jueves, 24 de marzo de 2011

200 C0NSEJOS PRACTICOS DE CINE (116 al 120)

116. Título intermedio como remiendo

Al preparar las escenas para el montaje, puede resultar que en realidad le falta una toma necesaria, sea porque no la haya hecho, sea porque algún daño grave la haya hecho inutilizable.
Si se omite la escena, se produce una falta de ligazón en la película.... ¡No es una situación inimaginable; ocurre muchas veces! Resuelve el problema introduciendo un texto aclaratorio en forma de un título intermedio; pero manten ese título intermedio brevemente e intenta que forme una unidad con el resto de la película, para que no te pregunten si se le olvidó filmar un trocito.



117. Título final

Puede haber un título al final de su película a condición de que sea corto y no permanezca largo tiempo en la pantalla. Lo más natural sería la simple indicación «fin». Sin embargo, no es muy original y cabe pensar en algo distinto, por ejemplo «hasta la vista» o al final de una película de vacaciones «hasta el año que viene». No está mal tampoco por ejemplo: «una película de...». Después de haber mantenido el título final algunos segundos en imagen, se oscurece con un fundido y listo. Cuando la imagen esté completamente oscura.

118. Acabado del título final

Para evitar una transición abrupta y preparar a su público para el final de la película, puede anteponer al título final un trocito negro de película de aproximadamente 3 s., montando después del título final otro trozo negro de unos 5 s. Durante estos cinco últimos segundos puede encenderse alguna luz en la habitación, y mejor todavía una luz atenuada, lo cual dará un aspecto mas profesional.

119. Regulación de la cámara respecto al título

Se debe prestar atención a que el título sea legible, lo cual depende en alto grado de la elección correcta de las fuentes, del color y del fondo, así como del tamaño. Elija letras grandes, gruesas y anchas; letras que efectivamente sean fáciles de leer.
Y recuerda, la duración, siempre debe ser no inferior a... el tiempo de lectura normal multiplicado por dos.



120. Fondos para títulos

Aparte de los fondos que proporcionan los editores digitales de montaje, existen métodos manuales, sencillos para utilizar como fondo un material que cada vez sea distinto. Un fondo que puede ser desigual escabroso, rugoso o roto, puede estar formado por partes unidas, sin que sea necesario que se ajusten bien; piedras sueltas, guijarros, una capa de harina o de arena, de yute, de todo. Para ello se utiliza un cristal que se coloca a unos centímetros por encima del fondo. Sobre este cristal se monta el texto recortado, y listos para filmar, tanto en interiores como en exteriores. Para la iluminación basta una buena fuente de luz, dirigida lateralmente, situando al otro lado una lámpara de menor potencia, para obtener una iluminación uniforme. Hay que evitar reflejos de luz en el cristal. Para tener enfocado tanto el título como el fondo, se debe filmar con el menor diafragma posible.

jueves, 17 de marzo de 2011

PROFUNDIAD DE CAMPO

En el mundo del cine se presta mucha atención a la profundidad de campo. Con cámaras digitales es más complicado, ya que los pequeños CCDs que captan la luz producen mucha más profundidad de campo que cualquier lente de cine.

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, como la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sería: La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.


Técnicas:


1. Da prioridad a las tomas con objetivos largos. Cuanto más teleobjetivo, menor profundidad de campo. Estas longitudes de foco también contribuyen a reducir el contraste y la saturación, debido a elementos atmosféricos.

2. Da preferencia a la prioridad de apertura (comenzar por diafragma más abierto, que da más profundidad de campo) y ajustar la iluminación así, en vez de iluminar primero y ajustar diafragma después.

3. Planea dejar alguna distancia entre los sujetos y el fondo, en las tomas. No dejes que una excesiva nitidez del decorado desvíe la atención del público hacia donde no quieres.


Practicas:

- La apertura de diafragma

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.

Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.


- La distancia focal (zoom)

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.


