jueves, 29 de diciembre de 2011

3er ANIVERSARIO de AMR Producciones

¡¡ Gracias a todos... !!
Hoy Cumplimos Tres Añitos...

Hace hoy exactamente tres años, que comenzó la andadura de este nuestro blog, con el propósito de un deseo cumplido... crear un club de rodaje


En estos tres añitos de vida... hemos conseguido grandes logros...
Un blog didáctico y educativo con Casi 200 seguidores...
231.000 y pico de visitas...
La Fundacion de AMR Producciones club de rodaje...
Rodar tres cortometrajes... (El Experimento) (Renterfas) y (Hope)
un Video-Clip musical de MEDINA AZAHARA
y ademas... nuestra primera película... Digooo...
y Sobre todo esto... un montón de buenos y nuevos amigos...

GRACIAS A TODOS VOSOTROS...
¡¡¡ MIL GRACIAS... !!!


lunes, 28 de noviembre de 2011

Nuevo Cortometraje de AMR Producciones... HOPE

Buenas a todos... después de varios meses de trabajo, os presento mi nuevo cortometraje de animación...

Se llama Hope, como su personaje principal y trata de como un chico que va paseando tranquilamente por el bosque cercano a su casa, se ve inmerso en el accidente de una nave espacial. Este conocera a un alienigena, un tanto especial, con el que entablara una amistad verdadera... pero lo que menos el sospechara, es que este suceso va a cambiarle su vida... y quizas tambien... la de todos nosotros...






Espero que os guste...




Miguel A. Crespo - Córdoba - 2011

Todos los Derechos Reservados.



La realizacion es integramente digital y todo el proceso ha sido realizado por el autor... Guion, Dirección y Montaje.

lunes, 10 de octubre de 2011

La DIRECCIÓN de ACTORES

Para ser un buen director, se han de seguir un mínimo de pautas con las que organizar el trabajo y aunque cada uno tiene su propia técnica, existen pasos que más o menos todos han de seguir para poner en marcha el engranaje de un buen rodaje.

Primeramente se analiza el guión cinematográfico, buscando respuestas a preguntas tales como ¿De que trata el guión? ¿Cuáles son sus imágenes y sus? ¿Qué tipo de investigación necesitas hacer? Así vamos descubriendo los entresijos de cada personaje. El objetivo de este análisis es entender el guión y conocerlo tan bien que lo puedas cambiar, modificar, jugar con él y darle la vuelta para encontrar la mejor manera de dirigirlo. Se trata de ganar seguridad y confianza sabiendo qué quieren los personajes, para así poder dirigir a los actores en los ensayos y en el Set de rodaje.

Es muy importante que los directores se pongan en el lugar del actor. Sólo actuando y poniéndose en lugar del actor descubrirás que siente este en su propia piel y las indicaciones de dirección que llegan o no llegan para lograr un buen resultado. El director depende totalmente del actor y debe estar siempre a la búsqueda de nuevas técnicas, de nuevos procesos para llegar a comprenderle. Por esto es tan importante llegar a sentir lo que el propio actor siente.


Cuando se trabaja delante de una cámara tenemos que ser conscientes de los medios técnicos. Sabemos que no es necesario una gran expresión corporal ya que casi siempre estaremos en planos medios y cortos; no es necesario una gran proyección vocal, ya que tenemos un micro que nos permite prácticamente susurrar encontrando matices que encima de un escenario nos seria imposible; no es necesario una gran expresividad facial ya que la cámara es capaz de captar cualquier expresión aunque sea mínima. Al fin y al cabo el trabajo delante de cámara nos exige credibilidad. ¿Como conseguirla? Esa es la clave…

Cuando lees un guión es natural oír las frases y visionar a los personajes, sus gestos, su vestuario, etc.…. en tu mente. La tendencia es quedarnos en la superficie y enseguida interpretar las frases de una manera obvia. El propósito del análisis del guión es encontrar quien es esta gente (los personajes) y que les pasa, para poder ser los contadores de esta historia. Sólo con un buen análisis del guión puedes llegar a ser íntimo con los personajes y descubrir el contexto de la historia y construir la credibilidad de los personajes.


Muchos directores son principalmente visuales y les cuesta hablar al actor de lo que está en su mente del personaje o hacia donde va la película. El guión, los diálogos y las descripciones, sólo son pistas para dibujar un personaje y es el privilegio y el deber de los actores y sobre todo del director encontrar su comportamiento y su mundo ficticio.

La dirección de actores es el trabajo principal y más importante de un director cinematográfico, sin duda y aunque hayan unos efectos especiales increíbles o una fotografía preciosa, si los actores no transmiten, la película no llegará a crear las emociones que se pretende.

lunes, 3 de octubre de 2011

Metodos de Actuación (Metodo de STRASBERG)

En líneas generales, este metodo, es la adaptación del método Stanislavski por parte de Lee Srasberg, el cual tenía como objetivo básico la consecución de la organicidad dentro de la actuación; o, dicho de otro modo, la reproducción sobre la escena (o ante la cámara) de los procesos emocionales que se experimentan en la vida real. De ahí que Strasberg exigiera a sus alumnos y a los actores que tenía a sus órdenes la búsqueda de sus propias vivencias emocionales: un arduo trabajo realizado sobre la memoria propia y, al mismo tiempo, relacionado con los motivos más hondos que pudieran llevar al personaje interpretado a actuar como lo hacía en cada momento.

Pronto se vio que el método de Strasberg ofrecía un singular rendimiento dentro del campo cinematográfico, donde, por un lado, se exigía a los actores una mayor naturalidad que en los escenarios teatrales; y, por otro lado, se podía captar con absoluta fidelidad los menores registros expresivos. El propio Srasberg expuso sus técnicas de interpretación en el libro Un sueño de pasión. El desarrollo del Método.

Basicamente, los ejercicios que se realizan para conseguir el metodo, son los siguientes:

Concentración
Memoria de la emoción
Acción dramática
Caracterización
Observación
Ritmo

ENTRENAMIENTO EN LAS TÉCNICAS DEL MÉTODO DE STRASBERG

RELAJACIÓN + CONCENTRACIÓN= IMAGINACIÓN

RELAJACIÓN (mental, emocional y física)
· Ojos cerrados
· Postura abierta
· Sonidos:
a) Largo y profundo
b) Corto y explosivo
c) Hablar para afuera
d) Idioma inventado

CREACIÓN SENSORIAL
· Ojos cerrados
· Sentado y/o de pie
· Cinco sentidos

MOMENTO PRIVADO
· Ojos abiertos

1. Personal (durante el entrenamiento)
2. De personaje (al actuar)

SUSTITUCIONES
· Ojos abiertos
· De pie o sentados
· Por parejas

1. Simpatía (aceptación del compañero)
2. Sustitución (localizar alguna parte del compañero que nos permita sustituirlo, parcialmente, por otra persona conocida. Respuesta emotiva.)

