca: la realidad se somete siempre a una interpretación propia de cualquier narración, así que la realidad que estemos mostrando será siempre una ilusión de lo real. Algo verosímil que parece verdadero. Esa es la magia del cine…

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martes, 14 de mayo de 2013

GRABACIÓN DE SONIDOS EN LA NATURALEZA.

Grabar sonido en plena naturaleza no es tarea fácil. Pero tampoco resulta demasiado difícil con un poco de idea. Para salir de esta aparente contradicción basta decir que las condiciones de trabajo no suelen depender de uno, por lo que, en general, se graba lo que se puede.

A diferencia de lo que ocurre en un estudio de grabación, donde todo está perfectamente controlado y medido, en el campo tenemos que aceptar que el viento, los ruidos, las distancias y el carácter esquivo y caprichoso de los animales forman parte del juego.

El resultado rara vez está en nuestras manos. Los medios técnicos nos permiten cierta aproximación a los animales, pero nunca sustituyen la capacidad para confundirse y pasar desapercibidos. El equipo de grabación de campo es relativamente sencillo. Una variedad de micrófonos -direccionales montados en reflector parabólico, de cañón, inalámbricos, etc.-, siempre en estéreo, y un buen grabador digital, son todo lo que se necesita. Además de mucha paciencia y capacidad para saber dónde, cuándo y qué vamos a escuchar. Es más un trabajo de naturalistas que de técnicos.

La grabación sonora tiene poco que ver con la toma de imágenes. El más direccional de los micrófonos no pasa de ser un “teleobjetivo” discreto, por lo que las distancias de trabajo han de ser muy cortas. Las ondas acústicas, además, rebotan, se reflejan en el terreno y llegan al oyente desde todas las direcciones, lo que reduce aún más el efecto direccional. Los ruidos parásitos (tráfico, aviones, perros, ciudades, etc.) contaminan el paisaje sonoro en amplias extensiones y a cualquier hora.

Pero no todo han de ser desventajas en comparación con los colegas de imagen. La noche es el gran momento para cualquier oyente, cuando, además de la oscuridad, la humedad y el frescor de la atmósfera facilitan la propagación de los sonidos. También los de niebla son días de fortuna, cuando no sólo es más fácil pasar desapercibido, sino que el paisaje suena mejor, sordo y silencioso. Al volver del campo el naturalista se convierte en técnico y pasa por el estudio de sonido. Es ahí donde se procede a seleccionar y limpiar los registros de ruidos parásitos, pero, sobre todo, donde se readapta la realidad natural, y sus tiempos, al nuevo soporte.


Como en el montaje cinematográfico, las secuencias sonoras se desarrollan en un nuevo tiempo artificial, distinto al natural. Así, acontecimientos que en pleno campo pueden tardar horas en producirse, deben concentrarse en unos minutos para transmitir al oyente, sentado ante una pantalla, un equipo de música o -más impaciente aún- ante un ordenador y con el ratón en la mano, una sensación creíble. Hay que tomar lo esencial, los momentos más descriptivos o sugerentes, para recombinarlos, mezclarlos entre sí y obtener un montaje verosímil que transmita a quien escucha la sensación de haber estado allí.

jueves, 9 de mayo de 2013

NO SE VA A NOTAR - Errores de Raccord.

Hoy os voy a dejar un pequeño corto, que circula por la red y que es muy instructivo para comprender lo que son los errores de raccord o errores de continuidad.

Así podréis comprender, porque yo me cabreo tanto en los rodajes... jajajajajajaja...



Más información sobre el tema en:

martes, 7 de mayo de 2013

EL DIALOGO

 
image En el mundo cinematográfico, es tan importante el diálogo, que ya en el cine mudo lo era (la mímica y los rótulos). Escribir un diálogo es una de las cosas más difíciles dentro de un guión.

La principal diferencia entre el diálogo narrativo y el teatral o el cinematográfico es que el narrativo se escribe para ser leído y el narrador puede aparecer en el relato; el de cine y el de teatro se escriben para ser representados y el narrador no aparece en escena: da la palabra exclusivamente a los personajes.

En algunas películas incluso, existen las figuras de guionista y dialoguista por separado. Pero para que los diálogos funcionen, se tiene que maquillar para que parezca real.