- La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

viernes, 11 de marzo de 2011

Como se Hizo... AVATAR

Es sin duda una de las películas mas impresionantes de los últimos tiempos... y es que sin duda su director James Cameron, es espectacular. Hace trabajos de tarde en tarde... pero cuando los presenta crea escuela...

viernes, 4 de marzo de 2011

EL CASTING CON ACTORES PROFESIONALES (Consejos Praticos)

Todos hemos realizado nuestros cortos tirando de amiguetes, hermanos, padres, primos y mascotas. Otros han ido un poquito más allá, y han ido a buscar "material humano" a escuelas municipales de actores aficionados. Bien. Todos ellos tienen en común una actitud absolutamente positiva hacia el proyecto.


Todos van a trabajar gratis, evidentemente, y saben que se les va a exigir de acuerdo con su conocimiento, que es más bien escaso. Esa es la característica general de un corto "de primera generación"; siempre hay actores jóvenes, e ideas potentes que no descargan el peso narrativo en la calidad de actuación. Pero llega un momento, amigos, en el que el buen cineasta independiente ha de dar un paso adelante: Pensar a lo grande, y preguntarse por qué no hablamos con Antonio Banderas para nuestro próximo corto en vídeo digital. ¿Eh?

Bueno, Quizá Antonio está un poco ocupado con sus producciones en América, pero no por ello debemos desanimarnos. Además de poder disfrutar con el arte de un actor profesional en tu corto, nunca viene mal para la promoción tener a una estrella. Aquí tienes unos cuantos mitos y consejos para abordar a un actor o actriz famosos y engancharles para tu proyecto.1. Tengo que pagarle un pastón por trabajar en mi peli... FALSO. Los actores profesionales están encantados de trabajar gratis en proyectos serios, que les proporcionen un desafío interpretativo. Lo que hace falta es que tu idea y el retrato de tus personajes sea suficientemente interesante.

1. Tengo que pagarle un pastón por trabajar en mi peli... FALSO. Los actores profesionales están encantados de trabajar gratis en proyectos serios, que les proporcionen un desafío interpretativo. Lo que hace falta es que tu idea y el retrato de tus personajes sea suficientemente interesante.

2. Estos ven a un aficionado y no hacen ni caso. CIERTO. Pero lo importante es que, para el mundo fuera de tu habitación (donde dejas tus dudas y temores), TU NO ERES UN AFICIONADO, ¿no?... Auto confianza es la palabra. No estés nervioso. La auto confianza es la virtud más apreciada para un director/productor independiente. Mantén en tu cabeza que van a aceptar tu guión. Lo que tienes que transmitir no es que tú estás loco por que Rosa María Sardá trabaje en tu corto, sino más bien que estás CONVENCIDO de que ese papel es perfecto para ella. Y si no lo aceptan, pues tampoco es el fin del mundo. Simplemente pregunta.

3. Si consigues una audición, se educado y respetuoso. Demuéstrale en ese momento que sabes hacer crecerse a los actores en tu peli, que sabes sacar lo mejor de ellos.

4. Habla bien. No te puedes hacer idea de lo importante que es para un actor (y por extensión para todo aquel al que vayas a pedir algo) hablar correctamente. Imagínate que alguna vez eres famoso y te hacen entrevistas para la tele, o que vas a la tertulia sobre cine español de la 2. Grábate y compara con lo que oirás en el programa. ¿Encaja?



5. Si tienes presupuesto para pagarle, no hables continuamente de dinero. Está claro que quieren oír la oferta económica que les vas a hacer, pero para ellos probablemente es más importante hablar del proyecto artístico. No conviertas el dinero, la financiación, la forma de pago... en el centro de la conversación. Intenta tener una cita de negocios con un estilo personal, en vez de una cita personal con un estilo de negociante.

6. Para hablar con estrellas, llama primero a su agente. Nunca los llames directamente. Es un axioma fundamental del casting profesional. y desde luego, si su agente te dice que no hay posibilidad, no insistas.



Hay una gran cantidad de actores profesionales que están encantados de trabajar en proyectos de cortometraje con planteamientos serios. Los actores recién salidos a la "fama" a través de series de televisión son un grupo prioritario en tu búsqueda. Los actores secundarios clásicos te darán muchísima experiencia y saber hacer, y también suelen estar disponibles siempre que no estén metidos en otras producciones. Lo importante es perseverar, no desanimarse ante las negativas y confiar en que el próximo será el actor perfecto para tu corto. ¡Suerte y auto confianza!