sábado, 28 de diciembre de 2013

Dobles Cinematográficos.


Un doble en cinematografía, es una persona que sustituye a un actor en las escenas que éste último no puede o desea realizar (Bien por peligrosidad, o por entrañar alguna acción que requiera de un especialista). Existen distintos tipos de dobles: de acción para escenas de riesgo; de desnudos para cuando el actor no tiene el cuerpo que desea el director o el actor no desea mostrar el suyo; fotodobles con cuerpo y a veces caras similares para poder filmar planos lejanos sin que el actor deba estar presente; y de habilidades complejas como tocar instrumentos musicales o bailar... etc.

Un doble de riesgo o doble de acción es una persona que reemplaza a un actor en una escena de acción difícil o peligrosa de ejecutar para el actor. Es un elemento importante en toda película de acción.

En el siglo XXI las exigencias del género de acción son bastante elevadas y demandan de sus ejecutantes mayor preparación y especialización, formando así un nuevo concepto en la capacitación de especialistas en escenas de acción.

Previamente a la adopción de los efectos aplicados por computadora, muchos efectos visuales del cine eran imposibles de alcanzar sin la utilización de actores de riesgo quienes arriesgaran su vida en escenas peligrosas, como saltar de un auto en movimiento o caminar sobre la cornisa más elevada de un rascacielos.

Algunos actores como Buster Keaton han realizado sus propias escenas de riesgo. A finales del siglo XX, sin embargo, la utilización de dobles de acción fue reducida en gran medida por los productores de cine al optar por opciones más económicas y seguras, utilizando principalmente efectos digitales.



Algunos actores realizan las escenas de riesgo ellos mismos, por ejemplo Jackie Chan y Jason Statham. Últimamente, en las grandes producciones de cine se tiende a que los actores estrellas aprendan varias de las habilidades, esto para dar más realismo e involucrar al espectador con el personaje.

miércoles, 18 de diciembre de 2013

HOMOGÉN - Operación... Creación. - De Miguel Angel Crespo.

Buenas... me es grato representarles mi  nuevo libro.


SINOPSIS:

Cuando el detective de homicidios de Los Ángeles, John Frésler, entró aquella mañana en ese edificio, investigando el asesinato rutinario de aquel tipo.

 Que poco podía imaginar, hacia donde le conduciría todo aquello...

 Ni mucho menos, que el crimen, estuviese relacionado, con una intrincada trama de investigación en torno a unos documentos hallados en una ciudad centenariamente milenaria, en los mismísimos albores de la aparición de la especie humana tal y como la conocemos hoy.

Y que quizás.... Al fin se podría descubrir la verdad.

Genero: Ficción-Histórica, Aventuras, Acción, Policíaca, CiFi, Arqueología.




Disponible en los formatos de:

Impresión - 350 paginas, Fresada vertical, Formato A5, Portada a color.

y Digital, para libros electrónicos.
  • Epub - Ebook Reader (Compatible con la mayoría de lectores digitales) 
  • Mobi - Formato Kindle de Amazon.
  • Pdf - Adobe Reader, PCs y Dispositivos Móviles compatibles. 
  • Lit - Microsoft Reader (Windows Mobile y Phone Mobile compatibles)
Más información y venta en...  www.homogen.jimdo.com

Son solo 12 o 7 Eurillos (Según formato), y os hará pasar un buen rato... os lo garantizo.

Espero que les guste...

jueves, 7 de noviembre de 2013

OBTEN UN LOOK DE CINE AVANZADO

image Crear un acabado profesional en cine digital, pasa por lograr una iluminación que pueda trabajarse en POST Producción. Una vez que hayas dominado los pasos básicos de producción, es tiempo de experimentar que en post producción no existen reglas definidas para lograr un efecto cinematográfico, tienes que estudiar y experimentar para lograr un verdadero estilo propio. Para ello, sigue estos sencillos consejos y experimenta después con los resultados.

  • No dejes que los niveles de  blanco y negros siempre los determine la cámara, cuando usas película de latitud limitad o en este caso cine digital debes de prever como trabajar las luces y las sombras.
  • Cuando utilizas una gama dinámica limitada como es el caso de cine digital, ten mucho cuidado de no ¨quemar¨ los blancos y luces, puedes ajustar tu nivel ZEBRA por debajo de 100 IRE desde 70 hasta 90 IRE.
  • Adicionalmente puedes monitorear con un vectorscopio y emparejar tus tomas para los niveles y la gama total de color de cada escena.
  • El objetivo de tu iluminación es nunca quemar  las luces o blancos de manera que tengas espacio para ajustar en tu sistema de postproducción, una vez que tienes quemado un blanco en la señal de video, la señal se pierde (Clipping) y ya  no puedes hacer nada en post.
  • Para no perder la definición sutil de los tonos negros que aparecen a través de tu imagen mide tu luz en las sombras y protege contra la sobrexposición de las luces.
  • Las caras, son los elementos mas importantes de una imagen trata de hacer tus tomas acercándote a un nivel del 70 por ciento de iluminación en ellas.
  • El video sin contraste se ve opaco y lodoso asegúrate de que existan blancos y negros reales en tu escena para que la cámara pueda establecer el contraste adecuado.
  • Utiliza creativamente las herramientas disponibles de postproducción, puedes trabajar el video a 16 Bits y tendrás mayor amplitud de ajustes que si trabajas normalmente a 8 Bits.

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sábado, 26 de octubre de 2013

VR-50HD: Roland presenta un mezclador audio/vídeo HD multi-formato para streaming y grabación

El Roland VR-50HD integra un mezclador de audio y vídeo (en alta definición), pantalla táctil multiviewer, y streaming USB video/audio en un dispositivo autónomo controlable por un único operador. 

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Roland Systems Group ha anunciado el Roland VR-50HD, mezclador de audio y video todo-en-uno con salida para web streaming y grabación.

El Roland VR-50HD integra un mezclador de audio, un mezclador de video, pantalla táctil multiviewer, y streaming USB video/audio en un dispositivo autónomo controlable por un único operador. Este producto único añade capacidades HD a la popular gama de mezcladores todo-en-uno VR que incluye los Roland VR-5 y VR-3.