CANTO Y BAILE

· Canto

1. Relajación
2. Sin movimiento
3. Contacto visual con una persona
4. Sonido por sílabas, largo y profundo, entonado

· Baile

5. Movimientos que involucren del cuello a la pelvis, sin repetirlos
6. Sonido por sílabas, corto y explosivo

COMPORTAMIENTO CORPORAL (ANIMAL)

· Ojos abiertos
· Postura libre

1. Observación
2. Expresión facial
3. Sonidos
4. Actitudes
5. Carácter
6. Reacciones

EN ESCENA

INDISPENSABLE:

1. Concentración
2. Relajación
3. Lugar (creación)
4. Inter-relación
5. Actividad física

APOYOS:

1. Objeto personal
2. Sensación total
3. Sustitución
4. Momento privado
5. Comportamiento corporal

PREGUNTAS PARA ESTABLECERSE EN LA SITUACIÓN DADA:

1. Quién soy (personaje, edad, condición física, social, salud, etc.,)
2. Cuándo ocurre (hora del día, fecha, estación del año, época, etc.,)
3. Dónde estoy (lugar, interior, exterior, etc.,)
4. Qué me rodea (tipo de terreno o de construcción, pisos, muebles, puertas, ventanas, texturas, etc.,)
5. Qué estoy haciendo aquí (vivienda, de paso, visita, espera, etc.,)
6. Qué es lo que quiero (propósito, objetivos determinados)
7. Cuál es mi obstáculo (qué impide mi propósito o mis objetivos determinados)
8. Qué hago para lograr lo que quiero (actividad física y/o sicológica que me lleva a cumplir mi propósito o mis objetivos determinados)
9. Cuál es mi relación (con el resto de los personajes)

PREGUNTAS PARA DECIDIR Y APOYAR LA CONDUCTA DEL PERSONAJE

1. Cuál es la urgencia de la escena (según mi propósito o mis objetivos determinados)
2. Qué hace que este momento sea diferente de otro momento en que yo -personaje- estuviera haciendo la misma actividad (circunstancia dada)
3. Qué haría como personaje si esta escena no ocurriera (momento privado de personaje, si es necesario)
4. Qué trabajo sensorial debo realizar (si es necesario)
5. Qué comportamiento corporal debo desarrollar (si es necesario)
6. Qué sustituciones debo realizar (si es necesario)

Y como una imagen vale mas que mil palabras... He aquí una explicación:







lunes, 26 de septiembre de 2011

¿QUE ES LA PRODUCCIÓN DE VIDEO?

Las diferencias entre "la producción de vídeo" y "producción televisiva" son cada más borrosas. La mayoría de la producción de vídeo se refiere a la no emisión del programa. Las producciones de vídeo se distribuyen generalmente a través de DVD u otro soporte o en línea.



A pesar de que las producciones de vídeo se hacen generalmente con un presupuesto más bajo, eso no quiere decir que no sean muy pocas personas las que los ven. Un simple recorrido por YouTube demuestra que millones de personas buscan en las producciones de vídeo todos los días.



La producción de televisión, en cambio, por lo general se muestra a una gran audiencia pública en la emisión o transmisión por cable, ya sea "en vivo" (durante la ejecución) o "registrados" (grabaciones de vídeo editado cuidadosamente). Las transmisiones de televisión están obligadas a cumplir con el estricto control de las normas técnicas.

Sin embargo, las producciones de televisión pueden ser consideradas como un tipo de producción de vídeo, una vez que se distribuyen en otro método que no sea de difusión (DVD, Internet, etc.)



Aun con la alta calidad que requirieren los consumidores hoy en día, estas se pueden hacer con equipos que van desde que el cumplimiento de los estándares profesionales más sofisticados hasta los de bajo costo. No hay ninguna razón intrínseca, sin embargo de, ¿por qué los productos finales seleccionados deben diferir en la calidad, estilo o eficacia en cuanto a la audiencia se refiere. Desde programas de vídeo que van desde presentaciones en un plan mas ambicioso destinado a su distribución masiva a los programas mas económicos diseñados para un público específico.

viernes, 2 de septiembre de 2011

PLANTILLAS PARA TU STORYBOARD

Con estas plantillas puedes dibujar fácilmente por la distribución ergonómica de sus cuadros. Cada uno de estos cuadros posee cuatro líneas para que puedas escribir una breve descripción de la acción ilustrada. Elije el formato de storyboard que más se acomode a tu necesidad. Puedes abrirla e imprimirla sin la necesidad de word.




¿Que se nececita para imprimir tu plantilla de storyboard?

Para imprimir tu formato de plantilla de storyboard, puedes escojer dentro de la gran variedad de formatos que ofrece. Puede elegir entre pdf o jpg y el tamaño que más le convenga para poder imprimirlo en 8.5 x 11 o en 11 x 17.

Es fácil y divertido elaborarlo, no tienes que ser un excelente dibujante ni un gran artista para hacerlo. Aunque si tienes buena habilidad en el dibujo puedes hacerlo bien detallado.

La idea del storyboard es plasmar de forma bien clara los eventos que van a seguir la animación, para que despues sea mas sencillo elaborar los planos de grabacion, es una gran ayuda al guion tecnico. El estilo es lo de menos. Puede ser a lápiz de carbón, lápiz de color, bolígrafo, tinta china, digital, a blanco y negro, a color, lo importante es encuadra la escena para ayudar el camara a logra el cuadro deseado.

Los formatos propuestos en esta página son los recomendados normalmente, pero también puede hacer la plantilla como más prefiera a su gusto.

Cada cuadro con un bosquejo ilustrado seguido de una breve descripción escrita.

De no poder ver las plantillas en formato PDF es que puede que no tenga instalado el Adobe Reader. Si lo desea puede descargarlo y asi poder visualizar sus plantillas en PDF con mejor calidad, superando asi las hechas en word.

Todas las plantillas Storyboard en formatos JPG y PDF comprimas en un ZIP

martes, 26 de julio de 2011

PEDRO MASÓ

Pedro Masó Paulet, nacio en Madrid el 26 de enero de 1927 y murio el 23 de septiembre de 2008. fue un magnifico director, guionista y productor de cine español.

Desarrollado una actividad infatigable en el ámbito cinematográfico, en total, dirigió 14 peliculas, escribió 146 guiones y produjo otros 82 filmes, sin contar su labor como productor y realizador televisivo: produjo seis series, algunas de ellas clásicos como Anillos de oro (1983) o Brigada central (1988).

Su relación con el cine se remonta a cuando era botones de los Estudios Chamartín. Poco a poco va escalando puestos: con 20 años fue ayudante de producción de José Luis Sáenz de Heredia en el rodaje de El escándalo (1943). En 1953 debuta como guionista en Como la tierra y es nombrado jefe de producción con apenas veintiséis años. Participa en títulos de éxito como Manolo guardia urbano (1956) y Los Ángeles del volante (1957). En 1958 firmó el guión de uno de los títulos más famosos de la historia del cine español, Las chicas de la Cruz Roja, lo que le abrió las puertas de la dirección de cine con el filme de 1961 Tres de la Cruz Roja. Al año siguiente (1962) se transforma en productor al crear su propia compañía, Pedro Masó Producciones Cinematográficas, con la que consigue algunos de los mayores éxitos comerciales del cine español como Atraco a las tres, Vacaciones para Ivette, Un millón a la basura, La ciudad no es para mí y la trilogía La gran familia, La familia y uno más y La familia bien, gracias.




En 1986 funda la sociedad Escorpio Films, S.A. como filial de Pedro Masó Producciones Cinematográficas y produce su primer largometraje basado en una novela de Miguel Delibes, que dirige Antonio Mercero, titulada El Tesoro.



Para televisión rodó Anillos de oro (1983), Segunda enseñanza (1985) (ambas con Ana Diosdado como guionista y protagonista), Brigada Central (1989), con Imanol Arias y, a partir de 1993 dirige y produce para Antena 3 Televisión la serie Compuesta y sin novio, protagonizada por Lina Morgan y José Coronado.