“Un diálogo realista no es una conversación real, sino un artificio. Un diálogo debe caracterizarse y ser conciso, porque sólo así puede ofrecer el sabor de la realidad.”

image (Leonard Tourney)

Las funciones del diálogo son:

  • Dar una información sin que la acción se detenga
  • Revelar una emoción
  • Caracterizar al personaje que habla, al que escucha y a aquellos de quienes se habla.
Pero el diálogo no es sólo lo que se dice, sino también lo que no se dice y se hace, lo que el personaje cuenta entre líneas, a eso se le llama “el subtexto”. No se dice lo que se quiere decir, aparece una voz en off contando sus pensamiento, un subtítulo. Pero en el caso del subtexto, es el actor, el intérprete, el que debe ser capaz de sacarle todo el jugo a su dialogo.

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Escribir un guión de cine o televisión es un trabajo de equipo y no una tarea solitaria como la del novelista.  El guionista debe transmitir constantemente información, tanto de forma visual como auditiva (incluso cuando «no pasa nada» a nivel de acción) . Todas las frases deben poder traducirse en imágenes visuales y sonoras. En esta transmisión de información, el narrador no existe, debe ser completamente objetivo.

viernes, 3 de mayo de 2013

EL CORTOMETRAJE


image Un cortometraje es una producción audiovisual o cinematográfica que dura menos de 30 minutos. Los géneros de los cortometrajes abarcan los mismos que los de las producciones de mayor duración, pero debido a su coste menor se suelen usar para tratar temas menos comerciales o en los que el autor tiene una total libertad creativa.

Muchos jóvenes creadores usan estos para dar sus primeros pasos en la industria cinematográfica y bastantes directores de cine consagrados hoy en día comenzaron con sorprendentes cortometrajes que los impulsaron a la fama.

En la actualidad, el abaratamiento de las nuevas tecnologías digitales y su acercamiento a la producción amateur, ha supuesto una revolución en el mundo del cortometraje, en el que los jóvenes realizadores pueden comenzar eludiendo los grandes gastos que hasta ahora suponía la realización de estas obras.

La realización de cortometrajes prolifera de forma eminentemente autodidacta puesto que no es un género definido en el que existan cánones establecidos. Por este motivo, el denominado "corto" es una plataforma de impulso de los nuevos estilos narrativos y visuales. La transgresión de las normas clásicas de la cinematografía tiene cabida en estas obras.

imageUno de los grandes problemas a los que se enfrentan los cortometrajistas es la ausencia de un mercado definido para estas obras. Son aún pocos los circuitos de exhibición comercial de cortometrajes pese a que, por otro lado, y paralelamente, los concursos y Festivales de este género proliferan cada año. Internet está suponiendo cada vez más una plataforma de difusión del cortometraje. De hecho, el cortometraje se ha convertido en uno de los formatos que mejor se adapta a Internet.

Sus características (corta duración y producción menos compleja) se adaptan mejor que ningún otro género cinematográfico a las necesidades de los espectadores. Si bien la comercialización de cortos ha sido siempre más difícil que la de los largometrajes, ahora esta situación ha cambiado y “colgar” una obra de este tipo en la red permite que los internautas puedan acceder a unas piezas audiovisuales antes apenas accesibles, con lo que aumenta considerablemente su mercado.

Por otra parte, el desarrollo vivido por el cortometraje con la aparición de las nuevas tecnologías ha servido para que guionistas, directores, actores y productores de este tipo de obras hayan posicionado sus cortos como un género independiente del largometraje y lo hayan desvinculado de la idea de que estas obras son un paso previo hacia las películas de larga duración.

jueves, 2 de mayo de 2013

TIPOS DE EDICIÓN


Existen varias formas para editar el vídeo, la edición lineal y la no lineal.

Edición Lineal


La edición lineal es la que se siempre se ha utilizado tanto el en cine como en el vídeo analógico. 

Esta forma de edición no permite cortar un fotograma de forma libre sin ningún orden, se sigue de forma secuencial la filmación. Por ejemplo si queremos retocar o eliminar un fotograma que se encuentra en el intervalo 200, debemos pasar del 1 al 199 y cortarlo y luego volver a juntarlo. Esto conlleva una pérdida de tiempo a la hora de editar un vídeo.

La edición Lineal es un sistema de edición analógico que permite sincronizar 2 o más VTR’s (máquinas reproductoras o grabadoras de vídeo cintas) a través de un control de edición.

 Hay que trabajar en orden cronológico, desde la primera toma a la siguiente y así sucesivamente hasta el final. Cada paso se realiza en tiempo real. De ahí viene el nombre de Edición  LINEAL.



Uno de los mayores problemas de ese sistema es que si hay errores en una parte de la edición hay que pasar el resto a otra cinta y luego de hacer la corrección volverla a poner donde corresponde originando pérdida de calidad. Otro problema es que si el material grabado no está en orden correlativo, lo mas probable es que hay que buscar (search) las tomas y las cintas se pueden malograr de tanto avanzar y retroceder, incluso se pueden llegar a romper.