Los típicos eventos de hoy en día, tanto grandes como pequeños, requieren una variedad de equipamientos y necesidades para ser producidos. Desde un mezclador de audio para mezclar varias fuentes de microfonía a otro de vídeo para varias fuentes de ordenadores y cámaras, tanto analógicas como digitales, sin olvidar monitores de previsualización para las fuentes y, por supuesto, grabación o emisión online.

El VR-50HD resulta una reducción de equipamiento, ajustes, tiempo y complejidad, asegurando una solución fácil y libre de problemas para cualquier evento.

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Vídeo

La parte de video del VR-50HD incluye un mezclador con doce entradas dirigidas a cuatro canales multiformato y también incluye un canal para imagen fija, logo o captura de un frame. Las entradas pueden ser 3G/HD/SD SDI, HDMI, RGB/componentes y compuesto Las salidas incluyen conexiones USB y los buses Main y Aux en SDI, HDMI y RGB/Componentes. Un monitor externo HDMI puede ser usado como multiviewer si se desea.

La sección de audio es igualmente impresionante, con un mezclador digital de doce canales. Las entradas puedes ser mezcladas desde las entradas analógicas así como del audio embebido en los cuatro SDIs o cuatro HDMIs. El proceso de audio incluye ajustes audio-follow-video, así como puertas, compresión, EQ paramétrica, delay y reverb. Incluso incorpora capacidades de mastering en la salida master. El audio es mezclado y re-embebido en el SDI o HDMI en los buses Main y Aux, así como en la salida USB.

La salida USB 2.0/3.0 permite hacer web streaming tan sencillamente como conectando la unidad a un ordenador que corra aplicaciones como USTREAM. La grabación es igualmente sencilla usando Quicktime o el software de captura dedicado para Mac/Windows, el Video Capture para VR.

La interfaz es intuitiva con faders de audio dedicados, potenciómetros de ganancia, selectores de entrada de video y monitor táctil. El monitor permite una manera sencilla de ver, operar y seleccionar la fuente de video, proporcionando múltiples vistas, incluyendo configuraciones multiviewer de cuatro y siete fuentes simultáneas.

El VR-50HD es compatible con HDCP lo que permite mezclar dispositivos con protección anti-copia como videoconsolas, tablets, Blu-ray junto con otras fuentes cómo cámaras o ordenadores.
  

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Características VR-50HD

  • Switcher multiformato de 4 canales (12 entradas) más una imagen fija
  • Soporta SDI, HDMI, RGB/Componentes y Compuesto hasta 1080p (3G SDI)
  • Embebe audio con ajuste de delay
  • Mezclador de audio digital de 12 canales (XLR, TRS, y RCA) además del audio proveniente de las entradas SDI y HDMI
  • Composición con PinP y DSK
  • Monitor de preview de 7 pulgadas (LCD 800×480 puntos)
  • Salida multiviewer en HDMI
  • Soporta HDCP
  • Audio/Video sin compresión a través del USB 3.0 para streaming y grabación

martes, 22 de octubre de 2013

HANDHELD O MOVIMIENTO A MANOS LIBRES DE LA CÁMARA.

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Cámara de mano o el disparo de mano en cine y producción de vídeo se denomina a la técnica en la que una cámara se mantiene en manos del operador en lugar de ser montada sobre un trípode u otra base. Las cámaras a mano, se utilizan porque permiten una mayor libertad de movimientos durante el rodaje.

Evidentemente, ese es el primer movimiento que aprendemos todos. Pero claro, como cualquier cosa, este tiene su técnica también. 

Así es qué, aquí os dejo una serie de trucos, para que este movimiento, pase de ser un mareante vaivén a lo loco, a ser un medio más profesional, de narrar una historia.

  • Mueve la cámara cuidadosamente y suavemente, como un gato o una bailarina, y tendrás tiros móviles, dinámicos y muy interesantes, Desafortunadamente, también puedes terminar como "La bruja de Blair".

  • A manos libres puedes realizar muchos movimientos de cámara, dollys, trucks y movimientos de tipo grúa, sin embargo es muy difícil duplicar la precisión y la regularidad que se consigue con los dispositivos mecánico para mover la cámara.

  • Puedes conseguir buenos planos móviles muy interesantes llevando la cámara a la altura de la cintura y sosteniéndola del asa superior.
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  • Te recomiendo usar un ajuste gran angular (En Zoom OUT) cuando te muevas a manos libres, si usas longitudes focales largas (Zoom IN) esto magnificará los movimientos más pequeños de la mano y tus tomas se verán muy temblorosas.

  • Si tu cámara cuenta con estabilización de imagen este sistema te ayudará en los temblores minúsculos de la mano, pero no en los movimientos inestables más grandes de la mano.

  • Por supuesto, en escena que signifiquen tener movimiento traumático o violento, como las persecuciones del malo de la película o las explosiones, accidentes de coche o terremotos las tomas Handheld a manos libres son una excelente opción.

  • imageExiste una opción intermedia, entre el movimiento Handheld y la cámara estabilizada por completo, y es el Steadicam, y que si bien, permite mayor libertad que la cámara fija, también ayuda bastante en su estabilización, ya sea mediante contrapesos o eléctricamente asistido.

  • No abuses de este tipo de tomas. Normalmente confunden y marean al espectador; a no ser, que tu intensión sea esa, o que no tengas otra alternativa posible.

El uso especializado de una cámara Handheld, en las manos de un experto, es agregar vida a los planos estáticos con movimientos al azar, sutiles pero con energía controlada, esto da como resultado escenas con mayor sensación de realidad, transmiten un sentido mayor de urgencia que las tomas fijas desde un trípode.

sábado, 19 de octubre de 2013

TE MATARÉ EL ÚLTIMO.


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Bueno... que tengan un buen viaje.
Cuídese... ah... y tenga...
...tómese unas cervezas en Val Verde Mayor.
Eso nos dará más tiempo para estar con su hija.