Pedro Masó, muy dotado para el costumbrismo como guionista, director y productor, supo sintonizar con los gustos de la sociedad española de posguerra y aprovechó también el genio de grandes guionistas como Rafael Azcona; impulsó la carrera de directores como José María Forqué, Javier Aguirre y Pedro Lazaga y la de actores dotados para la comedia -su género predilecto- como Alfredo Landa o Paco Martínez Soria; asimismo, descubrió al público a algunos otros importantes actores, como Javier Bardem o Aitana Sánchez-Gijón.

Pedro Masó se fue, pero al final nos dejo su legado un cine bien hecho y al cual le supo dar ese toque con el que siempre nos llego al corazón...

FILMOGRAFIA

Como Director de Cine


1954 - La patrulla
1956 - Roberto el diablo
1971 - Las Ibéricas F.C.
1972 - Experiencia prematrimonial
1972 - Las colocadas
1974 - Una chica y un señor
1974 - Un hombre como los demás
1975 - A Menor Violentada
1975 - Las adolescentes
1976 - La menor
1977 - La coquito
1979 - La miel
1979 - La familia, bien, gracias
1980 - El divorcio que viene
1981 - 127 millones libres de impuestos
1991 - Puente aéreo
1995 - Hermana, pero ¿qué has hecho?

Como Director de Televisión

1983 - Anillos de oro
1986 - Segunda enseñanza
1989 - Brigada central
1993 - Compuesta y sin Novio
1999 - La familia... 30 años después

martes, 5 de julio de 2011

RENTERFAS - Guerra Total (2011 - Miguel A. Crespo)

Bueno... no se si os habréis percatado, pero últimamente tengo el blog un poco desatendido... en fin todo no se puede hacer a la vez... y es que he estado trabajando en un nuevo proyecto y me ha entretenido bastante...

La verdad, es que empezó siendo un mero asunto de investigación... Andaba yo probando varios programas de diseño y retoque 3D y junte bastante material, cuando me dije... porque no armar algo con todo esto y darle un poco de forma... pues dicho y hecho... salio esto... espero que os guste...




El argumento es simplemente, que a alguno de estos dictadores maniáticos y medio zumbaos que hay por ay... se le ha ido la mano y se ha pasado de listo con su carrera armamentista nuclear... resultado... amenaza a las demás naciones e intervención militar... algo bastante normal últimamente parece ser... y es que o tenemos muchos dictadores locos por ay... o es que nuestros políticos son algo ligeros de cascos... jajajajaja... en fin...

En realidad... a mi lo que me interesa de todo esto, es el cine como siempre... y probar el diseño de paisajes de programas como Vue xStream y su integración en 3Ds Studio Max... sobre todo, para añadir objetos a las escenas creadas con el primero y sobre todo, explosiones y manejo de partículas móviles en suspensión, tipo humo... fuego... detonaciones... etc... Con la integración de los plugins: Tapcode Particular y FumeFX en entornos de trabajo 3D y utilizando fondos de vídeo sin tener que hacer cromas posteriores.

También me interesaba mucho, la integración de otros programas como el Iclone y la importación y exportación de este y a este de objetos 3D a través sobre todo del 3dXchange y Poser, así como de este a otros programas como los anteriormente descritos y su animación y vocalización.

Por ultimo casi todo lo creado, era enriquecido y manipulado con Adobe After Effects para añadirle más efectos especiales y finalmente montado con Pinnacle Studio, que es un potentísimo editor, que ayuda mucho, sobre todo en el montaje visual de sonidos y otros complementos.

Espero que os guste... a mí desde luego, me ha entretenido bastante y sobre todo ha sido de lo más instructivo... porque como yo digo siempre... para aprender, lo mejor es practicar...

miércoles, 22 de junio de 2011

200 C0NSEJOS PRACTICOS DE CINE (121 al 125)

121. Fotografías como fondo de títulos

Cuando esté grabando en vacaciones, saque alguna foto que sea característica del lugar donde se encuentre. Esta foto puede utilizarla como fondo para un título. Debe situar el texto de tal modo que se adapte ala composición de la foto y que además resulte legible. Las letras blancas, naturalmente, no deben situarse en la fachada blanca de un edificio, sino juntamente sobre un fondo oscuro, sombreado, etc.

122. Títulos con fondo móvil

Para el título utilice letras blancas sobre fondo negro (consejos 51 y 52). Para determinar el diafragma necesario al tornar el título, ponga la mano sobre el título, a unos 15 cm. del objetivo. En caso de exposición automática, fije manualmente el resultado de la medición. Para filmar el título sitúe a ambos lados del mismo, sendas lámparas de unos 250 W, en posición oblicua y por encima del texto, a una distancia de unos 50 cm. Debe intentar qué el título esté situado dentro del campo de imagen, en el lugar donde el fondo sea más uniforme: un cielo no demasiado claro, agua, etc.






123. Títulos en sobreimpresión

Existen cámaras en las cuales está incorporada una instalación, «superimpose» que consiste en que mientras se filma una escena normal, pueden incluirse textos.

124. Títulos con fondo móvil

En muchas casas hay animales domésticos. Aparte de perros y gatos, muchos hogares tienen, por ejemplo, pájaros. Si desea hacer una película sobre este tema, podría filmar el título como sigue.
Sitúe el animalillo en la jaula en el lugar donde quiere situar su título. En dicho punto, delante de las rejas, coloque un cristal en el cual haya aplicado con letras adhesivas o letras de plástico el título. El animalito debe estar lo más cerca posible de las rejas.
Después de regular la cámara (puede filmar, en el exterior) dele al animalito una hoja de lechuga y vea: su fondo está funcionando y está en plena acción. Igualmente puede usar un acuario como fondo.



125. Títulos mediante el sistema fotograma a fotograma

Si no quiere o no puede realizar un fondo móvil y tampoco le atrae la idea de una aparición súbita del título en la pantalla, recurra al dispositivo foto a foto. Podrá hacer aparecer las letras una por una hasta que se complete el texto.

A continuación siga filmando como máximo 18 i/s. Aplique este sistema sólo en títulos cortos. Para el título inicial, primero tome 18 imágenes de la superficie vacía coloreada para el título. Luego párese, coloque una letra y filme unas cuantas imágenes (de 3 a 5) con el dispositivo foto a foto. Pare otra vez, filme la segunda letra, etcétera. Es cómodo hacer una señal de antemano en la superficie del título donde deben colocarse las letras. Vigile que ya desde la primera imagen no se mueva nada. Utilizando el dispositivo foto a foto, debe cerrar el diafragma un grado, evitar imágenes sobreiluminadas.

domingo, 5 de junio de 2011

RENÉ CARDONA JR.

René Cardona Junior, Nació en México, D.F. el 11 de mayo de 1939, hijo del cineasta René Cardona y la Sra. Julieta Zacarías de Cardona. Es Director, Guionista y Productor de Cine.

En 1956 fabricó la primera cámara submarina que se uso en México y que alento a que se realizara la primera película submarina hablada en español en el mundo: "Un Nuevo Mundo". En 1957 dirigio los efectos especiales de la película "Pulgarcito" que ganó el primer premio en el Festival de Venecia.

En 1960 realizó sus primeras películas de largometraje como director en Cali, Colombia, con "Adorada Enemiga" y "Las Tres Elenas".