Existen 2 modos de edición lineal en vídeo: Por Assemble (señal de audio, vídeo y sincronismo a la vez) y por inserto (cada una de las señales por separado).

Edición no Lineal


La forma no lineal es la utilizada por la tecnología digital. Esta forma de edición permite ordenar los frames en el orden que deseemos. Podemos tratar cualquier fotograma o cuadro de imagen de forma directa sin necesidad de seguir toda la secuencia, independiente de la forma y orden de cómo hemos grabado el vídeo.

Si deseemos eliminar el fotograma 200 no precisamos pasar antes del 1 al 199, sino que directamente accedemos al 200 y lo cortamos o eliminamos no y necesitamos enlazar con el próximo fotograma, como el sistema lineal.

miércoles, 1 de mayo de 2013

OBTENER UN BUEN SONIDO EN DIRECTO ( 10 CONSEJOS ).

imagePara el cine, conseguir un buen sonido directo, no es una alternativa, es una necesidad. Ya que no se suele disponer muchas veces de otras oportunidades, para reconstruir la banda sonora.
Conscientes de que el registro de sonido directo es una de las fases más críticas del rodaje y que ya que no puede repetirse en muchas ocasiones, ofreceremos a continuación diez consejos prácticos que le ayudarán a conseguir un buen sonido directo a aquellos que se inician en esta labor.

1. Prepara con antelación todo el equipo.


El sonido directo es el que se graba en el mismo momento en que se rueda la acción por parte de la cámara. Puede ser utilizado o no posteriormente en el montaje (se puede sustituir con voces dobladas o con efectos sala), o apoyarse con otros sonidos. Tal vez sea el proceso más sencillo de efectuar dentro de todos los que supone la creación de la banda sonora, pero también el más crítico, ya que de haber algún defecto no es posible repetirlo y sólo queda recurrir al doblaje o la reconstrucción posterior en estudio.
Precisamente por ello hay que ser muy cuidadoso a la hora de grabarlo. Planifica con tiempo la lista de necesidades dependiendo del tipo de sonido que vayas a grabar.

image Por lo general, vas a necesitar, como mínimo, un micrófono de condensador tipo hipercardioide. Este tipo de micrófonos ofrece alta calidad de sonido (por su característica de condensador) y una gran discriminación de sonidos que provengan de los lados del micrófono, o lo que es lo mismo, sólo se recogen con claridad las fuentes sonoras a las que el micrófono apunte. De todos modos es conveniente disponer de un par de micrófonos de las mismas características por si es necesario hacer alguna grabación en estéreo o por si queremos grabar con buena calidad dos fuentes de sonido un tanto apartadas.

Como soporte de la grabación tenemos varias posibilidades. Si vamos a rodar nuestra película en un sistema digital tipo DV o similar, podemos grabar el sonido directamente sobre la misma cinta en la que se registra la imagen. Estos grabadores tienen una calidad similar a la que ofrecían en su momento los grabadores DAT es decir, 48 kHz de resolución digital a 16 bits.

Es posible, sin embargo, que decidamos grabar el sonido de forma separada con respecto a la imagen. En estos lo más recomendable es optar por un grabador que utilice como soporte tarjetas de memoria de estado sólido ya que, una vez grabado el sonido, bastará con transferir los datos de la tarjeta, en un rápido proceso, al sistema de montaje digital que vayamos a utilizar para poder empezar a trabajar. Un grabador de este tipo con una tarjeta de 4 Gb de capacidad puede llegar a grabar tres horas de sonido en calidad DAT o seis en calidad Compact Disc, más que suficientes para completar una jornada de trabajo, pero que siempre pueden ser ampliadas adquiriendo más tarjetas.

Como complemento de nuestro equipo debemos disponer de pértigas para colocar los micrófonos. Si se va a grabar en exteriores es necesario contar con sistemas antiviento.  Si la fuerza del aire es mucha, se puede rodear esa carcasa del llamado peluche, que es una especie de funda de pelo sintético que protege al micrófono de cualquier vibración.

Finalmente, hay que contar con suficientes baterías para todos los elementos que las necesiten, así como cables adaptados al tipo de grabador que vamos a utilizar. Por otra parte, para monitorizar el sonido es necesario contar con unos auriculares de buena calidad de tipo cerrado para evitar interferencias con el sonido real.  Si vamos a trabajar con dos micrófonos es previsible que haya que contar con dos personas a la hora de manipularlos. Tenlo en cuenta para que todos los miembros del equipo puedan escuchar lo que se está grabando.