Eres muy ocurrente Sully... me gustas...
...por eso a ti te mataré el último. 

[...]

Te acuerdas que prometí matarte el último...
Es verdad... lo prometiste.
Te engañé.

terminator
Lo dijo Arnold Schwarzenegger en Comando (1985 de Mark L. Lester)



martes, 15 de octubre de 2013

DECORADOS CINEMATOGRÁFICOS

En el momento de la interpretación del guion, el argumento sugiere imágenes y escenas.

Algunas veces, el guion describe claramente el tipo de decorados y localizaciones que se necesitarán. Así, se puede llegar incluso a especificar localizaciones concretas y fáciles de encontrar. El guion puede describir también los personajes con bastante exactitud.

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Es tarea del decorador o director artístico subrayar determinados rasgos de los personajes para hacerlos más creíbles. Durante la primera lectura del guion, comienza una interpretación visual de lo que serán los bocetos definitivos. En el transcurso de esta primera lectura se sitúa ya a los personajes en su contexto.

image Como primera función, es indispensable realizar una serie de bocetos sobre plano para definir las necesidades del guion de acuerdo con el productor. Estos bocetos, una vez aprobados, deben dibujarse a escala contemplando no solo las medidas, sino también el tipo de materiales que se emplearán (maderas, pinturas, moldes, etc.) con el fin de acercarse lo máximo posible para la realización del presupuesto. Es importante detallar previamente sobre plano la implantación del decorado en el plató o en el espacio del escenario.

A partir de aquí se dibujará una planta en el suelo sobre la que se levantará una estructura de bastidores. Se construirán las paredes, tejados, puertas y ventanas y se terminarán con un criterio de consecución del máximo ahorro posible. No será preciso acabar aquellas partes del decorado que no vayan a aparecer en pantalla como, por ejemplo, los techos, que a su vez permitirán la accesibilidad de focos, material eléctrico y pértigas de sonido.

imageEn algunas ocasiones, se emplearán fondos pintados que simulan un paisaje o una calle, fondos lisos de diferentes colores (adecuados para cromas) o neutros, ampliaciones fotográficas o proyecciones. El uso de cicloramas colgados al fondo del escenario, convenientemente iluminados, es un recurso muy empleado en la decoración de escenarios. El equipo de producción también deberá contar con el tiempo y el presupuesto precisos para su desmontaje.
 
Como anécdota decir, que existen decorados cinematográficos cuya construcción ha durado más de un año. Por ejemplo: El mayor decorado para el cine, considerado así desde su construcción, corresponde a la réplica que tuvo que hacerse del Foro Romano, cuya dimensiones alcanzaron los 400 x 230 m. Y fue diseñado para la película de Samuel Bronston "La caída del Imperio romano", en el año 1964. Su localización se estableció en las cercanías de Madrid (España), y se necesitaron 1.100 operarios que emplearon 7 meses en levantar la fachada del Foro, para la cual se necesitaron 170.000 bloques de cemento, 6.705 m de escalera, 601 columnas y 350 estatuas, así como otros 27 edificios de su tamaño.

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domingo, 6 de octubre de 2013

GRABADOR MULTIPISTA DE SONIDO - REAPER

En esta ocasión, examinamos un potente software de grabación multipista, edición y mezclado de audio que  posee una interfaz sencilla de usar lo que permite manejarla tanto a profesionales como a  novatos. Con este programa puedes componer y arreglar tus temas incluso a nivel profesional, lo que ofrece esta aplicación hoy era impensable hace unos años y mucho menos que se fuera gratis.  

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La aplicación que descargas es completa, no es de evaluación, pero solo te permite utilizarla para usos no lucrativos, Si te convence y deseas utilizarla en usos comerciales puedes pedir una licencia que te lo autoriza por 225 $.

Con Reaper puedes grabar, modificar, y editar tus mezclas y composiciones musicales en ficheros de audio con soporte para múltiples pistas. Es un autentico secuenciador midi/audio muy estable.

El uso de Reaper se centra en gran medida en que sea suficiente arrastra y soltar los ficheros de sonido en el panel de edición para comenzar a montar nuestro proyecto. El  fichero de instalación es ligero, ocupe algo más de 4 Mb, pero esta repleto de funcionalidades para la edición y composición de audio.

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Naturalmente un programa así exige un aprendizaje,  solo quien alcanza un mínimo de destreza en su uso podrá obtener las máximas prestaciones del programa.  No obstante, una vez aprendes cuatro  cosas básicas puedes ya comenzar a obtener buenos resultados.

Para facilitar el manejo del programa existe un documento también gratuito  REAPER Guía del usuario de más de 400 páginas en varios idiomas,  una guía esencial para la grabación, edición y mezcla con REAPER. incluye los archivos del proyecto y muestra paso a paso, ejemplos para ayudarle a aprender a utilizar las diversas funciones de Reaper.

Una característica positiva es su completo soporte para MIDI, algo no común en este tipo de programas. Se puede grabar y reproducir usando ASIO, Kernel Streaming, WaveOut o DirectSound, haciendo uso de los efectos que ya incorpora el programa e insertando tus propios ficheros de audio.

Reaper incluye un amplio abanico de funciones y características, soporta plug-ins de audio vst y directx, permite deshacer cualquier acción realizada (con soporte para capas) y cuenta además con diversas opciones de configuración. Continuamente sigue mejorando y es por ello corriente que aparezcan versiones nuevas.

Descargar programa recomendado  Reaper



martes, 24 de septiembre de 2013

FILTROS CINEMATOGRÁFICOS.

image En cine, los paisajes, naturaleza, arquitectura, reproducciones y muy especialmente, quienes utilizan el sistema de zonas en blanco y negro, los filtros son accesorios muy importantes.

Permiten controlar el contraste, los valores tonales y el rendimiento cromático. 

Con ello, es posible modificar la composición de la luz si la hacemos atravesar un medio transparente que tenga incorporado un determinado tinte distribuido en forma homogénea.

El filtro deja pasar las radiaciones de su propio color y absorbe gradualmente los demás hasta bloquear el color complementario. 