Él fue capaz de aprovechar el espíritu de cooperación entre las industrias del cine mexicano, español e italiano de finales de los años 70 y logro de hacer una serie de películas de un relativamente gran-presupuesto con profesionales internacionales. También fue capaz de contratar a varios actores populares de América durante este período, tales como Joseph Cotten , John Huston , Gene Barry , Stuart Whitman , John Ireland , Arthur Kennedy y Lionel Stander para ayudar a impulsar la venta de entradas internacionales.

Incursionó en una gran variedad de géneros para tocar todo, desde películas de desastres (ciclón 1978) a los dramas sensacionalistas de los acontecimientos históricos como Guayana, el crimen del siglo ( 1979 ).





Este breve período de éxito internacional se desvaneció a mediados de los años 80 y volvió a México rodando peliculas de tipo "B" en las próximas décadas hasta su muerte en 2003.

FILMOGRAFIA: (Como Director)

  • El Ataque de los Pájaros (1987) - Beaks: The Movie
  • El Tesoro de la Selva Perdida (1985) - The Treasure of the Amazon
  • Fabricantes de Pánico (Sitiados) (1980) - Traficantes de Pánico (I Guerrieri del Terrore)
  • Guayana: El Crimen del Siglo (1979) - Guayana: El Crimen del Siglo (Guyana: Cult of the Damned)
  • El Triángulo Diabólico de las Bermudas (1978) - The Bermuda Triangle
  • Ciclón (1978) - Cyclone (Terror Storm)
  • Tintorera, el tiburón tigre (1977) - Tintorera
  • La Noche De Los Mil Gatos (1972) - La Noche De Los Mil Gatos

domingo, 29 de mayo de 2011

Morpheus Photo Animation Suite Industrial v3.16

El todo-en-uno, la suite de animación incluye Morpheus Photo Morpher, así como todas las 15 muestras, deformaciones y mezclas. Si te gusta la animación, te enamoraras de Morpheus Photo Animation Suite!



Características:

• Fácil de usar asistente para ayudarle a empezar, además de todas las muestras del programa para jugar
• Morphing un número infinito de imágenes de uno a otro
• Un Subir Asistente para enviar sus animaciones directamente a Morpheus Galerías, YouTube o Photobucket
• Compartir las animaciones con amigos y familia sin problemas con la función integrada de correo electrónico
• El programa esta completamente rediseñado con una increíble nueva interfaz para trabajar en varias imágenes a la vez
• Un motor de iluminación, renderizado rápido para obtener una vista previa de los morfos derecho a jugar dentro del programa
• Rendering morfos en una variedad de formatos populares incluyendo Flash SWF y GIF animado
• Exportación de fotogramas transformarse en todavía formatos como JPEG, PNG, TIFF, y más
• Generación de la muestra de páginas web HTML para cada archivo procesado
• Guarda los diseños a medida que se trabaja, en un formato XML portátiles
• Ampliación a cualquier nivel de precisión de colocación de los puntos, así como transformación de las imágenes ampliadas
• Una ventana de tiempo para ver rápidamente una miniatura de cada cuadro en su morph

y mucho mas que iras descubriendo con el uso...

DESCARGA.



Pruebalo... y ya sabes... si te gusta compralo... xD ;P

lunes, 16 de mayo de 2011

LENGUAJE AUDIOVISUAL (Planos)

¿Qué planos debemos tomar en diferentes situaciones y por qué?

EL ¿POR QUÉ?

Significado de la posición de cámara y el valor del plano.

Valor de plano.

Los planos largos describen el lugar, establecen el ambiente, muestran las posibles relaciones y siguen una acción amplia. Pero si se mantiene mucho tiempo puede privar al espectador de los detalles que está deseando ver.

Los planos cortos ponen énfasis, dramatizan, muestran las acciones y describen los detalles. Pero si se mantienen mucho tiempo, impiden que el espectador integre el entorno de la escena (desorientación), no deja ver a los demás actores y borra la acción general.

Plano muy largo. ( Vista general) Con este plano el espectador desarrolla a menudo una actitud impersonal e imparcial frente a los personajes de la escena o una actitud de vigilancia.

Plano largo. (General) Se utiliza para comenzar una escena y así establecer una impresión de localización de ambiente.



El plano medio. Su significado se sitúa entre la fuerza ambiental del plano distante y el examen cuidadoso de los planos de cerca. Desde la toma completa hasta la de ¾ se pueden permitir gestos corporales amplios.

El primer plano. Es un valor de plano con mucha fuerza que concentra el interés. Si se trata de personas, atrae la atención sobre sus reacciones, respuestas y emociones. Los primeros planos pueden acentuar la información que de otro modo podría pasar desapercibida.

LOS PRIMEROS PLANOS CENTRAN LA ATENCIÓN Y PROPORCIONAN ÉNFASIS.


viernes, 6 de mayo de 2011

1080i

1080i es el nombre corto para una categoría de un modo de vídeo. El número 1080 significa 1080 líneas en resolución vertical, mientras que la letra i significa entrelazada y no progressive scan. 1080i es considerado un modo de vídeo HDTV. El término usualmente supone una relación de aspecto widescreen de 16:9, implicando una resolución horizontal de 1920 píxeles y con la resolución de fotogramas de 1920×1080 o cerca de 2.073.600 píxeles (más exactamente 1.036.800 píxeles reales refiriéndose a 1080i).



Diferencias entre 1080i y 1080p

Ambas muestran una resolución de 1920×1080, lo que ocurre es que en p actualiza todos los puntos de la imagen 60 veces por segundo, mientras que en i trabaja igual a 60 Hz, pero representa primero las líneas pares y en el siguiente ciclo las impares, es decir, que se reparten los 60 Hz: 30 Hz para las pares y 30 Hz para las impares.

1080i se nota apenas en cambios de escena, cuando por ejemplo se pasa de una escena oscura a una clara, pasan primero las líneas pares y 16 ms (milisegundos) después hacen lo mismo las impares, es en esos momentos cuando a la vista más sensible se puede llegar a notar el entrelazado, produciendo una "imagen fantasma" o estela.



Full-HD

Se conoce como Full-HD a la máxima resolución (1920x1080 píxeles, por ahora) en un televisor o pantalla de alta definición.

Es ahora el estándar en la alta definición (1920x1080p con 2.073.600 de puntos). Esta definición sobrepasa al HDTV común por un 100%, ya que la HD solamente dispone de 1080i con exploración entrelazada y 1.036.800 puntos.

El nivel de contraste suele variar entre 8.000 y 150.000:1, aunque las hay con mayores valores.

En la actualidad, el Blu-Ray es el único formato físico que tiene la capacidad de reproducir vídeo en Full-HD, y existen formatos digitales tales como el MKV, Quicktime, MP4 capaces de almacenar secuencias digitales en alta definición.

miércoles, 27 de abril de 2011

PRATICAS DE TRABAJO (5º)

Al montar un diálogo dramático, no eliminar nunca las pausas de un intérprete a no ser que nos lo pidan expresamente.

RAZÓN.

Hay varias cosas que pueden matar una interpretación, y ésta es una de ellas. El intérprete habrá ensayado el guión para lograr cierto impacto emocional durante la escena. Los actores afirman con mucha razón que el espacio entre palabras es tan importante como las propias palabras. Eliminar estos espacios (o pausas) en un monólogo o en un diálogo puede cambiar totalmente, en el peor de los casos, el significado de la escena.

SOLUCIONES.