2. Utiliza un número de personas adecuado.


¿Cuántas personas son necesarias para grabar sonido? En realidad una sola persona podría efectuar las labores de operador de micrófono y operador de sonido con no excesiva dificultad, ya que los grabadores que hemos recomendado en el punto 1 no tienen un excesivo peso o tamaño. A pesar de ello, es conveniente que haya una separación de funciones. En primer lugar, en caso de contar con más de un micrófono es necesario que haya alguien que opere cada uno de ellos. Por otra parte, la persona encargada de controlar la grabación debería dedicarse exclusivamente a este cometido, ya que al quedar fuera de ámbito de la actuación de los operadores de micrófono puede percibir con más claridad los posibles defectos que se estén produciendo en la grabación.

A veces es el propio operador de cámara al que se encarga de monitorizar el sonido. No es una buena idea, puesto que al estar concentrado en el plano, el cámara no está atento a las incidencias de la grabación sonora. Tampoco conviene que sea el director quien monitorice el sonido por la misma razón.

3. Controla la señal.


image A la hora de grabar el sonido es necesario controlar la señal. Hay que vigilar, por un lado, el volumen y, por otro, si se graba algún sonido no deseado. En lo que se refiere al volumen, es conveniente fijar un volumen de grabación que prevea cuál será la máxima potencia a grabar durante la escena para que no llegue a saturar el grabador. En el caso de que no tengamos claro cuál será esa máxima potencia es mejor optar por dejar el grabador en un volumen medio o incluso bajo, antes que arriesgarnos a que sature. Los grabadores digitales, al no introducir ruido proveniente del soporte, resisten muy bien la amplificación en postproducción.

4. Graba siempre wild tracks.


Las wild tracks (pistas salvajes o silvestres, en inglés), son aquellas pistas que se graban en la localización sin que se ruede imagen. Hay dos motivos principales por los que se puede grabar un wild track.

El primero de ellos es conseguir un sonido más limpio o cercano de una frase que un actor ha dicho anteriormente durante el rodaje de un plano. Si el actor mantiene el ritmo y la concentración que tuvo durante el rodaje es posible sustituir la grabación de los diálogos originales por los grabados en el wild track con mucha facilidad y casi sin necesidad de resincronizarlos. En este caso, el sonido es coherente con el resto del sonido del plano y no hay que hacer ajustes para compensar las diferencias acústicas del estudio con respecto a la localización como cuando se efectúa un doblaje a posteriori.

image El segundo tipo de wild tracks está relacionado con el ruido de fondo que existe en toda localización aunque se encuentre aparentemente en silencio. Cuando se unen dos planos rodados en diferentes momentos en una misma localización es posible que se perciban diferencias en ese ruido de fondo entre un plano y otro. Para evitarlo, se graban en las localizaciones fragmentos largos de silencio que se colocan de fondo, en la mezcla, junto al sonido montado de un diálogo, por ejemplo, y que sirven para disimular las diferencias a las que nos estamos refiriendo.

5. Cuidado con la posición del micrófono.


Si utilizamos micrófonos hipercardioides para grabar el sonido conseguiremos que no se nos cuelen ruidos que provengan de los lados del micrófono. Esto es muy conveniente para conseguir aislar la voz de los actores de manera que pueda ser recogida con limpieza. La contrapartida es que, si el micrófono no está correctamente dirigido a la boca de los actores durante la grabación, es decir, si la boca del actor se encuentra fuera de eje, obtenemos un sonido sucio y hueco (la sensación que a veces definimos como “parece que está metido en un pozo”) que puede llegar a ser ininteligible.

6. Prepara bien las secuencias complicadas.


A la hora de grabar varios actores que hablan sucesivamente se impone una planificación y un
ensayo de las posiciones de la pértiga y el micrófono para no perder ninguna intervención. En estas situaciones se hace casi obligado utilizar, al menos, dos micrófonos. Si tenemos presupuesto suficiente podemos utilizar micrófonos individuales inalámbricos de corbata convenientemente camuflados, pero esto nos obliga a usar una mesa de control para mezclar el sonido de todos los micrófonos o a disponer de un grabador multipista para poder grabar cada micrófono por separado.