Esta propiedad de los medios transparentes es de gran utilidad porque permite diseñar filtros correctores, conversores, de efectos y para fines especiales, incluyendo aquellos que además de alterar la luz producen diferentes efectos ópticos para fines creativos.

Los filtros se pueden interponer en la fuente de luz o ser montados delante del objetivo de la cámara. El primer sistema se utiliza frecuentemente en estudio, donde es posible filtrar con pantallas de gelatina o de acetato cada una de las fuentes de luz pero, en exteriores y en la mayoría de las aplicaciones, se utilizan filtros que van enroscados en el objetivo.


Factor de Filtro


Los filtros absorben parte de la luz que los atraviesa. Debido a esto, el índice de exposición debe corregirse si la luz se mide con un fotómetro de mano. El factor de absorción es expresado por el fabricante con un numero seguido de la letra "x". Un filtro con factor 2 x significa que la exposición debe duplicarse.

En cambio, si la medición es con el fotómetro TTL (a través del objetivo de la cámara), el sistema compensa en forma automática el factor de exposición.

En el factor también incide la composición espectral de la luz. Si se utiliza un filtro de contraste amarillo (para blanco y negro) con iluminación de luz de día (5.600° K), el factor es 2x pero, si se la luz es artificial de tungsteno (3.200° K) el factor, para la misma película y filtro, es 1,5x. La razón es que la iluminación de tungsteno tiene un mayor componente de amarillo y de rojo, siendo mucho menor el azul. A la inversa, si el filtro es azul con factor de 6x para luz de día, con luz de tungsteno el factor será de 12x.


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Tipos de Filtros


Los filtros podemos clasificarlos en grandes grupos:


  • De contraste para Blanco y Negro.
  • De Conversión o equilibrio de la luz para color.
  • De corrección color.
  • Gris Neutro.
  • Polarizador.
  • De efectos especiales.
  • De iluminación.


De contraste para Blanco y Negro


Cuando se empleaban emulsiones ortocromaticas (insensibles al rojo) y con las primeras pancromáticas sucedía que las tonalidades azules y violetas (el cielo en particular), resultaban blancas en la copia debido a la excesiva sensibilidad de las películas a las longitudes mas cortas del espectro visible.

Mediante el empleo de un filtro amarillo es posible oscurecer el azul y, de esa manera, destacar las nubes blancas sobre un cielo de tonalidad levemente gris, acorde a la percepción de nuestro sentido de la visión.


De Conversión Color


Existen también filtros conversores "light" de menor poder. Se los emplea para corregir sutiles desviaciones del balance color como sucede por ejemplo al atardecer o al amanecer. Esto significa que no convierten un tipo de luz en otro sino que introducen pequeñas modificaciones al balance de la fuente de luz.
Los tubos fluorescentes tienen una composición espectral discontinua que produce un desequilibrio cromático.


De Corrección Color


Muchas veces es necesario hacer pequeñas correcciones en el balance de la luz, la corrección es necesaria en aquellos casos donde la grabación ha tenido algún fallo por efecto de la ley de reciprocidad y otros desequilibrios menores que, sin embargo, afectan a la imagen.

Los filtros se suministran en colores sustractivos identificándose como "Y", yellow (amarillo); "M", magenta (púrpura) y "C", cyan (verde-azulado) y la potencia en unidades logarítmicas de la densidad. Por ejemplo, un filtro CC-Y05 es amarillo con densidad logarítmica de 0,05.


Gris Neutro


Este tipo de filtro tiene un espectro de absorción idéntico para todas las radiaciones. Se lo utiliza para reducir la sensibilidad efectiva en determinadas condiciones como, combinando un diafragma muy abierto y un tiempo de exposición largo. Se los denomina filtros de densidad neutra ya que no tiene ningún efecto sobre el color.


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Polarizador 


Los filtros polarizadores, de los cuales existen dos tipos, lineales y circulares, permiten eliminar los reflejos de superficies no metálicas y reduce la luminosidad del cielo azul, produciendo un efecto de colores mas saturados y vividos.  

El filtro polarizador consiste en dos discos de cristal que giran uno sobre el otro. Luego que se monta en la rosca del objetivo, se debe mirar por el visor al tiempo que se hace girar el disco externo. El efecto de oscurecimiento del cielo o la anulación de los reflejos es observado en el visor y, cuando se alcanza el grado de polarización deseado, recién se mide la exposición ya que a medida que se aumenta el nivel de polarización de la luz, también aumenta el factor de exposición.  

 

De Efectos Especiales



imageVarios fabricantes producen una amplia serie de filtros para efectos especiales, que van desde estrellas simples y múltiples, suavizadores para retratos, efecto de bruma para paisajes, combinados de dos o mas colores, etc.

Cada tipo de filtro especial tiene sus propias características y algunos, por ejemplo, se deben emplear con una abertura de diafragma muy abierto para que el efecto alcance su máxima magnitud.

La lista de este tipo de filtro es muy extensa, por lo que para su uso se deben consultar los catálogos respectivos de cada fabricante.   


De Iluminación 


Estos filtros se utilizan colocados frente a las antorchas o en los artefactos de iluminación de estudio. Consisten en pantallas transparentes de gelatina o mas económicos de acetato.

Pueden ser del tipo CC (de corrección color) o para producir efectos especiales como, por ejemplo, modificar el color de un fondo (la pared blanca se ilumina con luz de color) y hasta para crear otros efectos especiales. En cinematografía son frecuentemente utilizados para establecer el correcto balance cuando se mezcla la luz artificial en interiores con una escena exterior vista a través de una ventana.


Montura y cuidados


Los filtros van montados en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca llamada, precisamente, rosca portalibros y, en algunas cámaras, con enganche a bayoneta. También existe un novedoso sistema que utiliza un marco universal que se acopla por medio de una rosca al objetivo.