Aceptar las pausas como guía y utilizarlas como motivación. Aceptar las pausas como un importante elemento integrado en el diálogo y no sólo como un momento en el que nadie está hablando.

EXCEPCIONES.

Todas las excepciones tienen que ver con la falta de tiempo.
En las noticias, documentales, y programas de actualidad, donde es necesario incluir la máxima cantidad de información verbal y visual en el mínimo espacio de tiempo, el montador se verá obligado a eliminar las pausas innecesarias.


lunes, 18 de abril de 2011

SE AVECINAN NUEVOS TIEMPOS

El mundo del cine esta cambiando y lo esta haciendo a pasos agigantados....

Recuerdo aquellos tiempos en los que los efectos especiales se hacían con maquetas y de fotograma en fotograma...

Con la irrupción de las computadoras, todo ha cambiado.... a mejor por supuesto... y de una manera realmente espectacular, los infograficos trabajan codo a codo con los directores y los creadores de efectos ya no son esos manitas tipo Macguiver que con un trozo de cinta aislante y cuatro chinchetas te construían un trucaje... ahora son los cerebritos de los ordenadores, los que diseñan mundos virtuales a partir de cero o funden animaciones realmente espectaculares, con la propia realidad, mediante otros programas tracing de seguimiento de objetos y posicionamiento de cámaras.



Naturalmente, las productoras y los estudios se están adaptando a esto muy rápidamente, y además, donde antes hacia falta un gigantesco presupuesto en decorados y extras... ahora con solo una parte del mismo y un puñado de programadores, se consigue lo mismo o mejor.

Pero que pasa con los actores... de momento creo que están a salvo... porque el nivel de gráficos aun no ha alcanzado la suficiente definición y realidad virtual para emularlos... pero... cuanto tiempo pasara para ello... personalmente creo que no mucho...



Entonces que esta pasando... pues creo que realmente estamos asistiendo a una verdadera revolución audiovisual, que va a cambiar todo el sistema...

Además en los próximos años asistiremos, quizás ya se este gestando.... al nacimiento de productoras desconocidas. Gente anónima que con mucha imaginación y poco presupuesto van ha hacer con muy pocos medios, increíbles obras de arte.

La difusión, realmente fácil... Internet... el mundo entero es el posible espectador de una sola persona que cuelgue algo en la red.

Donde nos llevara todo esto... el tiempo lo dirá...

martes, 12 de abril de 2011

EL MICROFONO

Los distintos tipos de micrófonos:

Existen muchos tipos de micrófonos, aunque todos contienen un elemento fundamental, la membrana o diafragma, el cual se expone ante el campo sonoro y capta y transmite las oscilaciones. Lo que diferencia los diversos tipos de micrófones el principio físico en virtud del cual las oscilaciones mecánicas de la membrana se convierten en oscilaciones eléctricas proporcionales. Los distintos tipos de micrófonos pueden ser de carbón, electroestáticos o de condensador, magnéticos, electrodinámicos... El grado de eficacia con el que se produce esta conversión es lo que se denomina sensibilidad del micrófono. En general, las señales sonoras están constituidas por un conjunto más o menos grande de componentes de frecuencia diversa, por lo cual el micrófono ha de estar en condiciones de responder a cada una de estas frecuencias, es decir, de presentar un comportamiento tan uniforme como sea posible dentro de un amplio campo de frecuencias. A este comportamiento se le llama "respuesta defrecuencia" del micrófono.


Características


Los micrófonos pueden ser unidireccionales que son más sensibles en una sola dirección, omnidireccionales que son los que presentan más o menos la misma sensibilidad en todas las direcciones o bidireccionales cuya sensibilidad afecta dos direcciones. Todas estas características particulares permiten adecuar el micrófono a las distintas necesidades de uso.


Un micrófono para cada necesidad


Por ejemplo, si se plantea la necesidad de captar la voz de un locutor en un ambiente ruidoso, el uso de un micrófono unidireccional situado frente a la boca del locutor, puede minimizar significativamente la molestia provocada por los sonidos ambientales inútiles. Lo importante para obtener los mejores resultados es contar con un buen micrófono que tenga una respuesta de frecuencia que se adapte a aquello que se está realizando o se pretende realizar. No es posible obtener resultados satisfactorios con micrófonos que cuesten 30 euros, por lo tanto a la hora de adquirir un micro nuevo hay que pensar en él como una inversión (entre 100 y 150 euros mínimo) si se quieren evitar sorpresas posteriores.

domingo, 3 de abril de 2011

DETECCIÓN DE CORTE (Automatica)

Se conoce como detección de corte a la detección automática de cortes en vídeo digital.

Propósito

La detección de corte es un recurso empleado en la postproducción de vídeo mediante computadora que le ahorra al operario la lenta tarea de buscar los cortes a mano. La detección automática de cortes también es uno de los pilares fundamentales del campo del archivado automático de vídeo, cuyo objetivo consiste en producir índices para grandes archivos de material de vídeo. La detección de corte puede ayudar tanto en la tarea de clasificar los vídeos como a la hora de elegir imágenes para una previsualización.

Cortes bruscos y suaves

En un corto suave por encadenado las escenas se unen mediante un efecto de transparencia. Se pueden diferenciar dos tipos de corte, los duros (conocidos en en inglés como hard cut) o suave (en inglés soft cut). Los cortes duros dan fin a la escena súbita y abruptamente, dando paso en el siguiente fotograma a la próxima escena.

En contraste, en un corte suave la primera escena se desvanece gradualmente dando paso a la escena siguiente. Mientras que con los algoritmos modernos se pueden detectar los cortes duros con muy buenos resultados, los cortes suaves siguen suponiendo un desafío para el procesamiento de imagen. El cambio brusco del contenido completo de la imagen en un corte duro puede detectarse con facilidad con técnicas simples como la diferencia de histogramas. El cambio gradual del contenido en un cambio suave da lugar a errores frecuentes de los algoritmos de detección actuales, pues confunden con facilidad escenas con movimiento de los objetos filmados y los cortes suaves. Proceso Proceso de detección de cortes consta de dos fases:

Cuantización.

Todos los fotogramas del vídeo digital se comparan con sus sucesores. De esta forma se asigna un valor a cada par de fotogramas sucesivos, que debe de tomar valores altos en presencia de cortes y pequeños en su ausencia.

Filtrado.

A continuación los valores asignados a cada par se comparan con un valor umbral, y se rechazan los pares cuyo valor está por debajo del umbral. En los pares que han quedado por encima del umbral se supone que hay un corte. Esta aproximación es vulnerable a errores. Como cualquier sobrepasamiento del umbral será interpretado como corte, éste debe de elegirse con cuidado. Por lo general se determina su valor óptimo por métodos estadísticos y confirmado por tests posteriores.

Un proceso de detección de corte se compone de dos partes, que se pueden optimizar independientemente. La cuantización se debe optimizar de forma que que los valores queden muy distribuidos, y también que las diferencias de los valores entre los cortes y los no-cortes sean tan grandes como sea posible.

El filtrado puede ser diseñado para ser permisivo, de forma que los cortes suaves no sean erróneamente detectados como muchos cortes sucesivos.