7. Intenta mejorar las condiciones acústicas de la localización.


image En ocasiones tendrás que acondicionar acústicamente la localización para evitar que el sonido sea excesivamente reverberante. Si, por ejemplo, ruedas en un cuarto de baño amplio, el sonido resultante con las paredes desnudas puede ser confuso. Para conseguir un sonido más seco (que luego podrá ser manipulado en postproducción para añadirle la cantidad justa de reverberación) puedes utilizar cortinas gruesas o paneles de goma espuma colgados de la pared y el techo, en los espacios que queden fuera de plano. Esto mejorará las condiciones acústicas del espacio.

8. Graba todo lo que puedas, aunque no haga falta.


Muchas veces, los directores creen que determinados planos se pueden rodar sin sonido porque no hay diálogos. A este respecto hay que decir que es posible que algunos planos puedan prescindir de la grabación de sonido directo pero si, por ejemplo, hay un actor moviéndose en escena utilizando objetos diversos, aunque no hable es mejor grabar el sonido que producen sus movimientos porque, en caso contrario, es más que probable que tenga que ser reconstruido en postproducción.

Otra situación en la que puede parecer que no es necesario grabar todo el sonido es durante el rodaje de diálogos en plano / contraplano. En teoría, basta con grabar el sonido del actor que está en plano, puesto que en algún otro momento se grabará el plano correspondiente al que se encuentra en contraplano. Yo recomiendo grabar también las réplicas en contraplano con otro micrófono.

9. Especial cuidado con la claqueta.


La claqueta lleva dos informaciones, una visual escrita sobre la tabla que se filma durante unos segundos y otra auditiva que consiste en lo que conoce como “cantar la claqueta”, y que se refiere a la lectura que se hace de algunos datos que servirán para identificar el sonido del plano, junto con un golpe que debe sonar al cerrarla.

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10. Respeta una buena rutina de inicio de toma.


Todos hemos visto alguna vez en alguna película un rodaje en el que el director grita algo así como “luces, cámara, acción” para volver a gritar “corten” una vez rodado el plano. Estos gritos responden a la necesidad de asegurarse de que los responsables de manejar los sistemas de captación de imagen y sonido ponen en funcionamiento la cámara y la grabadora en el momento necesario y es necesario acostumbrarse a ellos, para que todo el equipo este siempre bien sincronizado.

Estos diez consejos no agotan todos los conocimientos necesarios para conseguir un buen sonido directo, pero estoy seguro de que, respetándolos, salvarás errores que muchos principiantes cometen, precisamente porque se enfrentan por primera vez a un rodaje…

DEFINICIÓN DE PELICULA

Película cinematográfica.


imageToda obra audiovisual, fijada en cualquier medio o soporte, en cuya elaboración quede definida la labor de creación, producción, montaje y posproducción y que esté destinada, en primer término, a su explotación comercial en salas de cine. Quedan excluidas de esta definición las meras reproducciones de acontecimientos o representaciones de cualquier índole.

Película es un término que proviene del latín pellicŭla y que tiene diversos usos. Su acepción más habitual está vinculada al de una obra cinematográfica, la cual narra de una manera audiovisual, una historia o un hecho. La forma en que se proyecta esta imagen es por medio de una secuencia de imágenes, que en un inicio se proyectaba sin sonido, en lo que hoy se conoce como cine mudo, pero que años más tarde dio paso al cine sonoro, lo que significó un aporte de suma importancia para la industria cinematográfica.

Por lo general una película se basa en un guion, en la que los personajes pueden o no ser interpretados por actores. No se distingue el material sensible en el que se han impreso las imágenes ni tampoco el medio en el que se reproduce, como podría serlo una sala de cine, un televisor o una computadora.

Otras obras audiovisuales.


Aquéllas que , cumpliendo los requisitos de película cinematográfica, no estén destinadas a ser exhibidas en salas cinematográficas, difundiéndose a través de otros medios.

Película para televisión.

image Obra audiovisual unitaria de ficción, con características creativas similares a las de las películas cinematográficas, cuya duración sea superior a 60 minutos, tenga desenlace final y con la singularidad de que su explotación comercial esté destinada a su emisión o radiodifusión por operadores de televisión y no incluya, en primer término, la exhibición en salas de cine.

Serie de televisión.


Obra audiovisual formada por un conjunto de episodios de ficción, animación o documental con o sin título genérico común, destinada a ser emitida o radiodifundida por operadores de televisión de forma sucesiva y continuada, pudiendo cada episodio corresponder a una unidad narrativa o tener continuación en el episodio siguiente.

Piloto de serie de animación.


La obra audiovisual de animación que marca las características y estilo que habrá de tener una serie y permite al productor la financiación y promoción de la misma.

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Las películas, en función de su duración, pueden ser consideradas:

Largometrajes, Mediometrajes o Cortometrajes.