Respecto al cuidado, deben ser conservados y limpiados con las mismas precauciones que se tiene con los objetivos ya que se tratan de accesorios ópticos que van colocados en uno de los lugares más sensibles de la cámara: el objetivo de toma.

lunes, 16 de septiembre de 2013

ESCRIBIENDO GUIONES CON ADOBE STORY

 Adobe Story es una herramienta para la escritura de guiones de la marca Adobe, que permite describir ideas, y amoldarlo a guiones rápidamente con formato automático y colaborar online. A parte, se puede planificar y programar proyectos de vídeo a gran velocidad, organizar la producción con informes y aprovechar los meta-datos del guion en la postproducción.  

Además existe una versión online y gratuita, que nos permitirá trabajar en nuestros proyectos, allí donde quiera que estemos y con cualquier navegador.

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Adobe Story Permite planificar el proceso de producción, así como crear informes de producción. Se puede conectar a Adobe Premiere Pro y hacer más fluido el trabajo, sin necesidad de ir cambiando el programa constantemente. Es más, existe la opción tanto de compartir online el proyecto, como los mismos guiones, y poder acceder a ellos desde cualquier dispositivo con internet.

Es posible importar guiones desde Final Draft o Microsoft Word, así como los metadatos necesarios para que en un futuro, cuando se importe (si es necesario) a Adobe Premiere Pro, se facilite la búsqueda de elementos claves del vídeo. Se puede trabajar tanto online como offline. si se trabaja de manera offline, los cambios realizados se verán reflejados las próxima vez que se trabaje online. 

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Si se tiene un proyecto empezado desde Final Draft, Microsoft Word o Movie Magic Screenwritter, se podrá importar sin ningún problema a Adobe Story. El programa se encarga de mantener el formato del texto y ofrece distintas plantillas según el gusto del creador, así como también elegir que tipo de guion se quiere hacer (cinematográfico, televisivo, etc.).

Incluye una lista predefinida de personajes, escenarios y actores para que se autocomplete a la hora de ir escribiendo el proyecto o, si se utiliza la herramienta de finalización automática SmartType, se irá autocompletando rápidamente nombres de los personajes, diálogos y transiciones que se han usado con frecuencia. A parte de estas herramientas, también incluye otras como mostrar el guion de forma sencilla en una escaleta, agrupar las escenas dentro de los actos o comparar guiones en paralelo, entre otras. Una vez finalizado el proyecto, el archivo se podrá exportar en formato PDF, XML, CSV, TXT, Microsoft Word o Movie Magic Scheduling.

image Al poder compartir el proyecto con los diferentes miembros del equipo, todo el equipo podrá ver los cambios realizados de manera instantáneas gracias a las notificaciones que se envían.

El autor del proyecto puede permitir que acciones pueden o no realizar el resto del equipo de trabajo (leer, comentar o modificar el documento). Adobe Story marca en el proyecto los cambios que han sido realizados y por quién. El autor del guion puede señalar si aprueba o no estos cambios.

En cuanto a producción, incluye una herramienta que permite agrupar las escenas y añadir notas con el día de rodaje, el maquillaje o vestuario necesario, así como apuntar el número de cámaras que se van a utilizar, la duración de los planos y los movimientos de cámara. También se pueden crear documentos como biografías de los personajes, sinopsis cortas y sinopsis.

lunes, 19 de agosto de 2013

VÚMETROS. O EL CONTROL DE VOLUMEN.

El n vúmetro se incluye a menudo en equipos de audio para mostrar un nivel de señal en unidades de volumen, el dispositivo es a veces también llamado indicador de volumen.

Consta de un instrumento de bobina móvil de un tipo determinado, alimentado por medio de un rectificador de onda completa que se alimenta a su vez de la línea mediante una resistencia en serie. No necesita más fuente de energía para su funcionamiento que la señal de entrada.

imageLa unidad de volumen (VU) se define como: "El indicador de volumen marca 0 VU cuando se conecta a la salida una resistencia de 600 ohms, para una señal sinusoidal de 1000 Hz."

Es intencionalmente "lento" en la medición, promediando máximos y mínimos de corta duración para reflejar el volumen percibido. Fue desarrollado originalmente en 1939 por el esfuerzo combinado de Bell Labs y los organismos de radiodifusión CBS y NBC para la medición y la normalización de los niveles en las líneas telefónicas.

Además del nivel actual, algunos vúmetros electrónicos también muestran los picos o máximos. Como regla general, los niveles de grabación deben ser tales que no superen el área roja más allá de 0 VU, o sólo en raras ocasiones. Si el volumen de grabación es demasiado alto, la calidad del sonido y respuesta en frecuencia es generalmente más pobre y los efectos de saturación recorte pueden ser especialmente problemáticos para un sistema de grabación digital. Por el contrario si el nivel es demasiado bajo, los niveles de ruido serán altos en relación al sonido principal que se está grabando. Algunos sistemas de grabación de voz a menudo controlan de nivel de grabación automáticamente, por lo general no anulable en los grabadores de bajo costo.
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viernes, 16 de agosto de 2013

PLANOS - ANGULACIÓN

Aparte de los planos normalmente conocidos, como pudieran ser el plano general, el plano medio, el plano americano, el primer plano… etc. existen otros tipos de planos, que si bien no son tan utilizados como los otros, si que son muy importantes en la técnica cinematográfica y que sin ellos, seria imposible representar algunas escenas o expresar algunos motivos, ya que su uso es muy recurrente. 

Muchos se consiguen con sólo girar la cámara, confiriéndole con ello, a la imagen captada por esta, un cierto grado de implicación escénica. Por lo tanto, atendiendo a la angulación, que se le pueda otorgar, tendremos:

Plazo Zenital: También llamado “plano cenital”. Es un plano realizado desde arriba, justo encima de los sujetos u objetos, con un ángulo de 90 grados perpendicular al suelo, como si se hubiese captado desde un satélite o un helicóptero.  Generalmente tiene un efecto estético de la imagen.

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Plano picado: La cámara graba a una altura ligeramente superior a los ojos (en caso de sujetos) o de la altura media (en caso de objetos), con la cámara ligeramente orientada hacia el suelo. Se utiliza para transmitir al observador que alguien es inferior, inocente, débil, frágil, inofensivo o incluso para ridiculizar. 