Schnitterkennung. (1) Detección de corte duro. (2) Fallo al detectar un corte suave por encadenado. (3) Una transición por encadenado en la que la escena siguiente aparece por la derecha y desplaza a la anterior da lugar erróneamente a la detección de dos cortes.

jueves, 24 de marzo de 2011

200 C0NSEJOS PRACTICOS DE CINE (116 al 120)

116. Título intermedio como remiendo

Al preparar las escenas para el montaje, puede resultar que en realidad le falta una toma necesaria, sea porque no la haya hecho, sea porque algún daño grave la haya hecho inutilizable.
Si se omite la escena, se produce una falta de ligazón en la película.... ¡No es una situación inimaginable; ocurre muchas veces! Resuelve el problema introduciendo un texto aclaratorio en forma de un título intermedio; pero manten ese título intermedio brevemente e intenta que forme una unidad con el resto de la película, para que no te pregunten si se le olvidó filmar un trocito.



117. Título final

Puede haber un título al final de su película a condición de que sea corto y no permanezca largo tiempo en la pantalla. Lo más natural sería la simple indicación «fin». Sin embargo, no es muy original y cabe pensar en algo distinto, por ejemplo «hasta la vista» o al final de una película de vacaciones «hasta el año que viene». No está mal tampoco por ejemplo: «una película de...». Después de haber mantenido el título final algunos segundos en imagen, se oscurece con un fundido y listo. Cuando la imagen esté completamente oscura.

118. Acabado del título final

Para evitar una transición abrupta y preparar a su público para el final de la película, puede anteponer al título final un trocito negro de película de aproximadamente 3 s., montando después del título final otro trozo negro de unos 5 s. Durante estos cinco últimos segundos puede encenderse alguna luz en la habitación, y mejor todavía una luz atenuada, lo cual dará un aspecto mas profesional.

119. Regulación de la cámara respecto al título

Se debe prestar atención a que el título sea legible, lo cual depende en alto grado de la elección correcta de las fuentes, del color y del fondo, así como del tamaño. Elija letras grandes, gruesas y anchas; letras que efectivamente sean fáciles de leer.
Y recuerda, la duración, siempre debe ser no inferior a... el tiempo de lectura normal multiplicado por dos.



120. Fondos para títulos

Aparte de los fondos que proporcionan los editores digitales de montaje, existen métodos manuales, sencillos para utilizar como fondo un material que cada vez sea distinto. Un fondo que puede ser desigual escabroso, rugoso o roto, puede estar formado por partes unidas, sin que sea necesario que se ajusten bien; piedras sueltas, guijarros, una capa de harina o de arena, de yute, de todo. Para ello se utiliza un cristal que se coloca a unos centímetros por encima del fondo. Sobre este cristal se monta el texto recortado, y listos para filmar, tanto en interiores como en exteriores. Para la iluminación basta una buena fuente de luz, dirigida lateralmente, situando al otro lado una lámpara de menor potencia, para obtener una iluminación uniforme. Hay que evitar reflejos de luz en el cristal. Para tener enfocado tanto el título como el fondo, se debe filmar con el menor diafragma posible.

jueves, 17 de marzo de 2011

PROFUNDIAD DE CAMPO

En el mundo del cine se presta mucha atención a la profundidad de campo. Con cámaras digitales es más complicado, ya que los pequeños CCDs que captan la luz producen mucha más profundidad de campo que cualquier lente de cine.

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, como la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sería: La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.


Técnicas:


1. Da prioridad a las tomas con objetivos largos. Cuanto más teleobjetivo, menor profundidad de campo. Estas longitudes de foco también contribuyen a reducir el contraste y la saturación, debido a elementos atmosféricos.

2. Da preferencia a la prioridad de apertura (comenzar por diafragma más abierto, que da más profundidad de campo) y ajustar la iluminación así, en vez de iluminar primero y ajustar diafragma después.

3. Planea dejar alguna distancia entre los sujetos y el fondo, en las tomas. No dejes que una excesiva nitidez del decorado desvíe la atención del público hacia donde no quieres.


Practicas:

- La apertura de diafragma

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.

Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.


- La distancia focal (zoom)

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.


- La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

viernes, 11 de marzo de 2011

Como se Hizo... AVATAR

Es sin duda una de las películas mas impresionantes de los últimos tiempos... y es que sin duda su director James Cameron, es espectacular. Hace trabajos de tarde en tarde... pero cuando los presenta crea escuela...

viernes, 4 de marzo de 2011

EL CASTING CON ACTORES PROFESIONALES (Consejos Praticos)

Todos hemos realizado nuestros cortos tirando de amiguetes, hermanos, padres, primos y mascotas. Otros han ido un poquito más allá, y han ido a buscar "material humano" a escuelas municipales de actores aficionados. Bien. Todos ellos tienen en común una actitud absolutamente positiva hacia el proyecto.


Todos van a trabajar gratis, evidentemente, y saben que se les va a exigir de acuerdo con su conocimiento, que es más bien escaso. Esa es la característica general de un corto "de primera generación"; siempre hay actores jóvenes, e ideas potentes que no descargan el peso narrativo en la calidad de actuación. Pero llega un momento, amigos, en el que el buen cineasta independiente ha de dar un paso adelante: Pensar a lo grande, y preguntarse por qué no hablamos con Antonio Banderas para nuestro próximo corto en vídeo digital. ¿Eh?

Bueno, Quizá Antonio está un poco ocupado con sus producciones en América, pero no por ello debemos desanimarnos. Además de poder disfrutar con el arte de un actor profesional en tu corto, nunca viene mal para la promoción tener a una estrella. Aquí tienes unos cuantos mitos y consejos para abordar a un actor o actriz famosos y engancharles para tu proyecto.1. Tengo que pagarle un pastón por trabajar en mi peli... FALSO. Los actores profesionales están encantados de trabajar gratis en proyectos serios, que les proporcionen un desafío interpretativo. Lo que hace falta es que tu idea y el retrato de tus personajes sea suficientemente interesante.

1. Tengo que pagarle un pastón por trabajar en mi peli... FALSO. Los actores profesionales están encantados de trabajar gratis en proyectos serios, que les proporcionen un desafío interpretativo. Lo que hace falta es que tu idea y el retrato de tus personajes sea suficientemente interesante.

2. Estos ven a un aficionado y no hacen ni caso. CIERTO. Pero lo importante es que, para el mundo fuera de tu habitación (donde dejas tus dudas y temores), TU NO ERES UN AFICIONADO, ¿no?... Auto confianza es la palabra. No estés nervioso. La auto confianza es la virtud más apreciada para un director/productor independiente. Mantén en tu cabeza que van a aceptar tu guión. Lo que tienes que transmitir no es que tú estás loco por que Rosa María Sardá trabaje en tu corto, sino más bien que estás CONVENCIDO de que ese papel es perfecto para ella. Y si no lo aceptan, pues tampoco es el fin del mundo. Simplemente pregunta.

3. Si consigues una audición, se educado y respetuoso. Demuéstrale en ese momento que sabes hacer crecerse a los actores en tu peli, que sabes sacar lo mejor de ellos.

4. Habla bien. No te puedes hacer idea de lo importante que es para un actor (y por extensión para todo aquel al que vayas a pedir algo) hablar correctamente. Imagínate que alguna vez eres famoso y te hacen entrevistas para la tele, o que vas a la tertulia sobre cine español de la 2. Grábate y compara con lo que oirás en el programa. ¿Encaja?



5. Si tienes presupuesto para pagarle, no hables continuamente de dinero. Está claro que quieren oír la oferta económica que les vas a hacer, pero para ellos probablemente es más importante hablar del proyecto artístico. No conviertas el dinero, la financiación, la forma de pago... en el centro de la conversación. Intenta tener una cita de negocios con un estilo personal, en vez de una cita personal con un estilo de negociante.

6. Para hablar con estrellas, llama primero a su agente. Nunca los llames directamente. Es un axioma fundamental del casting profesional. y desde luego, si su agente te dice que no hay posibilidad, no insistas.



Hay una gran cantidad de actores profesionales que están encantados de trabajar en proyectos de cortometraje con planteamientos serios. Los actores recién salidos a la "fama" a través de series de televisión son un grupo prioritario en tu búsqueda. Los actores secundarios clásicos te darán muchísima experiencia y saber hacer, y también suelen estar disponibles siempre que no estén metidos en otras producciones. Lo importante es perseverar, no desanimarse ante las negativas y confiar en que el próximo será el actor perfecto para tu corto. ¡Suerte y auto confianza!


miércoles, 23 de febrero de 2011

MOTION CAPTURE

La captura de movimiento en animacion, también conocida por su nombre en inglés, es una técnica para almacenar los movimientos de objetos o personajes reales, digitalmente. Se basa en las técnicas de fotogrametría y es usado principalmente en la industria del entretenimiento, deportes, o con fines médicos.

En el contexto de la producción de una película, se refiere a la técnica de almacenar las acciones de actores humanos, y usar esa información para animar modelos digitales de personajes en animación 3D.

El mejor método para diseñar personajes digitales en el ordenador no está, por su precio, al alcance de cualquiera, pero existen empresas con la tecnología necesaria para realizarla y que podrían hacerlo gratis si el cineasta amateur les presenta un proyecto que les interese.


El proceso en sí mismo es sencillo: el actor o actriz interpreta su escena vestid@ con una malla con sensores corporales, que transmiten la información sobre sus movimientos a una cámara digital. La información recogida por la cámara es procesada en el ordenador, que la utiliza como base para crear un personaje digital.



jueves, 17 de febrero de 2011

PRACTICAS DE TRABAJO (4º)

Cortar sólo entre planos que se correspondan.

RAZONES.

Los planos de cámara con un ángulo de objetivo similar y una distan­cia del sujeto similar tienen una profundidad de campo parecida, siem­pre que los planos tengan un contenido y una composición similares.

En el diagrama 1, dos personas se encuentran de pie ante a un pai­saje. Las posiciones de cámara de A y B están a una distancia similar de cada sujeto. Ambos planos se toman, por ejemplo, con un ángulo de obje­tivo del 10, y ambos planos encuadran un primer plano amplio (PPA). En este caso, el montador contará con unos fondos igualmente desenfocados.



En el diagrama 2, la posición de cámara ha variado. En la posición B, el ángulo de cámara es ahora de 40 y, pero la composición de plano sigue siendo la misma, un PPA.

En este caso, el fondo estará enfocado. Por consiguiente, el montador cortará de un PPA con un fondo "desenfocado'' a un PPA con un fondo "enfocado".

En el plano puede haber otros elementos que no se correspondan:

SOLUCIÓN.

Si se dispone de una serie de buenos planos, es preferible elegir los que gocen de una calidad y fondos similares.

EXCEPCIÓN.

En general, cuanto más amplio sea el objetivo utilizado, más enfocada estará la imagen del fondo. En otras palabras, la profundidad de campo es mayor.

La excepción a esta práctica se produce cuando debe utilizarse un ángulo amplio para mostrar el movimiento de un sujeto de adelante a atrás, o viceversa.

miércoles, 9 de febrero de 2011

Proyecto: Time-Lapse Dolly casera

Hoy veremos un proyecto, para diseñar una plataforma que podría mover una cámara desde el punto A al punto B sin problemas a una velocidad tan lenta es casi imperceptible por el ojo humano. El objetivo de esta plataforma es capturar video en Time-Lapse.

El video-carro Time-Lapse se controla electrónicamente, lo que permite al usuario ajustar tanto la velocidad y la dirección del movimiento.
La plataforma se mueve hacia abajo por pistas de tubería a una velocidad de alrededor de 2 pulgadas/hora. Está equipada con un interruptor electrónico que corta la energía al motor del engranaje a 1 RPM cuando el carro llega a la final de la vía.
Esto permite al usuario configurar el disparo y salir sin correr el riesgo de daños a la plataforma móvil y su equipo en el caso de rebasamientos del carro en la longitud de la pista.

Lo que hace esta plataforma especialmente única es su capacidad para dar cabida a las pistas curvas sin doblarse o descarrilarse. La plataforma móvil está diseñada con tres ruedas. Dos de los conjuntos de la rueda sobre el carril exterior, mientras que la tercera rueda del conjunto se monta en un brazo telescópico que permite a la plataforma móvil para adaptarse a cualquier discrepancia en los rieles curvos.

El movimietno del carro en un sistema ferroviario ajustable y desmontable para un fácil transporte.
Los videos estan en ingles... pero se hace uno mas o menos a la idea de su construccion.



domingo, 6 de febrero de 2011

QUENTIN TARANTINO

Quentin Tarantino nació en Knoxville, Tennessee, el 27 de marzo de 1963 y es un guionista, director, actor y productor de cine estadounidense, ganador del premio Óscar y de la Palma de Oro.

El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, al herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.

Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70.

Tarantino abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los 22 años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles.



Junto a Roger Avary y Jerry Martínez, comenzo a ofrecer escenas prácticas en sus clases de interpretación. Tras un tiempo trabajando con Avary y otros amigos, Tarantino pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" con un escritor desconocido como director, Tarantino escribió en 1991 Reservoir Dogs , con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles.



Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel , y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.

A partir de hay... pues ya el tarantino que todos conocemos, completamente genial.



FILMOGRAFIA

Como director

My Best Friend's Birthday (1987) - Primera película no oficial
Reservoir Dogs (1992)
Pulp Fiction (1994)
Four Rooms (1995) - Director del segmento The Man From Hollywood
Jackie Brown (1997)
Kill Bill Vol.1 (2003)
Jimmy Kimmel Live! - Director del episodio del 20 de abril de 2004
Kill Bill Vol.2 (2004)
CSI: Crime Scene Investigation (2005) - Director de las partes 1 y 2 del episodio Grave Danger
Sin City (2005) - Como Director invitado
Grindhouse/Death Proof (2007)
Inglourious Basterds (2009)

Como productor

Machete (2010)
Hell Ride (2008)
Grindhouse (2007)
Planet Terror (2007)
Death Proof (2007)
Hostel: Part II (2007)
Freedom's Fury (2006)
Hostel (2005)
Daltry Calhoun (2005)
My Name Is Modesty: A Modesty Blaise Adventure (2004)
God Said, 'Ha!' (1998)
Curdled (1996)
From Dusk Till Dawn (1996)
Four Rooms (1995)
Killing Zoe (1994)
Siu nin Wong Fei Hung ji: Tit Ma Lau (Iron Monkey) (1993)
Past Midnight (1991)

Como guionista

Inglourious Basterds (2009)
Grindhouse (2007)
Death Proof (2007)
CSI: Crime Scene Investigation (partes 1 y 2 del episodio «Grave Danger», 2005)
Kill Bill (2003 y 2004)
Jackie Brown (1997)
From Dusk Till Dawn (1996)
Four Rooms (1995)
ER (episodio «Motherhood», 1995)
Dance Me to the End of Love (1995)
Natural Born Killers (1994)
Pulp Fiction (1994)
True Romance (1993)
Reservoir Dogs (1992)
My Best Friend's Birthday (1987)

Como actor

Sukiyaki Western: Django (2007)
Planet Terror (2007)
Death Proof (2007)
Alias (voz en un episodio y actuación en otros tres, 2003)
Kill Bill Vol.1 (2003)
Little Nicky (2000)
Jackie Brown (voz, 1997)
Girl 6 (1996)
From Dusk Till Dawn (1996)
Desperado (1995)
Four Rooms (1995)
Destiny Turns on the Radio (1995)
Dance Me to the End of Love (1994)
Sleep With Me (1994)
Somebody to Love (1994)
Pulp Fiction (1994)
Reservoir Dogs (1992)
Eddie Presley (1992)
My Best Friend's Birthday (1987)

lunes, 31 de enero de 2011

OSCAR 2011

La fiesta por excelencia cinematográfica ya comenzó oficialmente con el anuncio de las nominaciones a los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, más conocidos por los Oscar... en su y 83ª Edición.