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Plano contrapicado: La cámara se sitúa enfrente y a una altura ligeramente inferior a los ojos del sujeto, o inferior de la altura media de un objeto. Con la cámara ligeramente orientada hacia el techo. Es el plano opuesto al plano picado. Sirve para ensalzar y magnificar al sujeto u objeto.

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Plano Nadir: La cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al suelo. Se usa a nivel estético para dar dramatismo, interés a la escena o da dinamismo a la acción.

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Plano dorsal: También llamado “plano semi-subjetivo”. Nos explica que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, no de posibles protagonistas. También nos da un poder sobre los sujetos: nosotros los vemos pero ellos a nosotros no. Es típico de las películas de miedo, cuando están a punto de atacar a una persona por detrás.

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Escorzo: Incluye al sujeto protagonista de cara y al sujeto que escucha de espalda. Enfatiza al sujeto que tiene la acción en ese momento (por ejemplo, hablar). La cámara se sitúa detrás del sujeto filmado, en 45 grados.

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Plano Perfil: También llamado “plano lateral”. La cámara está a un lado del sujeto.

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Frontal: También llamado “plano normal” o “plano neutro”. El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y delante del sujeto que se está grabando, a la altura de los ojos. Nos muestra al sujeto y su aspecto físico. En caso de ser un objeto, se graba a su altura media. Es el plano más habitual.

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Flip over: Este juego de cámara sirve para subvertir nuestras expectativas con un inesperado movimiento de cámara de 180 grados que nos indica que lo que estábamos viendo estaba en realidad al revés. En el ejemplo hay un bebé con súper poderes sentado tan ricamente, y después del movimiento de 180 grados vemos a la madre caminando por el suelo “real” (último fotograma) y con este movimiento de cámara descubrimos que el bebé, en realidad está sentado ¡en el techo boca abajo!.

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Plano holandés: Llamado también “plano aberrante”. La cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena.

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viernes, 9 de agosto de 2013

ACTORES – La Mecánica de Emocionarse.

La emoción es un estado de ánimo originado por una sensación o una idea de intensidad bastante para producir una conmoción orgánica que el sujeto percibe, y que exterioriza en gestos y actitudes, vale decir, en movimientos musculares.

Estas reacciones, lógicamente, difieren según la causa que las motiva y la idiosincrasia del individuo, dependiente de su constitución física y, en mucho mayor grado, de su educación intelectual y del ambiente social en que se ha formado. Registrada en el cerebro, la sensación es captada por nervios que la trasmiten a los músculos correlativos, los cuales la traducen, como se ha dicho, en movimientos.

imageLa mirada debe estar siempre en armonía con el movimiento de los músculos faciales.

Los gestos y ademanes que se hacen en escena, no son siempre idénticos a los espontáneos sino algo más complicados que en la realidad, aunque no más exagerados; la necesidad de que los intérpretes no incurran en movimientos o actitudes antiestéticas, obliga, frecuentemente, a seguir una línea distinta de la común en la vida ordinaria.

Excepto en situaciones especialísimas, el momento interpretativo se desarrolla por este orden: mirada, acción y palabra. Cuando un amigo viene a casa a visitarnos, primero nos mira, después nos extiende la mano, y por último o simultáneamente, nos habla.
He aquí, algunas manifestaciones afectivas:

Amor, que a su vez puede ser… 
  • Maternal: Este no requeriría, en verdad, acotación alguna, el amor de la madre a su hijo se expresa, escénicamente y en circunstancias normales, con miradas de intima complacencia, sonrisa sostenida, voz mimosa que toma, frecuentemente, inflexiones infantiles, y tacto cauteloso y suave al manejarlo.
  • Místico: Ademanes y gestos muy moderados; andar de ritmo lento con la cabeza levemente inclinada; voz clara, pero no alta, con muy pocas y medidas inflexiones; sonrisa apenas esbozada; mirada apacible, frecuentemente perdida en un punto incierto, que adquiere vida e intensidad al fijarse en una imagen sagrada.
  • Ingenuo: Ingravidez de todo el cuerpo; miradas tiernas. ademanes amables, voz dulce, caricias tímidas.
Las manifestaciones precedentes son, como se deduce, propias de los jóvenes; los adultos, en términos generales, son más comedidos, aunque unos y otros ofrecen como características comunes, la voz arrulladora, pero no monótona, y el brillo de los ojos, que revela felicidad; en los hombres, se agrega una actitud de protección que se traduce en diversos detalles:

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  • Los celos: Que a su vez, pueden revelarse en manifestaciones de tristeza o de cólera, o de una y otra, según el estado de ánimo del personaje.
  • Los besos: No requieren de técnica especial el que se da en la mejilla o en la frente, ni el que, acompañado de una reverencia, se estampa en la mano de una dama; es necesario, en cambio, decir unas palabras, acerca del que, casi sin excepciones, constituye el complemento y remate de las escenas amorosas.
La actriz y el actor en ciernes, tienen que hacerse a la idea de que nada de cuanto acontece en la obra guarda la menor relación con su vida real; su tarea consiste en trasmitir al auditorio emociones que no son propias, sino de los personajes que encarnan, y por ello, el roce de sus labios con los de otro intérprete de distinto sexo, no difiere del hecho de propinar o recibir una bofetada, de estrechar una mano, o de hacer cualquier ademán.

Alguna que otra vez el beso es fulminante o robado; lo más frecuente, es que constituya el remate de un diálogo, durante el cual los dos términos del binomio, se han ido aproximando gradualmente, a medida que el clima erótico iba en ascenso; su duración depende. por supuesto, de la situación descrita por el autor, siendo preferible, por muchas razones, que pequen por breves y no por largos.

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Son manifestaciones de la cólera: la contracción de las cejas y de las mandíbulas; la tensión de los músculos faciales; la crispación de los puños, la dilatación de los ojos; el enronquecimiento de la voz y, muy característicamente, la respiración. Va desde el simple recelo, que solamente se revela en la palabra, hasta el pánico, que puede enloquecer a una persona.