Entre las películas de habla hispana... Biutiful será la película más importante de la noche, dado que además de la esperada nominación como mejor película extranjera también consiguió una nominación para su protagonista Javier Bardem como mejor actor.

El presidente de la Academia, Tom Sherak, presentó a la actriz Mo’Nique, ganadora el año pasado del Oscar a la Mejor Actriz de Reparto , para hacer los anuncios.

El 27 de febrero se conocerán los ganadores, en una ceremonia amenizada por los actores James Franco y Anne Hathaway.

Destacan entre otros los films: "El Discurso del Rey" (12 nominaciones), "Valor de Ley" (10 nominaciones), y "Origen" así como "La Red Social" con 8 nominaciones cada una.

martes, 25 de enero de 2011

200 CONSEJOS PRACTICOS DE CINE (111 al 115)

111. No a los títulos de siempre

Al pensar un texto para el título inicial, procurar hallar una forma indirecta de decirlo. Intentar ser original. La mayoría de los títulos de aficionados «descubren» demasiado pronto el contenido de la película, mientras que justamente el título debe provocar la curiosidad del público. Una película es un lenguaje de imágenes; haz por lo tanto que el título sea «imaginario».



Ejemplos:

en vez de Carnaval - Viva la alegría
en vez deDía de la madre - Homenaje
en vez de Exposición de flores - Feria de color
en vez de Un día en el zoo - Monos jugango
en vez de Un viaje por mar - Sobre las olas
en vez de El parque - Un safari
en vez de Cumpleaños de Pepito - Pasando el umbral

112. Título inicial para la película de vacaciones

Haz que el título de la película de vacaciones sea algo divertido. ¿Una sugerencia? Construye el título con letras autoadhesivas y sitúelo en el cristal posterior de su coche. Graba este título con la lente zoom regulada en teleobjetivo. Con el zoom retírate poco a poco pasando a gran angular al propio tiempo que alguien se aleja con el coche. Mientras el coche se aleja fuera de la imagen, aparece un grupo de gente que dice adiós en la imagen y que estaba situado en el lado opuesto del coche. Iniciando así su película de vacaciones, ya tienes un principio captador. Esta toma puede hacerse en el momento que lo desee. No es necesario en el mismo momento de ir de vacaciones. Siempre se podrá reunir a «los que dicen adiós».



113. Ruta de vacaciones

Para dar a su público una idea clara de la ruta que ha seguido durante las vacaciones, opere de la siguiente manera: indique claramente con una toma de 2 a 3 s. el punto de partida en un mapa de carreteras o un mapa general. Utilice entonces un rotulador que escriba suficientemente grueso, y trace una línea que prolongará muy lentamente, al tiempo que, con el botón foto a foto, va captando su recorrido. La reproducción de la ruta total del viaje con los nombres de las ciudades, se interrumpe en el momento de montar la película con las tomas que ha hecho durante el viaje. Puede seguir esta ruta mediante un cochecito de juguete que tenga el mismo color y marca que su propio vehículo sobre un mapa extendido, moviéndolo mediante un imán colocado debajo de dicho mapa.

114. Títulos intermedios

En las películas de vacaciones es imprescindible incluir títulos intermedios para informar mejor a su público. Suponga que ha hecho un viaje de vacaciones por varios países y ha rodado varias ciudades. Es lógico que explique de qué ciudad se trata. Para ello y para mejor información grabe de cada ciudad un letrero con el nombre o un monumento o edificio característico. Hágalo desde puntos de vista variados y cada vez con distintos enfoques. Al pasar una frontera puede filmarla con un primer plano de la bandera del país donde va a entrar.

115. Título intermedio con zoom

En una película de vacaciones son muy importantes: un letrero con el nombre de una ciudad o de un pueblo, un escudo, un letrero con el nombre de un río, el nombre de un paso de montaña, etc. He aquí cómo hacerlo: enfoque primero el rótulo con el zoom en posición tele. Pero empiece rodando en posición gran angular, grabe el letrero durante unos 6 s. y después haz zoom pasando a tele en cuya posición sigue filmando unos 4 s. En fin, póngalo en práctica cuando considere que el momento vale la pena.

jueves, 13 de enero de 2011

MEZCLADORA-GRABADORA TRICASTER

El sistema Tricaster es una unidad móvil de producción Audio-Vídeo. para el trabajo con varias cámaras a la vez y otras fuentes de mezcla. Cuenta con puntos muy importantes como son:

Salida a Streaming, Chroma key en tiempo real, edición lineal, uso de banderas y elementos en en vivo, así también una titiladora en tiempo real.
El modelo básico permite: conmutación en vivo de 3 cámaras • 200 transiciones • Mezclador de títulos y audio • IVGA ™ de importación de gráficos • Integra vídeo clip en reproducción • Imagen • claves de color • Streaming en vivo de Internet AVI o WMV registro profesional de edición de vídeo... etc...
Hay varios modelos con mas o menos características que son:

Tricaster 3: con 3 entradas de vídeo, salida a web, efectos, tituladora, gráficos.


Tricaster Pro: Este modelo es más completo ya que incluye entradas vía composite y super vídeo, y además sets virtuales, más capacidad de almacenaje.

Tricaster Studio: 6 canales de vídeo, sets virtuales foto realistas, chroma key en tiempo real, mezcladora de audio, transmisión en vivo por la web.

Tricaster Broadcast: Ahora con soporte de entrada SDI que ofrece mejor calidad, 6 entradas de vídeo, y más efectos.



Sistema de realización y presentación en vivo.
3 entradas de vídeo en Y/C y compuesto
3 entradas de micro
1 estéreo RCA
2 FireWire
6 entradas USB 2.0.

Tricaster puede almacenar más de 6 horas de vídeo y admite formatos PAL, NTSC, 3.54/4.43 y codecs DV, AVI, WMV, MPG-1, formatos de imágen PNG, BMP, JPG, TGA, PSD. En audio maneja codecs WAV y MP3Funciones del sistema: Mezclador en directo, internet streaming, titulación de vídeo, captura de vídeo, VGA scan converter, VGA scalling, Edición no lineal, DDR, secuencias de imágenes, color background generator, mezclador de audio, proc amp.

El sistema permite tener 2 salidas de vídeo compuesto o Y/C, 1 salida estéreo RCA, 1 salida para monitor VGA, 1 salida DVI/VGA para proyección, 1 salida de streaming para internet y 1 salida de auriculares para monitorización.

El precio va desde los 5.702 € para uso educacional. Monitor y Consola externa T-Bar opcional.

Contacto: video@video.com.mx