Mucho más difícil que fingir tristeza cuando nada conturba nuestro ánimo, es simular alegría cuando más embarga una pena o una preocupación.

La risa, elemento infaltable en las situaciones cómicas y de sana alegría, debe ser muy bien ensayada para aprender sus diversos matices:
  • El sardónico, en tono grave, que denota desprecio o irritación.
  • La burla, con inflexiones ridículas.
  • Y el espontáneo, que tiene su complemento en gestos hilarantes, y culmina en la contagiosa carcajada.
Nunca hay que hablar mientras se ríe, sino entre uno y otro bocadillo. Tampoco hay que hablar mientras se llora o se solloza, sino entre las pausas, pero, lógicamente, el tono de la voz será lastimero.

Cuando el intérprete, como signo de aflicción, se cubre la cara con las manos, debe dejar bien visible su boca, confiando a ésta, en esos momentos, la expresión de dolor que ha de llegar al público.

viernes, 26 de julio de 2013

FILM OBJETIVO, FILM SUBJETIVO

 
image Si existe una gramática  en el cine, es Griffith quien, incontestablemente, ha sentado las bases de ello. Creo que en la actualidad no se tiene lo bastante presente hasta qué punto la contribución de este cineasta ha sido fundamental.

Imaginar a un director que descubre, apenas veinte años después de la invención de la cámara, que se puede pasar de un plano general a un primer plano, es como si James Joyce hubiera escrito el Ulyses sólo veinte años después de la invención de la imprenta.

image Es revolucionario porque demostró que la continuidad visual no es primordial, que sólo es importante la continuidad emocional. A partir de este principio sentó las bases de una gramática de cámara, que cada uno es libre de adaptar a su manera, en función de lo que pretende expresar.

Cuando se decide ubicar la cámara para un plano determinado, se hace de forma puramente intuitiva, aunque esta intuición, que se basa a la vez en las películas que se han visto y las que se han rodado, está en perpetua evolución, como el director en si.

El único momento en el que realmente se reflexiona de un modo analítico sobre la puesta en escena es antes del rodaje, cuando se intenta determinar si se trata de un film objetivo o subjetivo.

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Así, se ha desarrollado una teoría según la cual hay dos tipos de películas, que se incluyen en las dos categorías anteriormente citadas:
  • Un film subjetivo es una interpretación personal, es decir, un film en el que se ordenan las cosas para presentar un punto de vista sobre un tema o una historia determinada a fin de manipular las emociones del público en una cierta dirección.
  • Un film objetivo es todo lo contrario: en este caso el papel consiste en retirarse y mostrar las cosas del modo más sencillo posible, para dejar que el propio espectador elija cómo quiere reaccionar emocionalmente.
Por ejemplo, Ocean’s Eleven es un film subjetivo, mientras que Traffic es el paradigma mismo de film objetivo. Ahora bien, cada enfoque exige su propio lenguaje, y por ello es necesario que se sepa cuanto antes en qué categoría se incluye el film que se dispone a rodar.

viernes, 19 de julio de 2013

LEY DE CINE - 55/2007, de 28 de diciembre.

En lo referente al reglamento cinematográfico actual, este se rige por la Ley 55/2007, de 28 de diciembre, que regula principalmente, los diferentes formatos cinematográficos, al personal creativo y a las diferentes industrias competentes, en la que dice así:

CAPÍTULO I

Disposiciones generales

Artículo 1  Objeto

image Esta Ley tiene por objeto la ordenación de los diversos aspectos sustantivos de la actividad cinematográfica y audiovisual desarrollada en España; la promoción y fomento de la producción, distribución y exhibición de obras cinematográficas y audiovisuales y el establecimiento tanto de condiciones que favorezcan su creación y difusión como de medidas para la conservación del patrimonio cinematográfico y audiovisual, todo ello en un contexto de defensa y promoción de la identidad y la diversidad culturales.

Artículo 2  Ámbito de aplicación

Lo dispuesto en esta Ley es de aplicación a las personas físicas residentes en España y a las empresas españolas y las nacionales de otros Estados miembros de la Unión Europea y del Espacio Económico Europeo establecidas en España de conformidad con el ordenamiento jurídico, que desarrollen actividades de creación, producción, distribución y exhibición cinematográfica y audiovisual así como industrias técnicas conexas.

Artículo 3  Órgano competente de la Administración General del Estado

En el ámbito de la Administración General del Estado y sin perjuicio de las funciones de otros Departamentos ministeriales, corresponde al Ministerio de Cultura, por medio del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, el ejercicio de las funciones estatales que en esta Ley se determinan.
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Artículo 4  Definiciones

A efectos de lo dispuesto en esta Ley, se entenderá por:
  • a) Película cinematográfica: Toda obra audiovisual, fijada en cualquier medio o soporte, en cuya elaboración quede definida la labor de creación, producción, montaje y posproducción y que esté destinada, en primer término, a su explotación comercial en salas de cine. Quedan excluidas de esta definición las meras reproducciones de acontecimientos o representaciones de cualquier índole.
  • b) Otras obras audiovisuales: Aquéllas que, cumpliendo los requisitos de la letra a), no estén destinadas a ser exhibidas en salas cinematográficas, sino que llegan al público a través de otros medios de comunicación.
  • c) Largometraje: La película cinematográfica que tenga una duración de sesenta minutos o superior, así como la que, con una duración superior a cuarenta y cinco minutos, sea producida en soporte de formato 70 mm., con un mínimo de 8 perforaciones por imagen.
  • d) Cortometraje: La película cinematográfica que tenga una duración inferior a sesenta minutos, excepto las de formato de 70 mm. que se contemplan en la letra anterior.
  • e) Película para televisión: La obra audiovisual unitaria de ficción, con características creativas similares a las de las películas cinematográficas, cuya duración sea superior a 60 minutos, tenga desenlace final y con la singularidad de que su explotación comercial esté destinada a su emisión o radiodifusión por operadores de televisión y no incluya, en primer término, la exhibición en salas de cine.
  • f) Película española: La que haya obtenido certificado de nacionalidad española, expedido conforme a lo que se dispone en el artículo 12.
  • g) Serie de televisión: La obra audiovisual formada por un conjunto de episodios de ficción, animación o documental con o sin título genérico común, destinada a ser emitida o radiodifundida por operadores de televisión de forma sucesiva y continuada, pudiendo cada episodio corresponder a una unidad narrativa o tener continuación en el episodio siguiente.
  • h) Piloto de serie de animación: La obra audiovisual de animación que marca las características y estilo que habrá de tener una serie y permite al productor la financiación y promoción de la misma.
  • i) Nuevo realizador: Aquel que no haya dirigido o codirigido más de dos largometrajes calificados para su explotación comercial en salas de exhibición cinematográfica.
  • j) Personal creativo: se considerará personal creativo de una película u obra audiovisual a:
    - Los autores, que a los efectos del artículo 5 de esta Ley son el director, el guionista, el director de fotografía y el compositor de la música.
    - Los actores y otros artistas que participen en la obra.
    - El personal creativo de carácter técnico: el montador jefe, el director artístico, el jefe de sonido, el figurinista y el jefe de caracterización.
  • k) Operador de televisión: La persona física o jurídica que asuma la responsabilidad editorial de la programación televisiva y que la transmita o la haga transmitir por un tercero, conforme a lo previsto en el artículo 3 de la Ley 25/1994, de 12 de julio, por la que se incorpora al ordenamiento jurídico español la Directiva 89/552/CEE, sobre la coordinación de disposiciones legales, reglamentarias y administrativas de los Estados miembros, relativas al ejercicio de actividades de radiodifusión televisiva.
  • l) Sala de exhibición cinematográfica: Local o recinto de exhibición cinematográfica abierto al público mediante precio o contraprestación fijado por el derecho de asistencia a la proyección de películas determinadas, bien sea dicho local permanente o de temporada, y cualesquiera que sean su ubicación y titularidad.
  • m) Complejo cinematográfico: El local que tenga dos o más pantallas de exhibición y cuya explotación se realice bajo la titularidad de una misma persona física o jurídica con identificación bajo un mismo rótulo.
  • n) Productor independiente:

1. Aquella persona física o jurídica que no sea objeto de influencia dominante por parte de un prestador de servicio de comunicación/difusión audiovisual ni de un titular de canal televisivo privado, ni, por su parte, ejerza una influencia dominante, ya sea, en cualesquiera de los supuestos, por razones de propiedad, participación financiera o por tener la facultad de condicionar, de algún modo, la toma de decisiones de los órganos de administración o gestión respectivos.
Sin perjuicio de otros supuestos, se entenderá, en todo caso, que la influencia dominante existe cuando concurran cualesquiera de las siguientes circunstancias:
  1. La pertenencia de una empresa productora y un prestador de servicio de comunicación/difusión audiovisual y/o un titular de un canal televisivo a un grupo de sociedades, de conformidad con lo establecido en el artículo 42 del Código de Comercio.
  2. La posesión, de forma directa o indirecta, por un prestador de un servicio de comunicación/difusión audiovisual o un titular de un canal televisivo de, al menos, un 20 por 100 del capital social, o de un 20 por 100 de los derechos de voto de una empresa productora.
  3. La posesión, de forma directa o indirecta, de una empresa productora de, al menos, un 20 por 100 de los derechos de voto de un prestador de servicio de comunicación/difusión audiovisual o de un titular de canal televisivo.
  4. La obtención por la empresa productora, durante los tres últimos ejercicios sociales, de más del 80 por 100 de su cifra de negocios acumulada procedente de un mismo prestador de servicio de comunicación/difusión audiovisual o titular de un canal televisivo de ámbito estatal. Esta circunstancia no será aplicable a las empresas productoras cuya cifra de negocio haya sido inferior a cuatro millones de euros durante los tres ejercicios sociales precedentes, ni durante los tres primeros años de actividad de la empresa.
  5. La posesión, de forma directa o indirecta, por cualquier persona física o jurídica de, al menos, un 20 por 100 del capital suscrito o de los derechos de voto de una empresa productora y, simultáneamente, de, al menos un 20 por 100, del capital social o de los derechos de voto de un prestador de servicio de comunicación/difusión audiovisual y/o de un titular de canal televisivo.

2. Asimismo, aquella persona física o jurídica que no esté vinculada a una empresa de capital no comunitario, dependiendo de ella en función de sus órganos ejecutivos, su accionariado, su capacidad de decisión o su estrategia empresarial.
  • ñ) Distribuidor independiente: Aquella persona física o jurídica que, ejerciendo la actividad de distribución cinematográfica o audiovisual, no esté participada mayoritariamente por una empresa de capital no comunitario, ni dependa de ella en función de sus órganos ejecutivos, su accionariado, su capacidad de decisión o su estrategia empresarial.
Asimismo, se considerará independiente a la empresa distribuidora que no esté participada mayoritariamente por un operador televisivo, por una red de comunicaciones o por capital público, tengan o no carácter comunitario, ni dependan de ellos en función de sus órganos ejecutivos, su accionariado, su capacidad de decisión o su estrategia empresarial.
  • o) Exhibidor independiente: Aquella persona física o jurídica que ejerza la actividad de exhibición cinematográfica y cuyo capital mayoritario o igualitario no tenga carácter extracomunitario.
Asimismo, que no esté participada mayoritariamente por empresas de producción o distribución de capital no comunitario, ni dependa de ellas en función de sus órganos ejecutivos, su accionariado, su capacidad de decisión o su estrategia empresarial.
Igualmente, que no esté participada mayoritariamente por un operador televisivo, por una red de comunicaciones o por capital público, tengan o no carácter comunitario, ni dependan de ellos en función de sus órganos ejecutivos, su accionariado, su capacidad de decisión o su estrategia empresarial.
  • p) Industrias técnicas: El conjunto de industrias necesarias para la elaboración de la obra cinematográfica o audiovisual, desde el rodaje hasta la consecución de la primera copia estándar o del máster digital, más las necesarias para la distribución y difusión de la obra por cualquier medio.